tag:blogger.com,1999:blog-27066356528913298582024-01-13T21:15:59.567+01:00Grandes Genios De La PinturaARTE Y CULTURAMaribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.comBlogger588125tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-27808309554473637122014-04-14T22:01:00.002+02:002014-04-14T22:01:54.861+02:00Alexander Averin 1952 ( Pintor Ruso )<b><span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><br /></span></b>
<img alt="Foto: Pintura de Alexander Averin
El tema principal de la pintura de Alexander Averin son escenas de género con encantadoras señoritas rusas contra florecientes prados y jardines, las costas del río de sombra y paisajes marinos . Parcela de las pinturas está lleno de sincera calidez y sentimientos cordiales hacia los niños.
Averin aprendió la técnica del pintor Dmitri Yorontnov en la Escuela de Bellas Artes “ Souvenir de I’An 1905 ”en Moscú. Es miembro de la Asociación de Pintores de Moscú, con el que ha expuesto en muchas ocasiones. Durante muchos años se especializó en retratos . Su estilo es puramente realista , con una fuerte influencia de los finales del siglo 19 pintores rusos, por lo general representa escenas domésticas en un crepúsculo suave. Su pintura realista es típico de los de finales del siglo 19. Al igual que Pavel Fedotov, pintor favorito de Averin, trabaja al aire libre en el aire , utilizando un entorno de inspirar el cepillo y complementar el trabajo.
Maribel Alonso
10 abril 2014" src="https://fbcdn-sphotos-h-a.akamaihd.net/hphotos-ak-frc3/t1.0-9/s640x640/10174945_10202765680414489_5024164399731983051_n.jpg" /><br />
<b><span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><br /></span></b>
<b><span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><br /></span></b>
<b><span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;">Pintura de Alexander Averin</span><br style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;" /><br style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;" /><span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;">El tema principal de la pintura de Alexander Averin son escenas de género con encantadoras señoritas rusas contra florecientes prados y jardines, las costas del río de sombra y paisajes marinos . Parcela de las</span><span class="text_exposed_show" style="background-color: white; color: #37404e; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"> pinturas está lleno de sincera calidez y sentimientos cordiales hacia los niños.<br /><br />Averin aprendió la técnica del pintor Dmitri Yorontnov en la Escuela de Bellas Artes “ Souvenir de I’An 1905 ”en Moscú. Es miembro de la Asociación de Pintores de Moscú, con el que ha expuesto en muchas ocasiones. Durante muchos años se especializó en retratos . Su estilo es puramente realista , con una fuerte influencia de los finales del siglo 19 pintores rusos, por lo general representa escenas domésticas en un crepúsculo suave. Su pintura realista es típico de los de finales del siglo 19. Al igual que Pavel Fedotov, pintor favorito de Averin, trabaja al aire libre en el aire , utilizando un entorno de inspirar el cepillo y complementar el trabajo.</span></b><br />
<span class="text_exposed_show" style="background-color: white; color: #37404e; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><b><br /></b></span>
<span class="text_exposed_show" style="background-color: white; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><span style="color: #333333; font-family: arial, sans-serif; line-height: 17px;"><b>Alexander Averin nació en 1952. en la región de Moscú. Se graduóde la Escuela de Arte de Moscú, "Memoria 1905". Estado de la Uniónde Artistas de Rusia desde 1984. Participante en varias exposicionesinternacionales, nacionales, e individuales desde 1976. Las obras deAlexander Averin se encuentran en colecciones privadas en Rusia,Francia, Gran Bretaña, EE.UU., España, Portugal, Italia, Dinamarca,Japón y muchos otros países. Varias de sus obras fueron vendidasen subastas de arte en Inglaterra, Francia y Dinamarca.El tema principal de la pintura de Alejandro Averin son escenas de lavida cotidiana con hermosas mujeres jóvenes y los niños entraron enun contexto de florecer los prados, jardines, colinas y paisajes del ríoal mar. Las pinturas de colores llenan los ojos sin intelectualismo a lacomprensión de la obra. Pintura de estilo claramente impresionista,cuyo carácter es la fidelidad a los colores de la naturaleza, y el focode iluminación, con escenas hermosas y personajes idealizados.Podemos sentir el aliento fresco del Mar Báltico, la transparencia delaire y la pureza de los personajes retratados en la obra de Averin.Una combinación perfecta de un retrato y un paisaje con un estiloimpresionista, con el talento del artista Alexander Averin.</b></span><b><span style="color: #444444;"><br /></span><br /><span style="color: #37404e;">Maribel Alonso </span></b></span><br />
<span class="text_exposed_show" style="background-color: white; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><b><span style="color: #37404e;">10 abril 2014</span></b></span><br />
<span class="text_exposed_show" style="background-color: white; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><b><span style="color: #37404e;"><br /></span></b></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/D85-WScDk6I?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<span class="text_exposed_show" style="background-color: white; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><b><span style="color: #37404e;"><br /></span></b></span>Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-46012435207799444722014-04-14T21:52:00.002+02:002014-04-14T21:52:24.627+02:00Howard Behrens 1933 ( Pintor Americano )<img alt="Foto: Howard Beherens
Howard Behrens (nacido en 1933) es un americano muy popular artista cuyas obras de arte originales se venden en galerías de arte y en una subasta en los cruceros. Ediciones limitadas y abiertas Behrens 'se venden internacionalmente.
"Behrens es considerado por la crítica y los conocedores por igual como" el único, el único, el maestro de la espátula y, como cuestión de hecho, Howard Behrens, a través de su trabajo, a la altura de la denominación de origen ".
Si alguna vez hubo un compositor de color, que es Howard Behrens, un pintor brillante que ha surgido entre un mar de artistas a convertirse en el prominente maestro moderno del cuchillo de paleta y un traductor incomparable del color.
"Howard es el mejor colorista entre un gran grupo de pintores post-impresionistas en los EE.UU. hoy en día", compartió Harriet Rinehart, fundador de Rinehart Bellas Artes. "A pesar de que muchas personas tratan de imitarlo, siempre surgen segundo mejor", "Hay muchos que han tratado de imitar su estilo, pero nadie se ha acercado", añadió Josh Miller Galleries de Ocean en Stone Harbor y Avalon, Nueva Jersey . "Hay diferentes personas que tratan de hacer lo que hace, pero que simplemente no llevarlo a cabo", coincidió Rick Moore de Rick Moore Fine Art en Naples, Florida ".
Siguiendo la tradición de los pintores a lo largo de los siglos, Behrens fue atraído por ciudades europeas, las aldeas y las colinas en busca de la materia. En el arte de Behrens, que explora las vistas románticas del mundo occidental, se nos presenta con una sacudida de reconocimiento orquestada con una sutileza y el drama que pone de relieve el triunfo del espíritu humano que se manifiesta en la fusión de arte y naturaleza. El acto creativo no se lleva a cabo por el artista solo, el espectador lleva la obra en contacto con el mundo exterior mediante el desciframiento y la integración de sus calificaciones internas, por lo que suma su contribución al acto creativo. Howard Behrens reconoce que el arte es, después de todo, un espejo de la vida. Queda por constantemente explorado, en espera de los cambios de estado de ánimo y auto en un crecimiento sin fin de la percepción.
Maribel Alonso
10 abril 2014" src="https://scontent-a-mad.xx.fbcdn.net/hphotos-prn1/t1.0-9/s640x640/10015163_10202766212347787_5618155474372838133_n.jpg" /><br />
<b><span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><br /></span></b>
<b><span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><br /></span></b>
<b><span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;">Howard Behrens (nacido en 1933) es un americano muy popular artista cuyas obras de arte originales se venden en galerías de arte y en una subasta en los cruceros. Ediciones limitadas y abiertas Behrens 'se venden internacio</span><span class="text_exposed_show" style="background-color: white; color: #37404e; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;">nalmente.<br />"Behrens es considerado por la crítica y los conocedores por igual como" el único, el único, el maestro de la espátula y, como cuestión de hecho, Howard Behrens, a través de su trabajo, a la altura de la denominación de origen ".<br /><br />Si alguna vez hubo un compositor de color, que es Howard Behrens, un pintor brillante que ha surgido entre un mar de artistas a convertirse en el prominente maestro moderno del cuchillo de paleta y un traductor incomparable del color.<br /><br />"Howard es el mejor colorista entre un gran grupo de pintores post-impresionistas en los EE.UU. hoy en día", compartió Harriet Rinehart, fundador de Rinehart Bellas Artes. "A pesar de que muchas personas tratan de imitarlo, siempre surgen segundo mejor", "Hay muchos que han tratado de imitar su estilo, pero nadie se ha acercado", añadió Josh Miller Galleries de Ocean en Stone Harbor y Avalon, Nueva Jersey . "Hay diferentes personas que tratan de hacer lo que hace, pero que simplemente no llevarlo a cabo", coincidió Rick Moore de Rick Moore Fine Art en Naples, Florida ".<br /><br />Siguiendo la tradición de los pintores a lo largo de los siglos, Behrens fue atraído por ciudades europeas, las aldeas y las colinas en busca de la materia. En el arte de Behrens, que explora las vistas románticas del mundo occidental, se nos presenta con una sacudida de reconocimiento orquestada con una sutileza y el drama que pone de relieve el triunfo del espíritu humano que se manifiesta en la fusión de arte y naturaleza. El acto creativo no se lleva a cabo por el artista solo, el espectador lleva la obra en contacto con el mundo exterior mediante el desciframiento y la integración de sus calificaciones internas, por lo que suma su contribución al acto creativo. Howard Behrens reconoce que el arte es, después de todo, un espejo de la vida. Queda por constantemente explorado, en espera de los cambios de estado de ánimo y auto en un crecimiento sin fin de la percepción.<br /><br />Maribel Alonso<br />10 abril 2014</span></b><br />
<b><span class="text_exposed_show" style="background-color: white; color: #37404e; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><br /></span></b>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/SQNtPLO-OlQ?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<b><span class="text_exposed_show" style="background-color: white; color: #37404e; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><br /></span></b>Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-43046600315273677592014-04-14T21:40:00.001+02:002014-04-14T21:44:18.320+02:00Johannes Wessmark 1962 ( Pintor Sueco )<img alt="Foto: Pintura de Johanne Wessmark ( Pintor Sueco )
Sus pinturas muestran una amplia variedad de temas que van desde las mujeres, naturaleza, paisajes, coches y bodegones finamente ejecutadas utilizando acrílico, gouache, acuarela y lápices de colores.
«No tengo ningún tema favorito. Pero las mujeres, y la naturaleza es siempre divertido e inspirador.
Los lápices de colores siempre han sido mi herramienta favorita, aunque he pintado muchas acuarelas y pinturas de aire de pincel a través de los años. Mi primer modelo de la pintura "Emmy en reposo" es un buen ejemplo de la mezcla entre gouache aire cepillado y lápices de colores. » ( Joannes Wessmark )
Johannes Wessmark es un artista sueco nacido en 1962 en Karlstad.
De formación autodidacta, trabajó más de 15 años como ilustrador, dedicado a una obra de innegable calidad técnica, centrada en la representación fotorrealista.
Ha presentado sus creaciones en un gran número de muestras individuales y colectivas en Noruega, Dinamarca y Estados Unidos.
Ha publicado un libro (primera edición en sueco) "Johannes Wessmark - photorealist", con reproducciones de 90 de sus obras e imágenes de su proceso creativo.
Maribel Alonso
11 abril 2014" src="https://scontent-a-mad.xx.fbcdn.net/hphotos-prn2/t1.0-9/s640x640/10154480_10202770656938899_560407578201679248_n.jpg" /><br />
<b><span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><br /></span></b>
<b><span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><br /></span></b>
<b><span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;">Pintura de Johanne Wessmark </span><br style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;" /><span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><br /></span></b><br />
<b><span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;">Sus pinturas muestran una amplia variedad de temas que van desde las mujeres, naturaleza, paisajes, coches y bodegones finamente ejecutadas utilizando acrílico, gouache, acuarela y lápices de co</span><span class="text_exposed_show" style="background-color: white; color: #37404e; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;">lores.<br />«No tengo ningún tema favorito. Pero las mujeres, y la naturaleza es siempre divertido e inspirador.<br />Los lápices de colores siempre han sido mi herramienta favorita, aunque he pintado muchas acuarelas y pinturas de aire de pincel a través de los años. Mi primer modelo de la pintura "Emmy en reposo" es un buen ejemplo de la mezcla entre gouache aire cepillado y lápices de colores. » ( Joannes Wessmark )<br /><br />Johannes Wessmark es un artista sueco nacido en 1962 en Karlstad.<br />De formación autodidacta, trabajó más de 15 años como ilustrador, dedicado a una obra de innegable calidad técnica, centrada en la representación fotorrealista.<br />Ha presentado sus creaciones en un gran número de muestras individuales y colectivas en Noruega, Dinamarca y Estados Unidos.<br />Ha publicado un libro (primera edición en sueco) "Johannes Wessmark - photorealist", con reproducciones de 90 de sus obras e imágenes de su proceso creativo.<br /><br />Maribel Alonso<br />11 abril 2014</span></b><br />
<span class="text_exposed_show" style="background-color: white; color: #37404e; display: inline; font-family: lucida grande, tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><b><br /></b></span>
<span class="text_exposed_show" style="background-color: white; color: #37404e; display: inline; font-family: lucida grande, tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><b>http://youtu.be/T935FkIET2E</b></span>
<br />
<b><span class="text_exposed_show" style="background-color: white; color: #37404e; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><br /></span></b>Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-35865201635513639132014-04-14T21:27:00.000+02:002014-04-14T21:31:29.803+02:00Joan Marc Janiaczyk 1966 ( Pintor Francés )<span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; font-size: 12.800000190734863px; line-height: 18px;">Pintura de Joan Marc Janiaczyk</span><br />
<br style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; font-size: 12.800000190734863px; line-height: 18px;" />
<img alt="Foto: Pintura de Joan Marc Janiaczyk
Este pintor frances, de trazo impresionista, que en gran parte de sus obras nos acerca al color de la Provenza y a su luz maravillosa, pero... ahora que lo conocí, quiero compartirlo con vosotras porque entiendo que sus pinturas nos pueden enriquecer muchísimo y ser útiles en algunos trabajos con decoupage. Espero que os gusten tanto como a mí.
Más luz! Más color! pétalos de color malva lavanda en flor, de color rojo brillante - amapolas, amarillo asoleado - girasoles, naranja y verde de calor - la primavera y el otoño el follaje ... He aquí la pintura moderna que el pintor impresionista francés Jean-Marc Janiaczyk lo utiliza para escribir su impresionante , brillantes y positivas paisajes. ¿Qué dices, impresionismo ahora fuera de moda? Pero fuera de la moda nunca pasan del estado de ánimo positivo y bueno.
Pétalos púrpuras florecientes de la lavanda, de color rojo brillante - amapolas, amarillo asoleado - girasoles, naranja y verde de calor - la primavera y el otoño el follaje ... Estos son los colores básicos, que un artista moderno francés Jean-Marc Janiaczyk lo utiliza para escribir su impresionante, brillante y paisajes positivos. ¿Qué dices, impresionismo ahora fuera de moda? Pero fuera de la moda nunca pasan positiva y buen humor.
Jean-Marc Janiaczyk nació en 1966 en Douai, en el norte de Francia, es un pintor paisajista autodidacta que pinta exclusivamente oleos y en 1990 comenzó con un estilo técnicamente exigente, el hiper-realismo. En 1998 comenzó a utilizar espátula y se dedico sobre todo a paisajes de la Provenza, con sus colores vibrantes e intensos. En sus pinturas ha retratado con fidelidad la luz y el calor del verano de la región. Amapolas de color rojo brillante, girasoles anaranjados, campos, casas modestas en el lateral de la carretera que se escapan en la distancia ... en los paisajes del autor se pueden ver algunas similitudes con las obras de su maestro e inspirador, V. Van Gogh. Expuso sus obras en la Florida, Francia, Dinamarca, Alemania, España y Marruecos y sus pinturas se encuentran en muchas colecciones privadas en Francia, Bélgica, EE.UU., Dinamarca, Alemania, España, República Checa y Marruecos.
Maribel Alonso
10 abril 2014" src="https://fbcdn-sphotos-e-a.akamaihd.net/hphotos-ak-frc3/t1.0-9/s640x640/10170954_10202776288479684_6256116815934667489_n.jpg" /><br />
<b><span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><br /></span></b>
<b><span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><br /></span></b>
<b><span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;">Este pintor frances, de trazo impresionista, que en gran parte de sus obras nos acerca al color de la Provenza y a su luz maravillosa, pero... ahora que lo conocí, quiero compartirlo con vosotras porque enti</span><span class="text_exposed_show" style="background-color: white; color: #37404e; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;">endo que sus pinturas nos pueden enriquecer muchísimo y ser útiles en algunos trabajos con decoupage. Espero que os gusten tanto como a mí.<br /><br />Más luz! Más color! pétalos de color malva lavanda en flor, de color rojo brillante - amapolas, amarillo asoleado - girasoles, naranja y verde de calor - la primavera y el otoño el follaje ... He aquí la pintura moderna que el pintor impresionista francés Jean-Marc Janiaczyk lo utiliza para escribir su impresionante , brillantes y positivas paisajes. ¿Qué dices, impresionismo ahora fuera de moda? Pero fuera de la moda nunca pasan del estado de ánimo positivo y bueno.<br />Pétalos púrpuras florecientes de la lavanda, de color rojo brillante - amapolas, amarillo asoleado - girasoles, naranja y verde de calor - la primavera y el otoño el follaje ... Estos son los colores básicos, que un artista moderno francés Jean-Marc Janiaczyk lo utiliza para escribir su impresionante, brillante y paisajes positivos. ¿Qué dices, impresionismo ahora fuera de moda? Pero fuera de la moda nunca pasan positiva y buen humor.<br /><br />Jean-Marc Janiaczyk nació en 1966 en Douai, en el norte de Francia, es un pintor paisajista autodidacta que pinta exclusivamente oleos y en 1990 comenzó con un estilo técnicamente exigente, el hiper-realismo. En 1998 comenzó a utilizar espátula y se dedico sobre todo a paisajes de la Provenza, con sus colores vibrantes e intensos. En sus pinturas ha retratado con fidelidad la luz y el calor del verano de la región. Amapolas de color rojo brillante, girasoles anaranjados, campos, casas modestas en el lateral de la carretera que se escapan en la distancia ... en los paisajes del autor se pueden ver algunas similitudes con las obras de su maestro e inspirador, V. Van Gogh. Expuso sus obras en la Florida, Francia, Dinamarca, Alemania, España y Marruecos y sus pinturas se encuentran en muchas colecciones privadas en Francia, Bélgica, EE.UU., Dinamarca, Alemania, España, República Checa y Marruecos.<br /><br />Maribel Alonso<br />10 abril 2014</span></b><br />
<b><span class="text_exposed_show" style="background-color: white; color: #37404e; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><br /></span></b>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/O1Dr-RhauHY?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<object width="320" height="266" class="BLOGGER-youtube-video" classid="clsid:D27CDB6E-AE6D-11cf-96B8-444553540000" codebase="http://download.macromedia.com/pub/shockwave/cabs/flash/swflash.cab#version=6,0,40,0" data-thumbnail-src="https://ytimg.googleusercontent.com/vi/AN_SGiTehIM/0.jpg"><param name="movie" value="https://youtube.googleapis.com/v/AN_SGiTehIM&source=uds" /><param name="bgcolor" value="#FFFFFF" /><param name="allowFullScreen" value="true" /><embed width="320" height="266" src="https://youtube.googleapis.com/v/AN_SGiTehIM&source=uds" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true"></embed></object></div>
<b><span class="text_exposed_show" style="background-color: white; color: #37404e; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;"><br /></span></b>Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-21388920054873684432014-04-14T21:23:00.000+02:002014-04-14T21:23:20.065+02:00Pintura de Cherree Valentine Daines<img alt="Foto: Pintura de Cherree Valentine Daines
Sherree Valentine Daines es simplemente la cara moderna del impresionismo. , El estilo virtuoso técnicamente brillante crea evocaciones magistrales de algunos de los más bellos elementos de la vida . La autenticidad y la exactitud de su observación se suaviza por su acercamiento impresionista , la mano sutil mezcla de cada detalle en una creación que cultiva la elegancia.
"Como artista figurativo impresionista moderna y estoy fascinada por el efecto del color y de la luz sobre un tema más que el objeto en sí . También me gusta explorar las ideas de belleza y la alegría de vivir , entonces tiendo a buscar escenas que garantizo que voy a encontrar exactamente lo que estoy buscando , día kite Henley en Box Hill , playa viajes con hijos , todo esto me da la inspiración lo que necesito. encuentro los colores, el movimiento , la caída de un trozo de tela, el juego de luces y sombras todos lloramos a plasmar en el lienzo " .
Maribel Alonso
13 abril 2014" src="https://scontent-b-mad.xx.fbcdn.net/hphotos-ash3/t1.0-9/s640x640/10177449_10202783434898340_755902951862850670_n.jpg" /><br />
<br />
<b><span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;">Pintura de Cherree Valentine Daines</span><br style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;" /><br style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;" /><span style="background-color: white; color: #37404e; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;">Sherree Valentine Daines es simplemente la cara moderna del impresionismo. , El estilo virtuoso técnicamente brillante crea evocaciones magistrales de algunos de los más bellos elementos de la vida . La </span><span class="text_exposed_show" style="background-color: white; color: #37404e; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;">autenticidad y la exactitud de su observación se suaviza por su acercamiento impresionista , la mano sutil mezcla de cada detalle en una creación que cultiva la elegancia.<br /></span></b><br />
<b><span class="text_exposed_show" style="background-color: white; color: #37404e; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; line-height: 18px;">"Como artista figurativo impresionista moderna y estoy fascinada por el efecto del color y de la luz sobre un tema más que el objeto en sí . También me gusta explorar las ideas de belleza y la alegría de vivir , entonces tiendo a buscar escenas que garantizo que voy a encontrar exactamente lo que estoy buscando , día kite Henley en Box Hill , playa viajes con hijos , todo esto me da la inspiración lo que necesito. encuentro los colores, el movimiento , la caída de un trozo de tela, el juego de luces y sombras todos lloramos a plasmar en el lienzo " .<br /><br />Maribel Alonso<br />13 abril 2014</span></b><br />
<span class="text_exposed_show" style="background-color: white; color: #37404e; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; font-size: 12.800000190734863px; line-height: 18px;"><br /></span>
<span class="text_exposed_show" style="background-color: white; color: #37404e; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; font-size: 12.800000190734863px; line-height: 18px;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/pBxoXgrs9VY?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<span class="text_exposed_show" style="background-color: white; color: #37404e; display: inline; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; font-size: 12.800000190734863px; line-height: 18px;"><br /></span>
<br />Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-8845686753999864202013-06-24T19:59:00.001+02:002013-06-24T19:59:30.299+02:00Lauri Blank | Pintor Americano estilo Romántico Figurativo <span><br />
<span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-f.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-ash4/s720x720/1044802_514486051939117_1663732034_n.jpg" /></span><br />
<span class="photo "></span><br />
<span class="photo "><div class="force_dir">
<strong><span lang="es">Lauri en blanco estaba destinado a ser un alma creativo con una ardiente pasión por el arte. </span><span lang="es">Criados por una madre artística que asistió a la escuela de diseño en Nueva York y abuelos que todavía realizan a músicos (bien en los años 80), Lauri constantemente fue contratado por la creatividad y expresión artística; </span><span lang="es">la Fundación de una carrera futura.</span></strong></div>
<strong><br /></strong><strong><span lang="es">Aclamación primera del mundo de este talentoso artista vino cuando tenía sólo siete. </span><span lang="es">Madre de Blank, al reconocer el talento que poseía en una edad tan temprana, propuso de Lauri de Betsy Ross a la competencia de arte Bicentenario del periódico local. </span><span lang="es">Su trabajo se puso primero.</span></strong><br />
<strong><br /></strong><strong><span lang="es">Tratando de ampliar sus horizontes artísticos, Lauri empezó a experimentar con diferentes tipos de medios de comunicación. </span><span lang="es">Unos años más tarde, a la edad de 12, Lauri fue honrado por el Norton Museum of Art que incluyó su pintura tridimensional de una mujer joven envejecimiento lentamente en su prestigiosa exposición nacional.</span></strong><br />
<strong><br /></strong><strong><span lang="es">Continuando su camino de exploración creativa, Lauri se convirtió en un exitoso modelo a los 14, todavía pintura cada vez que podía. </span><span lang="es">Lauri absorbido todo el material escrito que podría adquirir en las artes. </span><span lang="es">Ella pasó los próximos años perfeccionar sus habilidades particulares mientras que adornan las portadas de revistas, pasarelas y campañas publicitarias. </span><span lang="es">Como está en consonancia con las almas más artísticas, blanco quería alejar y ensayar algo nuevo; </span><span lang="es">también en el campo del arte y diseño. </span><span lang="es">Volviendo su mirada creativa en el mundo de la moda, Lauri se trasladó a Bogotá, Colombia. </span><span lang="es">Después de establecer su propio diseño de vestido de alta costura y el negocio de fabricación, parecía que el lienzo seña para su regreso como al exterior de cada día pasado.</span></strong></span><strong></strong><br />
<span><strong> </strong><br />
<span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-g.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-ash4/1001465_514487238605665_1670295984_n.jpg" /></span><br />
</span><br />
<br />
<div class="force_dir">
<strong><span lang="es">Lauri volvió a los Estados Unidos y se embarcó en la carrera a tiempo completo, "sentí la necesidad de crear algo nuevo, cada día, ya sea una pintura, diseño de interiores o música clásica. </span><span lang="es">Que no podías hacer que manera - una vez exitosa, el negocio se convierte más producción y menos sobre la creatividad. " </span><span lang="es">A medida que crecía su talento, espacio en blanco se encontró naturalmente atraído por las imágenes y las complejidades de la forma humana. </span><span lang="es">Ella se centró especialmente en la forma femenina, aprender a capturar su esencia en su lienzo. </span><span lang="es">Uninhibited por formación convencional o formal, su talento se tomó en un original de vida propia. </span><span lang="es">Arte de Blank exhibe un impecable realismo romántico olvidado por tendencias día comercialmente conducido, moderno. </span><span lang="es">El atractivo de su trabajo es atemporal. </span><span lang="es">Ella sigue evolucionando su pasión, poniendo el máximo cuidado en el desarrollo de cada composición individual. </span><span lang="es">Lo más notable es que ella no utiliza modelos vivos. </span><span lang="es">Las imágenes crean ellos mismos.</span></strong></div>
<strong><br /></strong><strong><span lang="es">Sus talentos fueron reconocidos inmediatamente por patronos en Washington D.C. y el área de Miami, donde ella aceptó numerosos encargos importantes. </span><span lang="es">Y luego en 1999, la carrera de Lauri tomaría un giro diferente, uno que se parecía a uno de los maestros que estudió durante la mayor parte de su vida.</span></strong></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://3.bp.blogspot.com/-nTxciIc64v8/T7CwnibZXYI/AAAAAAABomI/CyQYg4Y6xhw/s1600/Lauri+Blank+-++Tutt%2527Art%2540+%252814%2529.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Lauri Blank | American Romantic Figuritism painter" border="0" src="http://3.bp.blogspot.com/-nTxciIc64v8/T7CwnibZXYI/AAAAAAABomI/CyQYg4Y6xhw/s1600/Lauri+Blank+-++Tutt%2527Art%2540+%252814%2529.jpg" title="Lauri Blank | American Romantic Figuritism painter" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<div class="force_dir">
<strong><span lang="es">Lauri en blanco fue el encargado de pintar el techo de una iglesia del siglo XVIII en el viejo Montreal. </span><span lang="es">Durante meses, el artista trabajó día y noche pintando el techo de la Catedral mientras está parado en el andamiaje que tuvo una caída de cinco pisos en el piso de mármol abajo. </span><span lang="es">Fue la experiencia más mágica que ha tenido y está muy orgulloso de este trabajo.</span></strong></div>
<br /><div class="force_dir">
<strong><span lang="es">Cobertura nacional recibida en blanco dentro de Architectural Digest y su trabajo de la antigua catedral de Montreal apareció en HGTV. </span><span lang="es">Ella ha sido llamada "propia de las zonas de Ft. Lauderdale Michelangelo".</span></strong></div>
<br /><div class="force_dir">
<strong><span lang="es">Trabajo de Blank ha sido expuesta en galerías de todo el país. </span><span lang="es">Ella recibe la atención de los medios de comunicación frecuente y ha aparecido en numerosas portadas de revistas en toda la zona de Miami. </span><span lang="es">En 2002, en blanco fue seleccionado como el artista a los Grammy 2002. </span><span lang="es">Su obra "Post 911" Grammy simbolizó el patriotismo de una nación con nuestro amor por la música.</span></strong></div>
<br /><div class="force_dir">
<strong><span lang="es">Estilo de Lauri de la fusión de las técnicas y los iconos del viejo maestro con ideología cultural de hoy, ha ganado su reconocimiento. </span><span lang="es">Sus poderosas imágenes, junto con su pasión y devoción saltan de la lona y transportan al espectador a una era de ido. </span><span lang="es">Su propio estilo imitable, que el artista se refiere como "Romántico Figuratism", trae una sensación de paz y reflexión al mundo hoy en día. </span><span lang="es">"La pasión en mi corazón... influye y alimenta mi amor por el arte y mi profesión" dice el espacio en blanco de sus logros.</span></strong></div>
<div class="force_dir">
<strong></strong> </div>
<div class="force_dir">
<strong>Maribel Alonso Perez</strong></div>
<div class="force_dir">
<strong>24 junio 2013</strong></div>
<div class="force_dir">
<strong></strong> </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/CcjGcebYA6g?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
<div class="force_dir">
</div>
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-69153065557681361532013-06-18T19:49:00.002+02:002013-06-18T19:52:37.157+02:00Margarita Sikorskaia 1968 Pintora Rusa<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<strong> </strong><br />
<span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-a.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-ash4/1002792_512151172172605_755020090_n.jpg" /></span><br />
<br />
<strong>Ha
sido una sorpresa encontrar las pinturas de Margarita Sikorskaia y,
siempre dispuesta para el agasajo de los sentidos en los que éstos
tienen de proveedores de belleza, me dejé invadir por estas imágenes de
lineas redondeadas, de figuras coloridas y entrelazadas por el amor.-</strong><strong> </strong><strong>Margarita
nacio en la bellisima e histórica ciudad de San Petersburgo, Rusia, en
1968 y luego de estudiar en el Departamento de Artes Gràficas en la
Universidad Hertzen de esa ciudad, viajò a los Estados Unidos en 1990,
en donde vive actualmente.-</strong><strong>Entre acuarelas
y òleos, ha realizado numerosas exposiciones en ese paìs con èxito de
pùblico y de reconocimiento de la crìtica especializada.-</strong><strong> </strong><br />
<br />
<span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-g.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-ash4/1004033_512151495505906_1093655347_n.jpg" /></span><br />
<br />
<strong>Pero
aquì, en "miradadebruja", la crìtica se diluye en el goce que provoca a
nuestra vista y de allí directo a esas zonas de nuestra sensibilidad
que se despiertan y disfrutan sin cànones, escuelas o academias.-</strong><br />
<br />
<strong>Las
lìneas redondeadas son, en mi entender, exactamente las necesarias
para describir visualmente, la uniòn amorosa del hombre y la mujer, en
donde los limites de los cuerpos se confunden y las fronteras se
evaporan, se borran el "tu" y el "yo" y nace, hermosa y contundente, la
fuerza de la unidad, una nueva entidad.-</strong><br />
<br />
<span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-e.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-ash3/1016052_512152215505834_1067422371_n.jpg" /></span><br />
<br />
<strong>La Maternidad que crea vìnculos mágicos entre las mujeres...hermanándolas en la experiencia intransferible de ser Madres.</strong><br />
<strong>La
fuerza de los abrazos y la uniòn se ubican en diversos escenarios, la
Naturaleza es lecho y testigo mudo de los cuerpos entrelazados . Antes,
durante y despues del acto amoroso, se nos trasmite algo vigoroso, pleno
de vitalidad y encanto. Los colores primarios son precisos, y se curvan
en las lìneas de los cuerpos que se aman.-</strong><strong>Por
supuesto que he ordenado los cuadros con intencionalidad, ignoro cual
fue la secuencia de la obra de la autora, pero la historia está latente
en ellos, y es un relato de vida, fecundo y creador.-</strong><br />
<br />
<strong>Me ha conmovido la imagen de la madre a
solas con su recién nacido, en ese acto primigenio que deberìa ser
ìntimo y preservado de miradas ajenas.- Los brazos se vuelven cuna y
amparo...</strong><br />
<br />
<span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-c.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-ash3/934906_512153602172362_68288855_n.jpg" /></span><br />
<br />
<strong>Otras
imagenes rompen el cìrculo madre/hijo y nos relatan la otra parte de
la historia que no siempre se comparte, la del amor entre
padre/hijo..., un alianza necesaria e igual de fecunda y estrecha...</strong><br />
<br />
<span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-b.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-frc3/954749_512154478838941_1977482901_n.jpg" /></span><br />
<br />
<strong>Dejo
para el final, la imagen de esta mujer de pelo cano que nos guiña un
ojo en signo de còmplice picardìa... Observando con atenciòn la figura,
descubriremos a què se debe el gesto, y seguramente le devolveremos la
confianza en la sonrisa que nos provoca...!! Todo el vaivén y las
secuencias del amor, el amor pasiòn, el amor trascendente y el que busca
la complicidad del observador, hacen de esta selecciòn de Margarita Sikorskaia un verdadero deleite que me ha encantado compartir...aunque, aùn, no termina...</strong><br />
<br />
<br />
<strong>Maribel Alonso Perez</strong><br />
<strong>18 junio 2013</strong><br />
<strong></strong><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<object width="320" height="266" class="BLOGGER-youtube-video" classid="clsid:D27CDB6E-AE6D-11cf-96B8-444553540000" codebase="http://download.macromedia.com/pub/shockwave/cabs/flash/swflash.cab#version=6,0,40,0" data-thumbnail-src="http://img.youtube.com/vi/9_NIYNpguiQ/0.jpg"><param name="movie" value="http://youtube.googleapis.com/v/9_NIYNpguiQ&source=uds" /><param name="bgcolor" value="#FFFFFF" /><param name="allowFullScreen" value="true" /><embed width="320" height="266" src="http://youtube.googleapis.com/v/9_NIYNpguiQ&source=uds" type="application/x-shockwave-flash" allowfullscreen="true"></embed></object></div>
Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-60956101222651094162013-06-14T15:37:00.002+02:002013-06-14T15:39:53.439+02:00El Peregrino Heathcote 1973 - Pintor Ingles <strong> </strong><br />
<strong> </strong><br />
<strong> </strong><br />
<strong></strong><span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-f.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-frc3/970492_509485862439136_2010026655_n.jpg" /></span><br />
<br />
<strong>Arte de El Peregrino Heathcote, basado en los años XX</strong><br />
<br />
<strong>Peregrino
Heathcote 1973 Londres Nació en Londres en 1973, pasó su niñez viviendo
en Gran Bretaña y Dubai, donde su imaginación era libre para florecer
como testigo de una cultura del jet set internacional. En 1995,
Peregrine se graduó en la Academia de Arte de Florencia. Las Pinturas de
Peregrine Heathcote nos remiten por un lado a un mundo onírico,
personalísimo, del ensueño sugerido desde las más altas cotas de la
imaginación del creador. </strong><br />
<br />
<span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-d.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-frc1/1001840_509486299105759_1613516595_n.jpg" /></span><br />
<br />
<strong>Evoca
en ellas un soñador mundo interior repleto de los recuerdos del
encanto de la juventud de sus padres y de su propia infancia que
transcurrió en Gran Bretaña y Dubai. Por otro lado aparece una sección
pictórica protagonizada por la jet-set y el mundo estilizado y refinado
de la cultura y el arte. Predominan en este aspecto los retratos de
ejecutivos, aristócratas y personajes de la alta sociedad.</strong><br />
<br />
<span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-b.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-ash3/s720x720/944409_509486589105730_1143524410_n.jpg" /></span><br />
<br />
<strong>Cada
lienzo sugiere una historia, nos impulsa a imaginar las circunstancias
en torno a una escena, a apuntar el contexto que rodea al momento
creativo, haciendo así partícipe al espectador de las obras, a las que
transmitiría sus emociones y un punto de vista narrativo único.</strong><br />
<br />
<br />
<strong>Maribel Alonso Perez</strong><br />
<strong>14 junio 2013</strong><br />
<strong></strong><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/gtDY6hI-h2U?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-82088009060840192602013-04-30T22:17:00.000+02:002013-04-30T22:17:18.247+02:00<a class="a-img lightbox" href="http://whitney.org/image_columns/0006/6301/85.49.2_benton_imageprimacy_800.jpg" rel="shadowbox[artwork-module-8341]" rev="<a href="/Collection/ThomasHartBenton">Thomas Hart Benton</a>, <i>Poker Night (from &#8220;A Streetcar Named Desire&#8221;)</i>,&nbsp;1948&nbsp; <span class="accession-number">85.49.2</span>"><img alt="Thomas Hart Benton, Poker Night (from “A Streetcar Named Desire”), 1948 85.49.2" class="artwork-module-initial-image" src="http://whitney.org/ajax/magic_modules/artwork_module/image?id=8341&page_id=169333&artwork_id=6346&max_width=600&max_height=444" title="" /></a><br />
<br />
<strong>Noche de Póker (de "un tranvía llamado <span>deseo")</span> </strong><br /><b>Año 1948</b><br />
<b>Óleo sobre Lienzo</b><br /><b>Medidas 91,4 x 121,9 cm</b><br />
<strong></strong><br />
<strong></strong><br />
<br />
<span><br /><br />
<div>
<b>El 3 de diciembre de 1947 se estrenaba en </b><i><b>Broadway</b></i><b>, </b><i><b>"A streetcar named Desire"</b></i><b> (Un tranvía llamado Deseo), una obra teatral del dramaturgo estadounidense </b><i><b>Tennessee Williams</b></i><b> que llegaría a alcanzar un gran éxito y que le reportaría a su autor el </b><i><b>Premio Pulitzer</b></i><b>
de teatro en 1948 convirtiéndose en una pieza mítica del teatro
americano y también en un clásico del teatro mundial. La obra fue
dirigida en su estreno por </b><i><b>Elia Kazan,</b></i><b> el que fuera cofundador del </b><i><b>Actors Studio,</b></i><b> y producida por </b><i><b>Irene Selznick</b></i><b>, una hija del todopoderoso productor </b><i><b>Louis B. Mayer</b></i><b>.</b></div>
<b></b><div>
<b></b><br /></div>
<b></b><div>
<b>La obra narra un periodo en la vida de una pareja de </b><i><b>Orleans</b></i><b>, </b><i><b>Stella</b></i><b> y </b><i><b>Stanley Kowalski</b></i><b>, la cual ve alterada su vida por la llegada a su hogar de una hermana de </b><i><b>Stella</b></i><b>, una tal </b><i><b>Blanche Dubois</b></i><b>, una mujer con un extraño carácter entre arrogante y secretista que chocará desde el primer momento con el de </b><i><b>Stanley</b></i><b>,
un abrupto y violento obrero aficionado al poker y al alcohol lo que
se traducirá en momentos de gran tensión entre los tres habitantes de
ese hogar hasta que </b><i><b>Stanley</b></i><b> consigue, al final, alejar definitivamente a </b><i><b>Blanche</b></i><b> de sus vidas.</b></div>
<b></b><div>
<b></b><br /></div>
<b></b><div>
<b>Las representaciones contaron con la actuación de un desconocido y joven </b><i><b>Marlon Brando</b></i><b> en el papel de </b><i><b>Stanley Kowalski</b></i><b> y con la de las actrices </b><i><b>Jessica Tandy</b></i><b> y </b><i><b>Kim Hunter</b></i><b> en el de </b><i><b>Blanche</b></i><b> y </b><i><b>Stella </b></i><b>respectivamente. Se cuenta que la actuación de </b><i><b>Marlon Brando</b></i><b>
era tan asombrosa que eclipsaba al resto de actores y el público
acababa tomando parte y solidarizándose con aquel salvaje y maleducado
inmigrante. Todo el elenco de actores sería el mismo que más tarde
interpretaría su papel en la película de igual nombre que </b><i><b>Elia Kazan</b></i><b> dirigiría en 1951 a excepción del papel de </b><i><b>Blanche Dubois</b></i><b> que sería interpretado por la actriz </b><i><b>Vivien Leigh</b></i><b>. </b></div>
<b></b><div>
<b></b><br /></div>
<b></b><div>
<b>Dado el éxito con el que arrancó la representación teatral desde sus inicios, </b><i><b>David Selznick</b></i><b>, el marido de la productora </b><i><b>Irene Selznick</b></i><b>, decidió hacerle un regalo de felicitación para lo cual encargó a </b><i><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/noche-de-p%C3%B3ker-1948-de-un-tranv%C3%ADa-llamado-deseo-thomas-hart-benton-maribel-alons/542863825764733?id=149896011731458#"><b>Thomas Hart Benton</b></a></i><b>, un pintor estadounidense representante del llamado </b><i><b>Regionalismo norteamericano</b></i><b>, y al que ya tuvimos anteriormente en este blog, que les pintase un cuadro basado en alguna escena de la obra a lo que </b><i><b>Benton</b></i><b> accedió pintando en 1948 el cuadro que hoy traemos a estas páginas titulado </b><i><b>"Poker Night"</b></i><b>. </b></div>
<b></b><div>
<b></b><br /></div>
<b></b><div>
<b></b><i><b>Benton</b></i><b> tituló este cuadro como "</b><i><b>Poker Night"</b></i><b> en consonancia al primer título que </b><i><b>Tennessee Williams </b></i><b>había ideado para su obra y que luego cambiaría en base al propio argumento de la misma, la cual, se iniciaba con la llegada de </b><i><b>Blanche Dubois</b></i><b> en un tranvía de la linea llamada "</b><i><b>Desire"</b></i><b> (Deseo), una antigua línea de tranvías de </b><i><b>Nueva Orleans</b></i><b> que pasaba por una de las calles del barrio francés, la </b><i><b>Elysian Fields</b></i><b> (Campos Eliseos) en la que se ubica la casa en la que transcurrirá toda la representación. </b></div>
<b></b><div>
<b></b><br /></div>
<b></b><div>
<b>Para su cuadro, </b><i><b>Benton</b></i><b> escogió la tercera escena de la obra teatral, una escena en la que se desarrolla una partida de póker en casa de </b><i><b>Stanley</b></i><b> en la que participan el propio </b><i><b>Stanley</b></i><b> y tres de sus amigotes, </b><i><b>Steve Hubbel</b></i><b>, un vecino suyo que habita en el piso de arriba, </b><i><b>Pablo Gonzales</b></i><b>, un individuo de grandes bigotes y con aspecto de mejicano y </b><i><b>Harold Mitchell</b></i><b>, el amigo con mejor imagen de todos y al que ellos llaman </b><i><b>Mitch</b></i><b>. Durante el desarrollo de la partida, aparecerán en escena </b><i><b>Blanche</b></i><b> y </b><i><b>Stella</b></i><b>
que, recién llegadas de la calle, se refugian en sus dormitorios
quedándose en ropa interior mientras curiosean a través de una cortina
que separa los dos ambientes en los que se desarrolla la acción. Esta,
como sabrán los que hayan visto la película o conozcan la obra, acabará
terminando borrascosamente con la agresión a su mujer de un </b><i><b>Stanley</b></i><b> tremendamente borracho y descolocado. </b></div>
<b></b><div>
<b></b><br /></div>
<b></b><div>
<b>Como podemos ver en el cuadro, </b><i><b>Benton</b></i><b> coloca a </b><i><b>Stanley</b></i><b> (</b><i><b>Marlon Brando</b></i><b>) con su inconfundible camiseta en el extremo izquierdo de la mesa mientras que, a su derecha y de pie, sitúa a </b><i><b>Mitch</b></i><b> (</b><i><b>Karl Malden</b></i><b>). Con sombrero y su inseparable puro aparece </b><i><b>Pablo</b></i><b> (</b><i><b>Nick Dennis</b></i><b>) y, reclinado sobre la mesa, su vecino </b><i><b>Steve</b></i><b> (</b><i><b>Rudy Bond</b></i><b>). Tras la cortina y con un aire muy sexy pintaría </b><i><b>Benton</b></i><b> a </b><i><b>Blanche</b></i><b> (</b><i><b>Jessica Tandy</b></i><b>) y a una </b><i><b>Stella</b></i><b> (</b><i><b>Kim Hunter</b></i><b>) que parece observarla con un cierto aire de preocupación.</b></div>
<b></b><div>
<b></b><br /></div>
<b></b><div>
<b>El
cuadro es una interpretación bastante fiel de la escena teatral a
excepción del aire de rubia fatal a lo Jean Harlow de los años treinta
con el que pintaría a </b><i><b>Jessica Tandy</b></i><b>, muy alejado de su imagen en la escena real y que le valdría un enfado considerable de la propia </b><i><b>Jessica</b></i><b> que le llegó a acusar de haberla retratado como una manipuladora sexual.La obra de </b><i><b>Benton</b></i><b> agradó mucho a </b><i><b>Irene Selznick</b></i><b> y fue colocada en el vestíbulo del teatro </b><i><b>Ethel Barrymore</b></i><b> donde permanecería hasta su última representación en diciembre de 1949. </b></div>
<b></b><div>
<b></b><br /></div>
<b></b><b>Este cuadro se conserva en el </b><i><b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/noche-de-p%C3%B3ker-1948-de-un-tranv%C3%ADa-llamado-deseo-thomas-hart-benton-maribel-alons/542863825764733?id=149896011731458#">Whitney Museum</a></b></i><b> de </b><i><b>Nueva York.<br /><br />Maribel Alonso Perez<br /> 31 mayo 2013</b></i></span>Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-68663612455756860172013-04-29T18:41:00.002+02:002013-04-29T18:41:50.512+02:00La Vucciria 1974 - Renato Guttuso <br />
<span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="https://fbcdn-sphotos-f-a.akamaihd.net/hphotos-ak-frc1/308650_491697997551256_1676656096_n.jpg" /></span><br /><br />
<strong>Oleo sobre lienzo</strong><br />
<strong>Medidas 300 x 300</strong><br />
<div>
<i><b>Renato Guttuso</b></i><b>
(1911-1987), uno de los pintores más importantes y también uno de los
más cotizados en el mundo artístico del siglo XX italiano, nació en el
seno de una familia acomodada en la localidad siciliana de </b><i><b>Bagheria</b></i><b> aunque sería registrado en </b><i><b>Palermo</b></i><b> por problemas administrativos. Estudiante de </b><i><b>Bellas Artes</b></i><b> en </b><i><b>Palermo</b></i><b>, a los diecisiete años ya participó con éxito en su primera exposición colectiva. Influido principalmente por </b><i><b>Courbet, Van Gogh</b></i><b> y </b><i><b>Picasso</b></i><b> pronto su pintura sería conocida en toda </b><i><b>Europa</b></i><b>.</b></div>
<b></b><div>
<b></b><br /></div>
<b></b><div>
<b>Desde sus comienzos, la pintura de </b><i><b>Guttuso</b></i><b> tiene una fuerte carga de manifiesto social característica del movimiento artístico </b><i><b>“Corrente”, </b></i><b>movimiento
formado por un grupo de pintores italianos entre los que él se
encuentra y desde el que se pretende criticar la cultura oficial y
mantener una fuerte oposición al fascismo que dominará </b><i><b>Italia</b></i><b> hasta el final de la </b><i><b>Segunda Guerra Mundial</b></i><b>. </b><i><b>Guttuso</b></i><b> se afiliará al clandestino </b><i><b>Partido Comunista</b></i><b>
italiano, partido al que sería afín hasta el final de sus días. Su obra
más polémica y casi motivo de excomunión fue el lienzo titulado </b><i><b>“Crucifixión”</b></i><b> en el que la figura de </b><i><b>Cristo</b></i><b> está medio tapada por uno de los ladrones y por una </b><i><b>María Magdalena</b></i><b>
desnuda mientras, en primer plano, aparecen unas siniestras botellas de
vinagre, un martillo y los clavos usados en la crucifixión. </b><i><b>Guttuso</b></i><b> escribiría en su diario: </b><i><b>"este es el símbolo de todos los que soportan ultraje, cárcel y tortura por sus ideales"</b></i><b>.</b></div>
<b></b><div>
<b></b><br /></div>
<b></b><div>
<b>Casado en 1947 con </b><i><b>Mimisse Dotti</b></i><b> a la que amó hasta el final de sus días, su pasión por las mujeres, hizo que le fuera infiel toda su vida, primero con una tal </b><i><b>Caria Piro</b></i><b> esposa de un político democristiano y luego durante casi 20 años con </b><i><b>Marta Marzotto</b></i><b>,
la esposa de un conde y empresario textil y que sería para él además de
su amante, su musa y la modelo a la que retrataría en infinidad de sus
lienzos.</b></div>
<b></b><div>
<b></b><br /></div>
<b></b><div>
<b>Uno de los cuadros por los que es más conocido </b><i><b>Renato Guttuso</b></i><b> es por el cuadro que hoy traemos a este blog, </b><i><b>“La Vucciria”</b></i><b>.</b></div>
<b></b><div>
<b></b><br /></div>
<b></b><div>
<b>Escribía </b><i><b>Peter Robb</b></i><b> en su libro </b><i><b>"Medianoche en Sicilia"</b></i><b> que: </b><i><b>"Llegar
al Vucciria saliendo de un callejón estrecho y sinuoso es como salir de
entre bastidores al escenario en mitad de la representación"</b></i><b> y realmente, no le faltaba razón. Todo el que pasa por la ciudad siciliana de </b><i><b>Palermo</b></i><b> y visita </b><i><b>"La Vucciria"</b></i><b>, aunque este mercado ya no es lo que era cuando el pintor </b><i><b>Renato Guttuso</b></i><b>
lo plasmó en el lienzo del que hoy hablamos, queda impresionado por el
ambiente, el vocerío, los olores y el color que estallan en este antiguo
mercado de la carne situado en una de las zonas más deprimidas de la
ciudad y sometida hoy día a un lento proceso de rehabilitación.</b></div>
<b></b><div>
<b></b><br /></div>
<b></b><div>
<b>El cuadro </b><i><b>"La Vucciria"</b></i><b> al que su amigo </b><i><b>Leonardo Sciascia</b></i><b> definió como </b><i><b>"el sueño de un hombre hambriento"</b></i><b>,
ejerce sobre el espectador una atracción imposible de reprimir y hace
que se sienta como uno más de los personajes que recorren ese estrecho
pasillo entre puestos atiborrados de pescados, hortalizas, quesos o
embutidos mientras los vendedores vocean su mercancia o el carnicero
despieza la ternera suspendida de un gancho. </b></div>
<b></b><div>
<b></b><br /></div>
<b></b><div>
<b></b><i><b>Guttuso</b></i><b> fue un pintor realista expresionista pero su pintura está también cargada de símbolos. De </b><i><b>"La Vuciria"</b></i><b> el dijo que: </b><i><b>"Es
una naturaleza muerta en la que los seres que por ella se mueven
también serán algo muerto algún día. Es un cuadro negro, que parece
pintado sobre un fondo negro. Quiero decir, en algún momento, mientras
pintaba, me di cuenta de todo lo que contenía, una abundancia de la
vida, y al final, un sentimiento destructivo."</b></i></div>
<b></b><div>
<b></b><br /></div>
<b></b><div>
<b>En </b><i><b>"La Vucciria"</b></i><b>
varios de los personajes que aparecen en el cuadro son conocidos. Así,
el pescadero que sujeta la cabeza del pez espada es el propio </b><i><b>Guttuso</b></i><b>, la mujer de negro con una bolsa en la mano es su mujer </b><i><b>Mimisse</b></i><b> y el hombre del jersey amarillo es un escultor amigo de </b><i><b>Guttuso</b></i><b>.
La mujer de espaldas, la figura central del cuadro y sobre la que recae
la atención a primera vista del espectador, se trataría de su amante, </b><i><b>Marta Marzotto</b></i><b>.</b></div>
<b></b><div>
<b></b><br /></div>
<b></b><div>
<b></b><i><b>Guttuso</b></i><b> murió solo y multimillonario en la ciudad de </b><i><b>Rom</b></i><b>a donde vivía y donde tenía su estudio, en el llamado </b><i><b>Palacio del Grillo</b></i><b>. Su mujer </b><i><b>Mimisse</b></i><b> había muerto poco tiempo antes y a su amante, la condesa </b><i><b>Marta Marzotto,</b></i><b> liada con un destacado miembro del partido comunista llamado </b><i><b>Lucio Magri</b></i><b>, se negó a recibirla antes de su muerte. Por los derechos a su herencia se entablaron querellas y juicios entre la condesa </b><i><b>Marzotto, </b></i><b>hoy en dia octogenaria y diseñadora de joyas</b><i><b> </b></i><b>y un hijo adoptivo de </b><i><b>Guttuso</b></i><b> pero, esa larga historia es demasiado larga para contarla en tan pocas líneas.</b></div>
<b></b><div>
<b></b><br /></div>
<b></b><div>
<b>El cuadro de </b><i><b>La Vucciria</b></i><b> pintado en 1974, fue donado por el pintor a la </b><i><b>Universidad de Palermo</b></i><b>, pudiéndose contemplar en el </b><i><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-vucciria-1974-renato-guttuso-maribel-alonso-/542365582481224?id=149896011731458#"><b>Palacio Steri</b></a></i><b>, antigua sede de la </b><i><b>Inquisición</b></i><b> española y hoy en día, sede del rectorado de la </b><i><b>Universidad</b></i><b>.</b></div>
<div>
<strong></strong> </div>
<div>
<strong>En este </strong><a href="http://www.youtube.com/embed/nW8bOtjSqkQ"><i><strong>video</strong></i></a><strong> se puede contemplar una detallada visión de este magnífico cuadro.</strong></div>
<div>
<br /></div>
<b>Maribel Alonso Perez</b><br /><b>29 abril 2013</b><br />Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-55127739067651507532013-04-29T16:46:00.001+02:002013-04-29T18:42:14.154+02:00La Gioconda del Prado 1503 - 1516 Anónimo <span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="https://fbcdn-sphotos-a-a.akamaihd.net/hphotos-ak-ash4/s720x720/225785_491674927553563_439242184_n.png" /></span><br /><br /><i><b>Mona Lisa, o La Gioconda</b></i><b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"> Anónimo</a></b><br /><b>Año: </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>1503</b></a><b> — </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>1516</b></a><b>Ténica: Óleo sobre tabla de </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>nogal</b></a><b> </b><br /><b>• Renacimiento</b><b>Medidas: 76 cm × 57 cm</b><br /><b>Museo del Prado, </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>Madrid</b></a><b>, </b><b>España</b><br /><br /><br /><b>Existen muchas copias de </b><i><b>La Mona Lisa</b></i><b>,
aunque esta, que se encontraba en el Prado desde su inauguración,
procedente de las Colecciones Reales, es la más antigua que se conoce, y
sobre todo presenta la particularidad de que fue pintada al mismo
tiempo y en el mismo taller que la original, por un alumno de Leonardo.
Esta singularidad se descubrió gracias al proceso de estudio y </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>restauración</b></a><b> al que fue sometida a partir de </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>2010</b></a><b> ante una petición de préstamo para una exposición temporal en el </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>Museo del Louvre</b></a><b> de </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>París</b></a><b> (propietario de la obra original), </b><i><b>La Sainte Anne, l'ultime chef-d'œuvre de Léonard de Vinci</b></i><b> (</b><i><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>Santa Ana</b></a><b>, la última obra maestra de Leonardo da Vinci</b></i><b>).</b><b> Se la sometió a un examen técnico estándar, que incluyó </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>reflectografía infrarroja</b></a><b>, </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>radiografía</b></a><b>, </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>fluorescencia</b></a><b> inducida con luz </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>ultravioleta</b></a><b> e inspección con </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>lupa binocular</b></a><b>.
La reflectografía y el examen de la superficie de la tabla con luz
rasante revelaron la presencia del paisaje debajo del fondo oscuro. La
reflectografía se comparó con la que se había sacado en </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>2004</b></a><b>
del cuadro del maestro y se comprobó que el dibujo subyacente es
similar en ambas obras y que las correcciones que aparecen en la pintura
original se repiten una por una en la copia.</b><b> No obstante, en
opinión de Miguel Falomir Faus, la intervención del maestro florentino
en ésta está completamente descartada. Por otra parte, el motivo de
realizar una segunda versión, pintada a la vez que el original, resulta
un misterio. Según palabras de Ana González Mozo, investigadora del
Gabinete de Documentación Técnica del Prado «...qué sentido tiene hacer
un duplicado de una obra, en principio de un personaje anónimo, salvo
que el personaje no sea tan anónimo o que el comitente sea una persona
allegada al retratado, sí es lógico hacer copias de obras devocionales o
de retratos de personajes públicos, pero no de un personaje
supuestamente anónimo».</b><br /><br /><b>Su estado de conservación es mucho
mejor que el de la obra del Louvre, influido por la naturaleza de la
tabla de mejor calidad, siendo de nogal con un grosor de 18 mm, a
diferencia de la obra del Louvre, de chopo, de inferior calidad y de 13
mm de grosor, lo cual permite obtener información sobre el paisaje de
fondo y sobre detalles de elementos como el color pelirrojo del cabello,
el vestido, el velo y la silla, según palabras de Almudena Sánchez
Martín, restauradora del Prado, «el nogal es una de las maderas de mayor
calidad, una madera cara, que no la utilizaban muchos pintores, nada
más que los que podían permitírselo, y ha demostrado a lo largo de 500
años la gran estabilidad que tiene esta madera con el paso del tiempo».</b><b> Según palabras de Ana González Mozo «el cielo está pintado con </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>lapislázuli</b></a><b>,
es una obra hecha con materiales de mucha calidad, ...los materiales
son muy buenos, nadie trabaja con materiales tan buenos si no es un
encargo importante», asimismo según el periodista Javier Sierra, autor
de «La cena secreta», dijo que «...también presenta laca roja, que es
también muy rara, un material muy costoso», la ejecución por tanto es
muy esmerada, pero según palabras de Miguel Falomir Faus «presenta una
caligrafía mucho más lineal, una pincelada más precisa y no hace gala
del famoso </b><i><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>sfumato</b></a></i><b>
de la obra de madurez de Leonardo». Falomir declaró asimismo que «esto
está ejecutado por un pintor que es de una pincelada, una caligrafía
mucho más lineal, mucho más compacta, y que no tiene nada que ver con el
</b><i><b>sfumato</b></i><b> del Leonardo maduro. La ventaja que tiene
es que evidentemente el cuadro tiene menos calidad, tiene menos
misterio, pero se pueden percibir elementos que en el otro están apenas
sugeridos»</b><b> y que «presenta un trazo mucho más simple».</b><br /><br /><b>La verdad es que, cuando uno contempla el rostro de </b><i><b>"Santa Catalina"</b></i><b>, obra de este último pintor, conservada en el Museo del Prado y que llegó a ser atribuida a </b><i><b>Leonardo da Vinci</b></i><b>
o repara en el de las mujeres, casi clónicas, que pintó en varios de
los doce grandes cuadros que adornan las puertas del retablo de la
catedral de </b><i><b>Valencia,</b></i><b> le parece estar viendo el de la misma mujer, el de la que se ha denominado "</b><i><b>La Gioconda"</b></i><b> y que según afirman los sabios, correspondería a una tal </b><i><b>Lisa Gherardini (Mona Lisa)</b></i><b>, la mujer de un comerciante llamado </b><i><b>Francesco del Giocondo</b></i><b>.</b><br />
<br /><br />
<b>Sobre
la autoría, se ha asegurado que la copia de Madrid fue realizada por
alguno de los alumnos más aventajados y próximos a Leonardo, quizá </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>Francesco Melzi</b></a><b> o </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>Andrea Salai</b></a><b>,</b><b> si bien expertos </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>italianos</b></a><b> apuntan a un discípulo español, acaso </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>Fernando Yáñez de la Almedina</b></a><b> o </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>Hernando de los Llanos</b></a><b>, pintores activos en el ámbito </b><a href="https://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-gioconda-del-prado-1503-1516-an%C3%B3nimo-maribel-alonso-/542330032484779?id=149896011731458#"><b>valenciano</b></a><b> que colaboraron con Leonardo.</b><br /><br /><b> Dicen que esta "</b><i><b>Gioconda"</b></i><b> no es una obra maestra, ni se puede comparar con la del genio florentino pero, a mí me gusta. Es como ver a </b><i><b>Lisa Gherardini</b></i><b>
rejuvenecida, con diez años menos, sin esa ictericia provocada por los
oxidados barnices y con sus cejas todavía algo pobladas. No sé. La
encuentro más guapa, más arreglada, mejor peinada y además - eso es lo
mejor - sigue dibujándose en sus labios esa sonrisa enigmática que
siempre nos hechizó. </b><br /><br /><br /><b>Maribel Alonso Perez </b><br /><b> 29 abril 2013</b>Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-35819691984085036122013-04-24T20:03:00.000+02:002013-04-24T20:03:52.172+02:00Sonja (Sonja, Max Herrmann-Neisse im Hintergrund) 1928 - Christian Schad <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZJxVRkkQNPUJ7ZiPEz-z0umQFxH2QNcw-MQrNY6bIDhh6qDgkvpx725aDxanV56yIrgLEpnJLrTILcPmLur1Yyu_RNSyLg7WpbstUS-s3b4HBQ4Sp3yOo_rQJQQ1NczuPCq_wsJTU7dY/s1600/Sonja+-+Christian+Schad+-+1928.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZJxVRkkQNPUJ7ZiPEz-z0umQFxH2QNcw-MQrNY6bIDhh6qDgkvpx725aDxanV56yIrgLEpnJLrTILcPmLur1Yyu_RNSyLg7WpbstUS-s3b4HBQ4Sp3yOo_rQJQQ1NczuPCq_wsJTU7dY/s1600/Sonja+-+Christian+Schad+-+1928.jpg" /></a><br />
<br />
<br />
<strong>Ya hace tiempo que visitábamos en este blog una de las obras más conocidas y características del pintor expresionista alemán <i>Christian Schad</i>, su crudo y casi dramático <i><span style="color: magenta;">¨Autorretrato con modelo¨ </span></i>y hoy volvemos a traer otro cuadro suyo, también muy conocido y además no exento de esa misteriosa carga escénica que impregna gran parte de su obra pictórica.</strong><br />
<div style="text-align: justify;">
<strong><br /></strong></div>
<div style="text-align: justify;">
<strong>En esta tela podemos ver la imagen de una mujer vestida de negro y sentada ante una mesa de algún café o restaurante mientras fuma un cigarrillo <i>Camel</i> por medio de una larga boquilla. Al fondo, como escoltándola, aparecen dos misteriosas y recortadas figuras, una a cada lado del cuadro y de las que solo se aprecia parte de su rostro. Para terminar de añadir algo más de misterio a la escena, la mesa situada a la espalda de la mujer y que casi no la deja espacio para el movimiento, contiene un cubo con una botella de champán vacía como vacía está ya la silla de esa mesa.</strong></div>
<div style="text-align: justify;">
<strong><br /></strong></div>
<div style="text-align: justify;">
<strong>¿Quién era esta mujer y a que personajes corresponden las dos figuras que la acompañaban en aquel lugar? Gracias a Schad y sus amigos sabemos algunas cosas de este cuadro que de otra forma nos habrían resultado desconocidas.</strong></div>
<div style="text-align: justify;">
<strong><br /></strong></div>
<div style="text-align: justify;">
<strong>La mujer de los grandes y cansados ojos y que prestó su imagen a la escena era una secretaria berlinesa llamada <i>Sonja</i>, (desconocemos su apellido) que le había sido presentada a <i>Schad </i>por su amigo <i>Felix Bryk</i>, un periodista y entómologo sueco que residía en <i>Berlin</i> y que había introducido a <i>Schad</i> en los círculos político-literarios del <i>Berlin</i> de los años veinte y con el que recorrería también todos los garitos de ese mismo <i>Berlin</i> a la búsqueda de algo nuevo o inusual que plasmar en sus lienzos. </strong></div>
<div style="text-align: justify;">
<strong><br /></strong></div>
<div style="text-align: justify;">
<strong><i>Sonja</i>, por tanto no era una prostituta, ni una artista de cabaret, ni pertenecía a los círculos periodísticos a lo <i>Sylvia von Harden</i> sino que era simplemente, como decíamos, una secretaria pero <i>Schad</i> la pintará con esa imagen de mujer nueva, emancipada, liberada, imagen a la que tanto contribuirían <i><span style="color: magenta;">Otto Dix</span></i>, <i><span style="color: magenta;">Max Beckmann</span></i>, <i><span style="color: magenta;">Rudolf Schlichter</span></i>, <i>Karl Hubbuch</i> o el propio <i>Schad</i>, pintores todos ellos pertenecientes al movimiento <i>Nueva Objetividad</i>, un movimiento empeñado en mostrar la nueva imagen de la vida pública alemana durante la <i>Republica de Weimar</i>.</strong></div>
<div style="text-align: justify;">
<strong><br /></strong></div>
<div style="text-align: justify;">
<strong>Se cuenta que <i>Sonja</i> tampoco se llamaba <i>Sonja</i> y que este nombre se lo puso <i>Schad</i> figuradamente en recuerdo de la noble prostituta de igual nombre que aparece en la novela de <i>Dostoyevsky</i>, "<i>Crimen y castigo"</i> publicada en 1886, novela de la que él y principalmente su amigo, el escritor y dadaísta <i>Walter Serner,</i> eran unos fervientes admiradores.</strong></div>
<div style="text-align: justify;">
<strong><br /></strong></div>
<div style="text-align: justify;">
<strong>Se sabe que el local en el que aparece retratada <i>Sonja</i> era el ya desaparecido <i>Café Romanisches</i>, un café berlinés abierto en los bajos de la prestigiosa <i>Haus Romanisches</i> en la avenida <i>Kurfürstendamm, </i>aproximadamente en el lugar en el que hoy se ubica el <i>Europa-Center</i>. Dicho café era un lugar de encuentro de los escritores, pintores, actores, directores, periodistas y críticos más renombrados del momento. También acudían a este café los artistas que se querían promocionar existiendo distintos reservados dentro del propio café según el grado de popularidad de los asistentes. Allí se podía ver al dramaturgo <i>Bertolt Brecht</i>, a los escritores <i>Erich María Remarque</i> y <i>Franz Werfel</i>, al director de cine <i>Billy Wilder</i>, a los pintores <i>Otto Dix</i> y <i>George Grosz</i> o a la periodista <i><a href="http://www.desdeelotroladodelcuadro.blogspot.com.es/2011/03/sy-von-harden-otto-dix.html"><span style="color: magenta;">Sylvia von Harden</span></a></i> entre otros muchos. La llegada al poder del nazismo puso en el punto de mira a este café del que fueron desapareciendo todos estos clientes asiduos. El <i>Haus Romanisches</i> fue completamente destruido durante un bombardeo de los aliados en 1943.<br /><br /> Asiduo del <i>Romanisches</i> era el escritor y crítico de cabaret, <i>Max Herrmann-Neisse</i>, un gran amigo de correrías nocturnas tanto de <i>Shad</i> como del pintor <i>George Grosz</i> el cual le retrataría en dos de sus lienzos. <i>Hermann-Neisse</i> padecía un enanismo desde su juventud pero esta patología no le había privado de su sentido del humor y la perspectiva cínica con la que aderezaba sus escritos en apoyo del movimiento de la <i>Nueva Objetividad</i>. <i>Max</i> aparece semiretratado en este cuadro como el hombre de la chaqueta negra resultando inconfundible una de sus grandes orejas así como su cráneo liso como una pelota de billar.<br /><br /> Con respecto al hombre de la chaqueta roja hay quiénes afirman que se trataría de <i>Felix Bryk</i> pero más bien parece que <i>Shad</i> incorporó al cuadro al pianista que seguramente tocaba por las tardes en el <i>Romanisches</i>.<br /><br /> Un cuadro para detenerse en él un buen rato mientras se intenta conseguir una mesa en ese desaparecido Café desde la que poder observar a todos esos genios que fueron. Pintado en 1928 se puede contemplar - no siempre - en la <i><span style="color: magenta;">Neue Nationalgalerie, Berlin</span>.</i> Como detalle curioso añadir que <i>Shad </i>firmó su cuadro en la manga izquierda del traje de <i>Sonja</i>. Puedes ver más obra de <i>Christian Schad</i> en <i><span style="color: magenta;">este</span></i> video.</strong></div>
<div style="text-align: justify;">
<strong></strong> </div>
<div style="text-align: justify;">
<strong></strong> </div>
<div style="text-align: justify;">
<strong>Maribel Alonso Perez</strong></div>
<div style="text-align: justify;">
<strong>24 abril 2013</strong></div>
Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-67159713023054289692013-04-14T19:50:00.001+02:002013-04-14T19:50:29.811+02:00Rompeolas de San Sebastián 1917 - Joaquín Sorolla y Bastida <img alt="ROMPEOLAS, SAN SEBASTIÁN, 1917-1918" src="http://museosorolla.mcu.es/imag/p_Inv.1178.jpg" /><br />
<br />
<strong><span><u><span style="color: #0066cc;">Joaquín Sorolla Y Bastida </span></u></span> </strong><br />
<dt><strong>Título: <em>Rompeolas de San Sebastián</em></strong></dt>
<dt><strong>Fecha: 1917</strong></dt>
<strong>Técnica: Óleo sobre lienzo. </strong><br />
<strong>Medidas: 52,5 x 73 cm </strong><br />
<strong>Museo: Carmen Thyssen-Bornemisza </strong><br />
<dl class="datosObra">
<dt><strong></strong> </dt>
</dl>
<strong></strong><br />
<strong>Hasta 1910 Sorolla apenas realizó apuntes de San Sebastián salvo breves estancias en la ciudad camino de París. En la década siguiente, pasó varios veranos en la capital donostiarra completando los paneles de las Regiones de España para la Hispanic Society of America. El presente lienzo fue realizado en 1917, aprovechando la luz moderada de un día cubierto al borde del Cantábrico. En primer plano, unos personajes se asoman a una barandilla apenas esbozada. Las agitadas aguas del mar y la imponente masa del monte Ulía -verdaderos protagonistas del cuadro-, están captadas con pincelada muy abierta y sutiles matices de color</strong><br />
<strong> </strong><br />
<strong></strong><br />
<strong>Los veranos de 1917 y 1918 Sorolla pinta en San Sebastián. Se interesa por el paisaje marítimo y uno de sus lugares preferidos en el denominado Rompeolas, que recoge en numerosos lienzos. Aquí nos lo presenta ese espacio bajo los efectos de una tormenta, a través de una paleta nada habitual en el pintor, en la que predominan los grises y los malvas.</strong><br />
<br />
<br />
<span><b>Maribel Alonso Perez</b><br />
<b>14 abril 2014</b><br />
<b></b></span>Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-29152078830824943632013-04-14T18:56:00.001+02:002013-04-14T19:01:56.639+02:00Mujer de Rojo tocando el violonchelo 1937 - Róbert Berény <br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-Gxv_p2ai9r0Yj42hKMmH65f9Ax-SMHSTJFVGeaudO-3yPcw6pvXwPVS_YCNi_U0puuVUh3g8iTe0olUJAtZezDkZ3QKDNH2BuKUB_KbSwTC_Nsir7G6gQfKoPn1OOyS0zKlwdyGPgcg/s1600/000.-Bereny_Robert-Woman_Playing_Cello.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-Gxv_p2ai9r0Yj42hKMmH65f9Ax-SMHSTJFVGeaudO-3yPcw6pvXwPVS_YCNi_U0puuVUh3g8iTe0olUJAtZezDkZ3QKDNH2BuKUB_KbSwTC_Nsir7G6gQfKoPn1OOyS0zKlwdyGPgcg/s1600/000.-Bereny_Robert-Woman_Playing_Cello.jpg" /></a><br />
<br />
<br />
<div>
<strong>Recuerdo que fue una lluviosa tarde de septiembre hace ya algunos años en un viaje de recreo por la vieja <i>Budapest</i>. La lluvia me había sorprendido paseando por el <i>Castillo de Buda</i>, mientras contemplaba desde uno de los miradores el color grisáceo del <i>Danubio</i> serpenteando allí abajo y aunque era ya un poco tarde para visitar museos, la insistencia del agua y la proximidad de la <i><a href="http://www.blogger.com/null" title="Link: null">Magyar Nemzeti Galeria</a></i> (la Galería Nacional Húngara) hicieron que me refugiase en esta última a la espera de que aclarase el tiempo. </strong></div>
<div>
<strong><br /></strong></div>
<div>
<strong>Éramos
cuatro gatos los que recorríamos esa tarde las salas de este
desangelado museo bajo la aburrida mirada de los vigilantes por lo cual
solo se oían nuestras pisadas y algún que otro susurro o carraspeo
lejano lo que, creo, aumentaba el efecto escénico de aquellas pinturas
que colgaban de los muros de la Galería obligando a reparar en algunas
de ellas con una especial atención. </strong></div>
<div>
<strong><br /></strong></div>
<div>
<strong>Ese fue el caso de este cuadro de <i>Robert Berény</i> (1887-1953) un pintor húngaro que llevaría a <i>Hungría</i> el fauvismo que él adoptaría durante su estancia en París en sus primeros años de aprendizaje. </strong></div>
<div>
<strong><br /></strong></div>
<div>
<strong>Contemplando
a esa mujer vestida con un llamativo vestido rojo que hace destacar su
blanca piel, absorta en su silenciosa interpretación, apretando contra
sus muslos el instrumento musical mientras sus manos parecen recorrerlo
y acariciarlo tuve la sensación de que de un momento a otro iba a
excuchar los gemidos de placer lanzados por las cuerdas excitadas de ese
violonchelo amado. Por unos momentos quise ser violonchelo en manos de
aquella mujer y pensé cuanto debió gozar <i>Robert Bereny</i> cuando la pintó en 1928. <i>Bereny</i>, un gran músico y crítico musical además de pintor, amigo del compositor <i>Béla Bartók</i>, seguramente - pensé yo - disfrutaría escuchando a su modelo mientras la pintaba y después, harían el amor. </strong></div>
<div>
<strong><br /></strong></div>
<div>
<strong>Pasé
un largo rato ensimismado delante del cuadro antes de que las voces del
vigilante me parecieron indicar que el Museo iba a cerrar sus puertas
por lo que abandoné este no sin antes comprar un catálogo con algunas de
las obras más emblematicas de la pintura húngara entre las que se
encontraba este cuadro. </strong></div>
<div>
<strong><br /></strong></div>
<div>
<strong>El catalogo estaba en húngaro así que no pude entender nada de lo que allí contaba aunque de vuelta a <i>España</i>
me tomé el trabajo de volcar el corto texto que acompañaba a este
cuadro en un traductor online y una parte de mis fantasias se
desvanecieron. Una mala traducción fue suficiente para informarme de que
aquella violonchelista tan sensual a mis ojos y en mis pensamientos,
aquella mujer de rojo, capaz de acariciarte como a un violonchelo, se
llamó <i>Eta Breuer</i> y fue la esposa de <i>Bereny</i>. Ella iba para gran artista antes de su matrimonio con él pero su enlace acabaría con su carrera musical. A <i>Eta</i> la pintaría nuevamente en 1937 también vestida de rojo y al lado de su violonchelo ya apartado de su cuerpo.</strong></div>
<div>
<strong><br /></strong></div>
<div>
<strong>Hoy, viendo y escuchando en video <a href="http://youtu.be/zT5IUQynPkg">http://youtu.be/zT5IUQynPkg</a> a la gran chelista norteamericana, <i>Alisa Weilerstein</i>, vestida también con un llamativo traje rojo, he recordado aquella tarde en <i>Budapest</i> en que quise ser violonchelo. </strong></div>
<div>
<strong></strong> </div>
<div>
<strong></strong> </div>
<div>
<strong>Maribel Alonso Pérez</strong></div>
<div>
<strong>14 abril 2013</strong></div>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-Gxv_p2ai9r0Yj42hKMmH65f9Ax-SMHSTJFVGeaudO-3yPcw6pvXwPVS_YCNi_U0puuVUh3g8iTe0olUJAtZezDkZ3QKDNH2BuKUB_KbSwTC_Nsir7G6gQfKoPn1OOyS0zKlwdyGPgcg/s1600/000.-Bereny_Robert-Woman_Playing_Cello.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"></a><br />Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-60382448672983019592013-04-03T20:09:00.003+02:002013-04-03T20:09:40.843+02:00La maternidad: Mary Henry amamantando a su hija 1889 - Jacob Meijer de Haan<br />
<span><span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-g.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-prn1/536824_482577975129925_828031741_n.jpg" /></span><br /><br /><br />
<span><br />
<div>
<b> </b><b>Titulo: </b><i><b>La maternidad: Mary Henry amamantando a su h</b><b>ija</b></i></div>
<b>Fecha: 1889</b><span><b> </b><br /><b>Ténica: óleo sobre lienzo</b></span><span><br /><b>Dimensiones: 73 x 65.1 cm (28.7 x 25.6 in)</b></span><span><br /><b>Ubicación actual</b><a href="http://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-maternidad-mary-henry-amamantando-a-su-hija-1889-jacob-meijer-de-haan-maribel/532054203512362?id=149896011731458#"><b>: Colección privada</b></a></span><a href="http://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-maternidad-mary-henry-amamantando-a-su-hija-1889-jacob-meijer-de-haan-maribel/532054203512362?id=149896011731458#"><b>ba Suiza</b></a></span><br /><br /><br /><br />
<div>
<b>El nombre de </b><i><b>Meijer de Haan</b></i><b> me ha venido al recuerdo al leer la noticia de un robo acaecido hace unos días en el museo </b><b><a href="http://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-maternidad-mary-henry-amamantando-a-su-hija-1889-jacob-meijer-de-haan-maribel/532054203512362?id=149896011731458#"><i>Kunsthal </i>de</a></b><i><b><a href="http://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-maternidad-mary-henry-amamantando-a-su-hija-1889-jacob-meijer-de-haan-maribel/532054203512362?id=149896011731458#"> Rotterdam (Holanda)</a></b></i><b> y del que han desaparecido siete cuadros de pintores famosos, entre ellos uno de este pintor, </b><i><b>"Autorretrato sobre fondo japonés"</b></i><b>, sin que hasta la fecha se sepa su paradero.</b></div>
<b></b><div>
<i><b></b></i> </div>
<div>
<i><b>Jacob Meijer de Haan</b></i><b>
(1852- 1891) fue un pintor holandés que no es demasiado conocido por su
pintura, dada su baja producción y lo diseminado de la misma, pero,
cuya imagen si lo es debido a los misteriosos retratos y caricaturas que
de él hizo </b><i><b><a href="http://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-maternidad-mary-henry-amamantando-a-su-hija-1889-jacob-meijer-de-haan-maribel/532054203512362?id=149896011731458#">Gauguin</a></b></i><b> en el periodo entre 1889 y 1890, periodo en el que ambos pintores compartieron su vida y sus experiencias pictóricas en </b><i><b>Le Pouldu</b></i><b>, una pequeña localidad de la </b><i><b>Bretaña</b></i><b> francesa situada a pocos kilómetros de </b><i><b>Pont-Aven</b></i><b>. </b></div>
<div>
<i><b></b></i> </div>
<div>
<i><b>Meijer de Haan</b></i><b>,
educado en la Escuela de Bellas Artes de Amsterdam y perteneciente a
una rica familia judía, había trabado conocimiento un año antes con </b><i><b>Paul Gauguin</b></i><b> y con todo el grupo de pintores que se había ido formando desde 1886 en </b><i><b>Pont-Aven</b></i><b> y al que se denominaría el grupo de la </b><i><b>Escuela de Pont-Aven</b></i><b>. A esta localidad había llegado </b><i><b>Meijer</b></i><b> atraido por su deseo de aprender lo que era el impresionismo y recomendado por </b><i><b>Theo</b></i><b>, el hermano de </b><i><b>Vincent Van Gogh</b></i><b> y con el que había vivido una larga temporada en </b><i><b>París</b></i><b>. </b></div>
<div>
<b></b> </div>
<div>
<b>Al poco de conocer a </b><i><b>Gauguin</b></i><b> este le expresó las carencias económicas por las que atravesaba y su deseo de marchar de </b><i><b>Pont-Aven</b></i><b> a otro lugar más tranquilo y alejado del bullicioso círculo de pintores que residía en esta localidad por lo que </b><i><b>Meijer</b></i><b>, económicamente desahogado gracias a la ayuda que le llegaba de su familia en </b><i><b>Holanda, </b></i><b> le propuso mantenerle económicamente a cambio de sus clases lo que </b><i><b>Gauguin</b></i><b> aceptó marchando ambos en el otoño de 1889 a </b><i><b>Le Pouldu</b></i><b>. </b></div>
<div>
<b></b> </div>
<div>
<b>En </b><i><b>Le Pouldu</b></i><b> se alojaron ambos pintores en una posada llamada "</b><i><b>Buvette de la Plage",</b></i><b> una posada cercana al mar, aislada de todo bullicio y regentada por una mujer, madre soltera, llamada </b><i><b>Marie Henry, </b></i><b>la misma que aparece en el cuadro que hoy traemos a este blog y en el que se la ve</b><i><b> </b></i><b>amamantando a su pequeña hija </b><i><b>Léa</b></i><b> a la que había dado a luz hacía pocos meses y a la que </b><i><b>Gauguin</b></i><b> y </b><i><b>Meijer</b></i><b> apodarían cariñosamente </b><i><b>Mimi,</b></i><b> pintándola ambos posteriormente en varios retratos y apuntes.</b></div>
<div>
<b></b> </div>
<div>
<b>El
cuadro presenta una imagen conmovedora, espiritual y a la vez
decorativa poniendo de manifiesto las bases de la pintura de los </b><i><b>nabis</b></i><b>,
grupo nacido también bajo la influencia de Gauguin. En él se refleja
esa ternura que tal vez llegó a trasmitir Meijer a Marie Henry y que
provocaría que ella se convirtiese en su amante llegando a tener una
hija, Ida, fruto de sus relaciones amorosas, relaciones a las que
Gauguin asistiría seguramente celoso y despechado o herido en su amor
propio teniendo en cuenta que Gauguin, como más tarde declararía la
propia Marie, era un hombre guapo y apuesto mientras que Meijer era un
individuo feo, jorobado y enfermizo. </b></div>
<div>
<b></b> </div>
<div>
<b>Durante el tiempo que convivieron juntos los dos pintores en la posada de </b><i><b>Marie</b></i><b>,
se dedicaron a decorar toda la vivienda colgando todas sus pinturas en
los muros de la misma y llegando a pintar las propias paredes, los
techos, los cristales de las ventanas, las puertas y hasta ciertos
objetos de cerámica o vidrio que en ella existían. También los pintores </b><i><b>Paul Serusier</b></i><b> y </b><i><b>Charles Filiger </b></i><b>aparecieron
por allí y se alojaron en la posada durante algún tiempo dejando
igualmente colgadas algunas de sus obras. El cuadro "</b><i><b>Maternidad"</b></i><b>
se colocó en el comedor, en el centro de una de las paredes y escoltado
por dos paisajes de Gauguin como contaría años más tarde </b><i><b>Marie Henry</b></i><b> a los investigadores que trabajaron en los estudios sobre la decoración realizada por ambos pintores.</b></div>
<div>
<b></b> </div>
<div>
<b>A finales de 1890 </b><i><b>Gauguin</b></i><b> salía de </b><i><b>Le Pouldu</b></i><b> con la idea de viajar pronto a </b><i><b>Haiti</b></i><b> y </b><i><b>Meijer de Haas,</b></i><b> sin
poder acompañarle por haber dejado de percibir el dinero que su familia
le mandaba, marchaba también unos meses después con destino a </b><i><b>Holanda</b></i><b>. </b><i><b>Meijer</b></i><b> moriría pocos años después arruinado y víctima de la tuberculosis sin llegar a conocer a su hija </b><i><b>Ida</b></i><b>. </b><i><b>Marie, </b></i><b>por su parte, conocería en 1983 a un tal </b><i><b>Henri Motheré</b></i><b> con él que se iría a vivir, llevándose todas las obras que se pudieron desprender y transladar, entre ellas la "</b><i><b>Maternidad"</b></i><b>.
</b></div>
<div>
<b></b> </div>
<div>
<b>Al parecer, la posada fue arrendada y después vendida tapándose los
murales que permanecieron desconocidos públicamente hasta 1924 en que su
nuevo propietario los encontró vendiéndolos a diversos museos y
coleccionistas. </b><i><b>Marie</b></i><b> conservó durante muchos años todas las obras que luego pasarían a manos de sus hijas </b><i><b>Léa</b></i><b> e </b><i><b>Ida</b></i><b> que las vendieron también a coleccionistas privados.</b></div>
<div>
<b></b> </div>
<div>
<b>La </b><i><b>"Maternidad"</b></i><b> se encuentra actualmente en poder de un coleccionista suizo. </b><i><b>Marie</b></i><b> murió en 1945 tras un bombardeo en </b><i><b>Toulon</b></i><b> y la posada fue derribada y construida de nuevo y hoy se ha configurado como la </b><i><b><a href="http://www.facebook.com/notes/pasi%C3%B3n-por-la-pintura-y-m%C3%BAsica/la-maternidad-mary-henry-amamantando-a-su-hija-1889-jacob-meijer-de-haan-maribel/532054203512362?id=149896011731458#">Maison-Musée du Pouldu</a></b></i><b> en la que se intenta recordar el paso de aquellos dos pintores.</b><br /><br /><b>Maribel Alonso Perez</b><br /><b>03 abril 2013</b></div>
</span><br />Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-41985216626696156032013-04-03T18:13:00.000+02:002016-04-03T18:56:59.484+02:00<br />
Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-56737635864306441042013-04-02T21:00:00.000+02:002013-04-02T21:24:21.630+02:00Fabian Perez 1967 Pintor Argentino
<br />
<span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-a.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-ash3/555614_482251878495868_1729955238_n.jpg" /></span><br />
<div class="caption">
Fabián Perez</div>
<br />
<br />
<br />
<strong>Fabian
Perez nació el 2 de noviembre de 1967 en Buenos Aires, Argentina.
Cuando un adolescente Fabian fue fascinado con artes marciales y bellas
artes. Por lo tanto, él se dedicó para estudiar ambas disciplinas. El
karate ayudó a influir en su carácter que lo da gran disciplina así
como lo abre hasta otras formas del arte. La mayor parte de lo que
Fabian aprendió por sus estudios del Este influyó en sus pinturas.
Fabian dejó Argentina cuando él tenía 22 años para vivir en Italia
donde él residió durante siete años. Precisamente aquí su carrera en
pintura y escritura tomó un viaje ascendental. Esto está también en
Italia donde él fue inspirado a escribir su libro 'las Reflexiones de
un Sueño', que fue publicado más tarde en los Estados Unidos.</strong><br />
<br />
<strong><span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-d.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-ash3/544870_482252991829090_694959798_n.jpg" /></span></strong><br />
<br />
<strong>Él
entonces fue a Japón donde él vivió durante un año. Mientras allí él
pintó la Bandera japonesa y un Hombre que Medita que están en la
demostración en una casa del gobierno. Fabian dejó Japón para venir a
Los Ángeles donde él dedica su vida para inspirar otro con sus pinturas
y escrituras. El estilo de Fabian es único. Él desea no clasificar su
trabajo, él siente que este limita al artista así como el trabajo. Le
gusta pintar con acrílico porque esto seca rápidamente y este permite
que él siga sus impulsos. Las imágenes valientes y simbólicas se
sienten sumamente apasionadas.</strong><br />
<br />
<strong><span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-g.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-frc1/734530_482253981828991_1698603172_n.jpg" /></span></strong><br />
<br />
<strong>Fabian
pinta con sus emociones y cada pintura refleja su paseo y energía. Las
pinturas se hacen un roadmap, una guía con muchas direcciones, donde
los espectadores se deciden qué camino ellos desean experimentar el
.'It's sido treinta años que mis ruedas viajan en un camino arenoso. En
mis pistas, he dejado cosas, y he perdido muchos otros. Cuando las
ruedas dan vuelta puedo ver un camino delante, que me tomará a muchas
nuevas experiencias. '</strong><br />
<br />
<br />
<strong>Maribel Alonso Perez</strong><br />
<strong> 02 abril 2013</strong><br />
<strong></strong><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/xM3Q5-L5s7w?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-55223714366712632232013-04-02T19:12:00.001+02:002013-04-02T19:12:17.683+02:00Caffé Greco 1976 - Renato Guttuso<span>
<br />
<span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-h.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-snc6/s720x720/9543_482218681832521_1496184324_n.png" /></span><br />
<br />
<strong>Renato Guttuso </strong><br />
<strong>Título:<em> Caffè Greco</em> </strong><br />
<strong>Fecha: 1976 </strong><br />
<strong>Técnica: Pintura acrílica sobre cartón entelado. </strong><br />
<strong>Medidas: 186 x 243 cm </strong><br />
<strong>Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid</strong><br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<strong>El "<em>Caffé Greco"</em> es un café ubicado en el número 86 de la <em>Vía dei Condotti </em>en la ciudad de <em>Roma</em>.</strong><br />
<br />
<strong>Inaugurado en 1760 por el griego <em>Nicola della Maddalena </em>es, después del <em>"Caffé Florian"</em> de <em>Venecia</em>, el café más antiguo de <em>Italia</em> y uno de los cafés literarios más antiguos de <em>Europa</em>
todavía en servicio. A lo largo de los años ha sido frecuentado por
artistas, intelectuales, famosos y famosillos de todo el mundo que lo
han convertido en lugar de visita obligada durante sus estancias en <em>Roma</em>. Por él pasaron <em>Goethe,
Christian Andersen, Byron, Gabriele D'Annunzio, Luis de Baviera,
Stendhal, Nicolás Gogol, Schopenhauer, Mark Twain, Corot, De Chirico,
Hector Berlioz, George Bizet, Toscanini, Wagner, Orson Welles</em> y hasta el mismísimo <em>Buffalo Bill</em>. La lista de personajes es interminable pero su paso lo acreditan las fotos, cuadros y documentación que el <em>"Greco"</em> guarda entre sus paredes y en sus archivos. </strong><br />
<br />
<strong><em>Renato Guttuso</em>, también fue uno de los visitantes ilustres y asiduos del "<em>Caffé Greco"</em>.
El pintor siciliano, senador por el partido comunista y
multimillonario cuando pintó el cuadro que hoy visitamos, vivía en la
ciudad de <em>Roma</em> en el llamado <em>Pallazo del Grillo</em>, lugar en el que había montado su residencia desde 1965. </strong><br />
<br />
<strong>De <em>Guttuso</em> ya hablamos cuando visitábamos hace ya tiempo su magnífica obra "<em>La Vucciria"</em>. En ese cuadro comentábamos que Gutusso intentaba dar una idea de lo efímero de la vida. De ese lienzo el decía que : <em>"Es una naturaleza muerta en la que los seres que por ella se mueven también serán algo muerto algún día. ...."</em>. En el cuadro que hoy nos ocupa <em>Guttuso </em>vuelve
sobre esta idea y nos presenta un mundo en el que los vivos conviven
con los muertos, la efímera modernidad con lo antiguo. </strong><br />
<br />
<strong>Pintado en 1976, este "<em>Caffé Greco",</em> cuadro que se puede ver en el <em>Museo Tyssen-Bornemisza</em> de
Madrid, es un estudio preliminar realizado en acrílico sobre cartón
entelado para la obra definitiva que realizaría ese mismo año y que se
encuentra en el <em>Museo Ludwig</em> de <em>Colonia</em>. En él podemos ver el animado interior del "<em>Greco"</em>
en el que jóvenes, turistas japoneses y parejas homosexuales conviven
con individuos ya desaparecidos, muchos de ellos personajes famosos y
que <em>Guttuso</em> coloca en el cuadro para potenciar ese mínimo espacio que separa el pasado del presente.</strong><br />
<br />
<strong>Sentado a la izquierda del cuadro podemos ver a un hombre mayor que es el pintor metafísico <em>Giorgio de Chirico</em>, un asiduo del "<em>Caffé Greco"</em> y amigo personal de <em>Guttuso</em> que pintará este cuadro como su homenaje a <em>De Chirico</em>. Sentada a su lado, la mujer de la amplia cabellera es la que fue magnífica actriz, la romana <em>Ana Magnani</em>, la interprete de aquellas famosas películas como "<em>Roma, cittá aperta"</em> y "<em>Mamma Roma"</em>. De ella diría <em>Tennessee Williams</em> que: <em>"Nunca vi una mujer más hermosa, de ojos tan grandes y piel como el jabón Devonshire"</em>. Al fondo y pegado a la pared podemos ver a <em>William Frederick Cody</em>, más conocido como <em>Buffalo Bill</em>. <em>Buffalo Bill</em> pasó por Roma hacia 1890 con su famoso espectáculo teatral conocido como el <em>Buffalo Bill's Wild West</em> y con el que recorrió toda <em>Europa</em>. Unas fotografías colgadas en el propio café dan prueba de que <em>Buffalo Bill </em>estuvo allí. También estuvieron allí algunos de los jefes indios que participaban en su s<em>how</em> y a uno de los cuales retrata <em>Guttuso</em> sentado al lado de <em>Buffalo Bill</em>. También, en la mesa que hay en primer término, se puede ver entre los tertulianos al escritor francés y premio nobel, <em>André Gide</em>, un comunista renegado que consiguió que la <em>Iglesia Católica</em> incluyera todos sus libros dentro del "<em>Indice de libros prohibidos"</em> por su defensa de los derechos de los homosexuales, un hombre que también pasó por el "<em>Greco"</em>. </strong><br />
<br />
<strong>El
cuadro hace sentirse al espectador como un viajero o turista que,
sentado al fondo del café, observa el lugar y el ambiente mientras
descansa el cuerpo agotado por las largas caminatas a través de la <em>Ciudad Eterna</em>. Con un poco de imaginación tal vez pueda encontrar ahí dentro, como en el caso de <em>"La Vucciria"</em>, a la que fue la amante de <em>Guttuso</em> durante más de veinte años, la bella <em>Marta Marzotto</em>, o a su fiel esposa, <em>Mimisse Dotti</em>.</strong><br />
<br />
<strong>Un cuadro mágico, como todos los de <em>Guttuso</em>. Misterioso, divertido. Hecho para cotillear en él sin olvidar su mensaje de lo efímero. </strong><br />
<strong></strong><br />
<strong>Puedes entrar un momento al <i>"Caffé Greco"</i> pinchando en este <i><a href="http://www.youtube.com/embed/tHsSMOdEpU4"><span style="color: magenta;">video</span></a>.</i></strong><br />
<br />
<br />
<strong><em>Maribel Alonso Perez</em></strong><br />
<strong><em> 02 abril 2013</em></strong></span><br />Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-64478096779078616712013-03-25T19:25:00.002+01:002013-03-25T19:25:35.645+01:00Jeanne Hébuterne 1918 - Amedeo Modigliani<div class="mbl notesBlogText clearfix">
<span><div>
<br />
<br />
<span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-c.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-ash4/484809_479432838777772_1602243331_n.jpg" /></span><br />
<br />
<strong>Artist: Amedeo Modigliani</strong><br />
<strong>Año: 1918</strong><br />
<strong>Ligar de creación: Paris, France</strong><br />
<strong>Stilo: Expresionismo</strong><br />
<strong>Genre: portrait</strong><br />
<strong>Tecnica: óleo</strong><br />
<strong>Material: Lienzo</strong><br />
<strong>Dimensiones: 91.4 x 73 cm</strong><br />
<strong>Gallery: Metropolitan Museum of Art, New York City</strong><br />
<br />
<br />
<br />
<strong>De <em>Modigliani</em>, del bello <em>"Modi"</em>
como le llamaban sus amigos parisinos, se decía que pintaba a las
mujeres para poseerlas durante el trance místico de la plasmación.</strong><br />
<br />
<strong>Muchas
fueron las mujeres que le amaron, algunas hasta la locura, aunque él,
seguramente, no amó a ninguna. Todas aquellas mujeres que pasaron por
la corta vida de <em>Modigliani </em>quedaron inmortalizadas en sus
bellos y originales retratos o dibujos realizados todos ellos en un
estilo distinto a lo conocido y que le convertirían en un pintor
inconfundible. </strong><br />
<br />
<strong><em>Modigliani</em> era,
aparte de un hombre bello, una persona culta y con un cierto aire de
distinción. Dentro de su perpetua pobreza y de su bohemia vida,
mantenía un aire de elegancia. Normalmente ataviado con su sombrero de
ala ancha, su oscura chaqueta de terciopelo y un pañuelo rojo al
cuello, de él llegó a decir <em>Picasso</em> que era el único <em>"tipo"</em> en <em>Paris</em>
que sabía vestirse. Todos esos detalles gustaban a las mujeres que le
conocieron a pesar de su manifiesto alcoholismo y su afición a las
drogas que le convertían en determinados momentos en un individuo
totalmente desequilibrado.</strong><br />
<br />
<strong>De <em>Modi</em> llegaría a decir la poetisa rusa <em>Anna Ajmatova</em> años después de la muerte del pintor que: <em>"Él
no se parecía, en absoluto, a nadie en este mundo. Su voz se ha
quedado, de alguna manera, grabada en mi memoria para siempre"</em>. <em>Anna Ajmatova</em> se enamoraría de él en el verano de 1911 mientras visitaba <em>París</em> con su marido, el poeta ruso <em>Nicolai Gumilev,</em> y volvería a París en secreto en dos ocasiones para visitar a <em>Modigliani</em></strong><br />
<br />
<strong>No necesitó tanto la pintora galesa <em>Nina Hamnett</em> recién llegada a <em>París </em>en 1914 cuando en el café <em>"La Rotonde"</em>, el hombre que ocupaba la mesa de al lado se le presentó sonriente como: <em>"Modigliani, pintor y judío"</em>. Horas después compartían casa y cama en el promiscuo y destartalado <em>"La Ruche"</em>. </strong><br />
<br />
<strong>Con <em>Beatrice Hastings</em> la relación duró casi dos años, hasta 1916, en que esta se volvió imposible. <em>Beatrice</em>, una periodista londinense criada en <em>Sudafrica</em> y que había tomado la dirección en <em>París</em> del diario <em>"The New Age"</em>, era una adicta a los hombres y al alcohol, dos aficiones que chocaban simétricamente con las de <em>Modi</em>. Cuando todo estalló demasiado, <em>Modigliani</em> estuvo a punto de matarla lanzándola contra una vitrina. De él escribiría más adelante que: <em>"Era un cerdo y una perla, hachis y brandy, ferocidad y glotonería." </em></strong><br />
<br />
<strong>El puesto de <em>Beatrice</em> lo cubriría durante un año una estudiante canadiense llamada <em>Simone Thiroux</em> con la que <em>Modigliani</em>
mantendría una corta relación que se ha llamado su relación secreta y
de la que nacería un niño al que él nunca reconocería y que al morir su
madre en 1921 sería adoptado por una familia francesa. </strong><br />
<br />
<strong>Todas estas mujeres y algunas más tuvieron un peso importante en la vida de <em>Modigliani</em> y de todas ellas dejó su testimonio pictórico pero, la que más tiempo vivió con él y le acompañó hasta su muerte fue <em>Jeanne Hébuterne</em>, la mujer que aparece en el cuadro que hoy revisamos. </strong><br />
<br />
<strong>A <em>Jeanne Hébuterne</em>, una joven estudiante de <em>Bellas Artes</em> en la prestigiosa <em>Academia Pollarosi</em> de Paris, la conocería <em>Modigliani </em>en 1917 a través de una amiga común, la escultora <em>Chana Orloff, </em>la cual acudía regularmente a esta academia para trabajar con modelos en vivo. Pronto surgiría el flechazo entre ambos y <em>Jeanne</em> marcharía a vivir con <em>Modi</em> a un estudio que alquilarían en la rue de la <em>Grande-Chaumière</em>, en pleno <em>Montparnasse</em>. La oposición de los padres de <em>Jeanne</em>
a aquella relación con un hombre quince años mayor que ella, pobre y
minado por la tuberculosis, el alcohol y las drogas, no conseguiría
apartarla de él. </strong><br />
<br />
<strong>En los cerca de tres años que vivieron juntos, <em>Modigliani </em>retrató a <em>Jeanne</em> en más de veinte lienzos uno de los cuales es el que hoy vemos y en el que la pinta en su estudio de <em>Montparnase</em>,
sentada en un sofá y con su brazo izquierdo apoyado sobre el respaldo
del mismo y vestida con una amplia camisa clara que disimula el estado
de buena esperanza en que Jeanne se encontraba cuando <em>Modigliani</em> realizó este lienzo en 1919. La pareja ya tenía otra hija, <em>Jeanne</em>, nacida un año antes y a la que <em>Modigliani</em> había reconocido. </strong><br />
<br />
<strong>Su segundo hijo nunca llegaría a nacer. Unos meses más tarde, el 24 de enero de 1920, <em>Modigliani</em> moría con solo 36 años en el <em>Hospital de la Charité</em> de <em>París</em> a consecuencia de una meningitis tuberculosa y <em>Jeanne Hebuterne</em> se suicidaba al día siguiente lanzándose al vacío desde una ventana de la casa de sus padres.</strong><br />
<br />
<strong>Este cuadro pasó a manos del marchante, amigo y protector de <em>Modigliani</em>, el polaco <em>Léopold Zborowski </em>que lo vendería unos años después siendo adjudicado por 30.000 francos en 1937 en una de las famosas subastas del <em>Hotel Drouot</em> de <em>París</em>. En 1956 pasó a ser propiedad del <em>Metropolitan Museum of Art</em> de <em>Nueva York</em> por donación de sus anteriores propietarios.</strong><br />
<br />
<strong>Puedes ver un bello vídeo basado en la obra y la vida de <em>Modigliani</em> pulsando <em>aquí.</em></strong><a forcediv="true" forceinline="true" href="http://www.facebook.com/l.php?u=http%3A%2F%2Fyoutu.be%2FPxdjUw69Qdc&h=AAQFfbvJM&s=1" onclick="LinkshimAsyncLink.swap(this, "\/l.php?u=http\u00253A\u00252F\u00252Fyoutu.be\u00252FPxdjUw69Qdc&h=AAQFfbvJM&s=1");" onclickstat_1d7621j="SN_CL_GR" onmouseover="LinkshimAsyncLink.swap(this, "http:\/\/youtu.be\/PxdjUw69Qdc");" original_target="http://youtu.be/pxdjuw69qdc&h=aaqffbvjm&s=1" rel="nofollow" saprocessedanchor="true" target="_blank" verdict_1d7621j="OK">http://youtu.be/PxdjUw69Qdc</a><div mcballoonconfig="{IsPremium:false,unratedSubmitText:"Enviar para su comprobación",resoureBaseUrl:"sacore:",siteReport:{requestArgs:"pip=false&premium=false&client_uid=55012942&client_ver=3.5.0.229&client_type=IEPlugin&suite=true&aff_id=739&locale=es_ES&ui=1&os_ver=6.1.1.0",siteReportBaseUrl:"http://www.siteadvisor.com/sites/",linkText:"Leer informe del sitio"},balloonSetup:{},CCHeader:"Contenido del sitio:",features:{highlite:false,showIcons:true},upsellInfo:{display:false},uid:"",HeaderText:""}" mclinkinfo="{linkConfig:{filterLink:false,disableLink:false,icon:"green.gif",highlightColor:"#CCFFCC",iconWidth:16,iconHeight:16},hackerSafe:false,phishingblacklisted:false,domain_specifier:"youtu.be",popularity:"VERY_POPULAR",dossierUrl:"https://www.siteadvisor.com/sites/http://youtu.be/pxdjuw69qdc%26h%3daaqffbvjm%26s%3d1/-?pip=false&premium=false&client_uid=55012942&client_ver=3.5.0.229&client_type=IEPlugin&suite=true&aff_id=739&locale=es_ES&ui=1&os_ver=6.1.1.0",balloonConfig:{CCUpsell:"",popFunc:"pocpop",adjustLeft:0,adjustTop:0,adjustZ:0,localescale:"1.3"},base_domain:"youtu.be",recommendation:"Hemos comprobado este sitio y no hemos encontrado ningún problema significativo.",score:"OK",facets:{link:{recommendation:{0:"La mayoría de los vínculos de este sitio corresponden a sitios web seguros o que presentan problemas de seguridad o molestias menores.",1:"Tiene vínculos a sitios 'verdes'"},score:"OK"}},linkTitleEncoded:"&#104&#116&#116&#112&#58&#47&#47&#121&#111&#117&#116&#117&#46&#98&#101&#47&#80&#120&#100&#106&#85&#119&#54&#57&#81&#100&#99&#32"}" style="cursor: pointer; display: inline; float: none; height: 16px; margin-left: 2px; padding: 0px; position: relative; width: 16px;">
<a border="0" href="https://www.siteadvisor.com/sites/http://youtu.be/pxdjuw69qdc%26h%3daaqffbvjm%26s%3d1/-?pip=false&premium=false&client_uid=55012942&client_ver=3.5.0.229&client_type=IEPlugin&suite=true&aff_id=739&locale=es_ES&ui=1&os_ver=6.1.1.0" saprocessedanchor="true" style="display: inline; margin: 0px; padding: 0px; position: relative; width: auto;" target="_blank"><img border="0" onmouseout="shut_ff(event)" onmouseover="pocpop("1d7621j",event,0);" src="data:image/gif;base64,R0lGODlhEgASAPeCALTttfLy8mHSYNTm1FfPVt3r3CmEJ6jqqRd7FmvWa/T484Pdg93733fad/b69k7MTfPz88DbwDSLMlmgWI/hkEKTQZvGmju0OpzmnIe6hg92DQx0Cvz8/Bp8GPf398jgyCeYJj+RPv///z+4PsXjxWeoZkW3RKnaqmrVak26TITOhGOxYWGuYaDfodjm1z2UPEvISsPdwk+pTszhzO717i6ILZzbnTGJL1+tXnCtb1W4VPn8+YvYi/Dy8KThpHPJc+rz6R2DG2KsYhyKG+v064ncisrgysHewF+jXi6QLUiWRzuxOs3izdP11W/Mb0uwSiqHKRF7Dy6eLWKlYNbl1nO7ch2TG+Xs5TihN3OvcsbexcDcv226bdnn2cPxxfDx8Nrq2pfNlxSAEki2R5PLlFW6VTGSMD+1Pj6rPWWvZTKeMJTfk32/fbLWsjeuNnzAfPz9/DiqN0K1Qo7Xj7/fvxt+GmrOaiKFIE63TdPk02qqaWrGadnp2X7NfsDxwcr1zNT41hmQF////wAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAACH5BAEAAIIALAAAAAASABIAAAj/AAUJHCiwAA2CCAfCsaBkA5Q6CCZoSSgQzA0hJxhobELmxRQHCAd0YAOopMmSaSqAFKjAwJs/MGP+sRHICws9AzPg8MOzpx8VgaoE8qFhgEADLQAoXdonEAkRYQJxySKowJ0DWAPxOPAjEB0OHIBYmSNBUAQzGDAEkhFoT6AjHjzwCaRjTQezSSgEWtFjS6A2ECC4CFSGQhEEVYMsCGQkQIArXwJQCYRnwQInZQUZsJMi0AzHAfIEGtOg9JMcAjNgSWAiEBMIXQLJSUAbRVGWBtAIOBPoQ6AlAoILUFOC4AAEcQhcCHSBgHMCUkKsHDigBogRD7LDcDMEiQKKOyxUDdggJkrEGBQTFiCSPiAAOw==" style="border: 0px currentColor; display: inline; float: none; height: 16px; margin: 0px; position: relative; width: 16px;" /></a></div>
<div>
</div>
<br />
<br />
<br />
<strong><em>Maribel Alonso Perez</em></strong><br />
<strong><em> 25 marzo 2013</em></strong></div>
</span></div>
Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-52241716055089389602013-03-21T18:52:00.000+01:002013-03-21T18:52:00.513+01:00Gabriele Münter 1877 - 1962 <div class="mbl notesBlogText clearfix">
<span><div>
<br />
<span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-c.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-prn1/544354_477997862254603_784569342_n.jpg" /></span><br />
<br />
<strong>Gabriele Münter en 1900 </strong><br />
<strong>Nacimiento19 de febrero de 1877</strong><br />
<strong>Berlín, Alemania Fallecimiento19 de mayo de 1962</strong><br />
<strong> Murnau am Staffelsee, Alemania </strong><br />
<strong>Nacionalidad: Alemana </strong><br />
<strong>Área: Pintura y Fotografía</strong><br />
<br />
<br />
<strong>Gabriele
Münter (* 19 de febrero de 1877 en Berlín - † 19 de mayo de 1962 en
Murnau am Staffelsee) fue una pintora alemana del expresionismo,
fotógrafa y salvadora de las pinturas del movimiento Blaue Reiter
durante la Segunda Guerra Mundial.</strong><br />
<br />
<strong>Los
padres de Münter, eran adinerados y apoyaron su educación artística con
maestros privados. En 1897 asistió a una escuela de arte para mujeres en
Düsseldorf. Posteriormente emprendió un viaje de dos años por Estados
Unidos con su hermana y al regresar en 1901 se estableció en Múnich. La
Academia de Bellas Artes de Múnich no estaba abierta para mujeres, por
lo que continuó sus estudios en una asociación femenina de pintura de la
ciudad. Pronto se aburrió de la educación en la asociación, por lo que
cambió a la progresiva escuela de arte <em>Phalanx</em>, en la que trabajaba Vasily Kandinsky.</strong><br />
<br />
<strong>En
el verano de 1903 durante una estancia en Kallmünz, Kandinsky se
compromete en matrimonio con Münter, a pesar de estar aún casado, hecho
que ocultan a los otros miembros de la escuela <em>Phalanx</em>. Münter
vive abiertamente con Kandisnky como su amante, a pesar de que él no se
divorcia hasta 1911. Vivieron juntos hasta 1917 y emprendieron varios
viajes, incluyendo visitas a Túnez, Holanda, Italia y Francia.</strong><br />
<br />
<strong><span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-a.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-ash4/426510_477999402254449_379982550_n.jpg" /></span></strong><br />
<div class="caption">
<strong>Bild 182</strong></div>
<br />
<br />
<strong>Durante
su primera estancia en París en 1906/07, Münter ve los cuadros de
Henri Matisse y otros fauvistas, lo que cambia su estilo a largo plazo.
En 1909 compra una casa en Murnau am Staffelsee donde pasa los veranos
con Kandisnky y donde reciben a numerosos artistas del vanguardismo
muniqués como Alexei von Jawlensky, Franz Marc, August Macke y el
compositor Arnold Schönberg</strong><br />
<br />
<br />
<strong>Artísticamente,
Münter comienza a desarrollar un estilo abstracto propio, con
brillantes colores sin mezclar, formas fuertes, todo delineado por
oscuras líneas de separación. Se convierte en miembro fundadora de la <em>Neue Künstlervereinigung München</em> (Nueva union de artistas de Múnich) iniciada por Kandinsky y que incluía el núcleo de los artistas del Blaue Reiter.</strong><br />
<br />
<strong>Durante
la Primera Guerra Mundial Kandinsky se ve forzado a salir de Alemania
por ser ciudadano de una potencia enemiga. Entre 1915 y 1920 Münter vive
en Escandinavia. Su último encuentro con Kandinsky ocurre en 1916 en
Estocolmo. A partir de 1917 Kandinsky rompe todo contacto y solo años
más tarde, Münter se entera de que Kandinsky se había casado de nuevo.</strong><br />
<br />
<strong>A
partir de 1920 Münter vive alternativamente entre Colonia, Múnich y
Murnau. Debido a una constante depresión, prácticamente deja de pintar.
Durante un periodo de residencia en Berlín, en 1925, produce reducidos
retratos de mujeres hechos en lápiz. Solo tras una larga estancia en
París en 1929/30, su actividad creativa coge nuevo impulso.</strong><br />
<strong>En 1932 regresa a su casa en Murnau donde vive con el historiador de arte, Johannes Eichner.</strong><br />
<br />
<strong><span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-a.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-snc6/6164_478000305587692_241529778_n.jpg" /></span></strong><br />
<br />
<strong>Durante
este período pinta sobre todo flores y obras abstractas. En 1937 los
nazis le prohiben exponer, por lo que se retira de la vida pública.
Durante la Segunda Guerra Mundial Gabriele Münter escondió más de 80
obras de Kandinsky y otros miembros del Blaue Reiter, además de obras
propias, salvándolas de la destrucción. Estas pinturas se las regaló en
1957 a la ciudad de Múnich, donde ahora son exhibidas en la
Lenbachhaus, que de golpe, se convirtió en un importante museo. Su casa
en Murnau am Staffelsee es hoy en día también museo.</strong><br />
<br />
<strong>Maribel Alonso Perez</strong><br />
<strong> 21 marzo 2013</strong></div>
</span></div>
Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-82950747337648095572013-03-12T19:56:00.001+01:002013-03-12T19:56:31.781+01:00Apolo Palace 1933 (conocido como Eden Concierto Music Hall) - Francesc Domingo Segura<div class="mbl notesBlogText clearfix">
<span><div>
<br />
<span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-a.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-ash4/s720x720/481948_474950802559309_2125874546_n.jpg" /></span><br />
<br />
<strong><em>Francesc Domingo Segura</em> (1893-1974) fue un pintor catalán nacido en <em>Barcelona</em> y fallecido en <em>Sao Paulo (Brasil)</em> ciudad a la que emigraría en el año 1951 tras un largo periodo de desorientación pictórica y personal a raíz de la <em>Guerra Civil Española</em>.</strong><br />
<br />
<strong>Formado en la escuela de <em>Francesc Galí</em> se integra en la <em>"Agrupación Courbet"</em>, un movimiento artístico fundado en Barcelona en 1918 con el objetivo de renovar el <em>"noucentismo"</em> siguiendo la doctrina del pintor francés <em>Gustave Courbet</em>. La <em>Agrupación</em>, impulsada por el ceramista y crítico de arte, <em>Josep Llorens i Artigas </em>y a la que llegaron a pertenecer pintores tan destacados como <em>Picasso</em>, <em>Joan Miró</em> y <em>Olga Sacharoff</em> se disolvió un año después, por lo que <em>Francesc Domingo</em> marcha a <em>París </em>y posteriormente a la <em>Bretaña</em> donde se acercará al cubismo debido a su admiración por <em>Cezanne</em>.</strong><br />
<br />
<strong>De vuelta a <em>España</em>
en 1931 se establece en su ciudad natal y su pintura, hasta el
comienzo de la guerra civil, se inclina por un realismo social llegando
a plasmar aspectos idealizados del mundo del espectáculo destinado a
las clases proletarias o menos cercanas a la burguesía catalana. A este
periodo pertenece el cuadro que hoy traemos a nuestro blog.</strong><br />
<br />
<strong>Debo confesar que de <em>Francesc Domingo</em> no conocía nada de su vida ni de su obra a excepción de su cuadro <em>"Los jugadores"</em>, cuadro que tuve la oportunidad de ver en una visita al <em>MNAC</em>
hace ya algunos años, y que he descubierto este otro cuadro tan solo
hace unos días a través del espacio dedicado en la revista <em>El Cultural </em>a la exposición organizada en <em>Barcelona </em>relativa a lo que supuso para la vida de esta ciudad durante el periodo de 1894 a 1939, la conocida avenida de <em>El Paralelo</em>.</strong><br />
<br />
<strong>En <em>El Paralelo</em> (<em>Avinguda del Paral·lel</em>), la avenida que lleva en la ciudad de <em>Barcelona</em> desde las <em>Atarazanas Reales </em>hasta la <em>Plaza de España</em>,
se fueron concentrando desde su nacimiento infinidad de teatros,
cabarets, cafés-concert y music-hall, lugares que convertirían dicha
avenida en una zona o área dedicada al ocio y el espectáculo destinado
principalmente a una masa obrera o proletaria, una zona o barriada
equiparable a las que nacieron en otras grandes ciudades como en el <em>París</em> o <em>Berlín</em> de entreguerras o en el propio <em>Nueva York</em>.</strong><br />
<br />
<strong>En uno de estos <em>"lugares"</em> de <em>El Paralelo</em> dedicados al espectáculo nació el cuadro que hoy visitamos y que pintó <em>Francesc Domingo</em> perteneciente a una serie cuya génesis explicaba un tal <em>Enric F. Gual</em> en un articulo publicado en la revista "<em>Mirador" </em>en agosto de 1933.</strong><br />
<br />
<strong>Según <em>Enric F. Gual,</em> <em>Francesc Domingo</em> desde su regreso a <em>Barcelona</em> y después de su estancia en <em>Francia,</em> se había convertido en un asiduo visitante de <em>El Paralelo</em> y de sus principales locales como era en este caso, el <em>Apolo Palace</em>.
En él nació la idea de pintar una serie de cuadros que reflejasen el
ambiente del local, el tipo de actuaciones y sobre todo, dieran una
imagen del mundo social que se congregaba todas las noches en torno a
aquellas canzonetistas o cupletistas para admirar su arte y sus
cuerpos.</strong><br />
<br />
<strong><em>Francesc Domingo</em> le comentó la idea a su amigo y antiguo compañero de la <em>"Fundación Courbet" Josep Llorens i Artigas</em> el cual le animó a que emprendiese la labor de imnmediato por lo que <em>Francesc</em> se puso manos a la obra y comenzó un seguimiento continuo del espectáculo que se daba en el <em>Apolo</em> por aquellas fechas y que tenía como una de sus <em>estrellas</em> a una pícara canzonetista llamada "<em>La Fontalba", </em>una mujer que a <em>Francesc</em> le trasmitía la imagen perfecta para plasmar en su obra.</strong><br />
<br />
<strong>Fueron muchos los apuntes y bocetos que fue tomando durante sucesivas veladas de "<em>La Fontalba"</em>
así como otros en los que reflejar, en especial, el ambiente y la
imagen de aquel público que abarrotaba normalmente el local. Una vez
bocetados, coloreados estos y pensados mentalmente los futuros lienzos,
fue cuando <em>Domingo</em> se decidió a dar el paso final encargando
telas y bastidores y fue justo en ese mismo momento cuando la sala
canceló el contrato con "<em>La Fontalba"</em> y esta desapareció del espectáculo llevando a <em>Francesc Domingo</em> al borde de la desesperación y provocando que este abandonase el proyecto iniciado.</strong><br />
<br />
<strong>Contaba <em>Enric Gual</em> en su artículo que enterado <em>Josep Llorens</em> de la frustración sufrida por su amigo y después de visitarle y admirarse con los inumerables bocetos que <em>Domingo</em> tenía en su estudio le animó a que no tirase aquel trabajo por la borda y consiguió que este volviese al <em>Apolo</em>
una vez más. Afortunadamente, la inspiración volvió a ponerse al lado
de Domingo en la persona de una nueva canzonetista que se había
incorporado al espectáculo del <em>Apolo</em>, una tal <em>Vera Frey</em>, una vedette de cuerpo espectacular y que venía precedida por sus éxitos anteriores en salas como <em>"Pompeia"</em>, <em>"El Ba-Ta-Clan"</em>, <em>"El Hollywood",</em> <em>"La buena sombra"</em> o <em>"El Royal Concert"</em>, todos ellos afamados "lugares" del Paralelo.</strong><br />
<br />
<strong>A esa <em>Vera</em>, a esa mujer a la que miran absortos todos esos proletarios asiduos a aquel local de la <em>Barcelona</em> de preguerra es a la que miró también <em>Francesc Domingo</em>
desde ese rincón al otro lado del cuadro. Sus ojos fueron nuestros
ojos y gracias a ellos hoy contemplamos nosotros también a <em>Vera</em>.</strong><br />
<br />
<strong>¿Que fué de ella? No sabemos. Seguiría seguramente actuando en el <em>Apolo </em>o en otro café-concert de <em>El Paralelo</em>
hasta que la vida la retirase de aquellos escenarios. Alguien conocerá
esta historia mejor que yo y a lo mejor nos la termina de contar.</strong><br />
<br />
<strong><em>Francesc Domingo</em> pintó una serie de cuadros todos ellos dentro de este lugar. Uno de los cuadros y que en un principio también se denominó <em>"Apolo Palace",</em> pintado al igual que este en 1933, muestra a <em>Vera Frey</em>
de espaldas, actuando en la pasarela, rodeada como siempre de seres
que la observan arrobados y entre los que aparece su gran amigo <em>Josep Llorens</em> acompañado de una tal <em>Rosario Sanz</em>.</strong><br />
<br />
<strong>El cuadro que hoy hemos comentado, de propiedad particular, <em>Centre de Cultura Contemporánia de Barcelona</em> (<em>CCCB</em>) en la exposición <em>"El Paralelo, 1894-1939. Barcelona y el espectáculo de la modernidad".</em></strong><br />
<br />
<strong>Un poco más sobre la obra de este olvidado pintor catalán en <a forcediv="true" forceinline="true" href="http://www.facebook.com/l.php?u=http%3A%2F%2Fyoutu.be%2Fu82StOL511s&h=3AQF5eO8S&s=1" onclick="LinkshimAsyncLink.swap(this, "\/l.php?u=http\u00253A\u00252F\u00252Fyoutu.be\u00252Fu82StOL511s&h=3AQF5eO8S&s=1");" onclickstat_1d7ag90="SN_CL_GR" onmouseover="LinkshimAsyncLink.swap(this, "http:\/\/youtu.be\/u82StOL511s");" original_target="http://youtu.be/u82stol511s&h=3aqf5eo8s&s=1" rel="nofollow" saprocessedanchor="true" target="_blank" verdict_1d7ag90="OK">http://youtu.be/u82StOL511s</a></strong><br />
<strong><div mcballoonconfig="{IsPremium:false,unratedSubmitText:"Enviar para su comprobación",resoureBaseUrl:"sacore:",siteReport:{requestArgs:"pip=false&premium=false&client_uid=55012942&client_ver=3.5.0.229&client_type=IEPlugin&suite=true&aff_id=739&locale=es_ES&ui=1&os_ver=6.1.1.0",siteReportBaseUrl:"http://www.siteadvisor.com/sites/",linkText:"Leer informe del sitio"},balloonSetup:{},CCHeader:"Contenido del sitio:",features:{highlite:false,showIcons:true},upsellInfo:{display:false},uid:"",HeaderText:""}" mclinkinfo="{linkConfig:{filterLink:false,disableLink:false,icon:"green.gif",highlightColor:"#CCFFCC",iconWidth:16,iconHeight:16},hackerSafe:false,phishingblacklisted:false,domain_specifier:"youtu.be",popularity:"VERY_POPULAR",dossierUrl:"https://www.siteadvisor.com/sites/http://youtu.be/u82stol511s%26h%3d3aqf5eo8s%26s%3d1/-?pip=false&premium=false&client_uid=55012942&client_ver=3.5.0.229&client_type=IEPlugin&suite=true&aff_id=739&locale=es_ES&ui=1&os_ver=6.1.1.0",balloonConfig:{CCUpsell:"",popFunc:"pocpop",adjustLeft:0,adjustTop:0,adjustZ:0,localescale:"1.3"},base_domain:"youtu.be",recommendation:"Hemos comprobado este sitio y no hemos encontrado ningún problema significativo.",score:"OK",facets:{link:{recommendation:{0:"La mayoría de los vínculos de este sitio corresponden a sitios web seguros o que presentan problemas de seguridad o molestias menores.",1:"Tiene vínculos a sitios 'verdes'"},score:"OK"}},linkTitleEncoded:"&#104&#116&#116&#112&#58&#47&#47&#121&#111&#117&#116&#117&#46&#98&#101&#47&#117&#56&#50&#83&#116&#79&#76&#53&#49&#49&#115&#32"}" style="cursor: pointer; display: inline; float: none; height: 16px; margin-left: 2px; padding: 0px; position: relative; width: 16px;">
<a border="0" href="https://www.siteadvisor.com/sites/http://youtu.be/u82stol511s%26h%3d3aqf5eo8s%26s%3d1/-?pip=false&premium=false&client_uid=55012942&client_ver=3.5.0.229&client_type=IEPlugin&suite=true&aff_id=739&locale=es_ES&ui=1&os_ver=6.1.1.0" saprocessedanchor="true" style="display: inline; margin: 0px; padding: 0px; position: relative; width: auto;" target="_blank"><img border="0" onmouseout="shut_ff(event)" onmouseover="pocpop("1d7ag90",event,0);" src="data:image/gif;base64,R0lGODlhEgASAPeCALTttfLy8mHSYNTm1FfPVt3r3CmEJ6jqqRd7FmvWa/T484Pdg93733fad/b69k7MTfPz88DbwDSLMlmgWI/hkEKTQZvGmju0OpzmnIe6hg92DQx0Cvz8/Bp8GPf398jgyCeYJj+RPv///z+4PsXjxWeoZkW3RKnaqmrVak26TITOhGOxYWGuYaDfodjm1z2UPEvISsPdwk+pTszhzO717i6ILZzbnTGJL1+tXnCtb1W4VPn8+YvYi/Dy8KThpHPJc+rz6R2DG2KsYhyKG+v064ncisrgysHewF+jXi6QLUiWRzuxOs3izdP11W/Mb0uwSiqHKRF7Dy6eLWKlYNbl1nO7ch2TG+Xs5TihN3OvcsbexcDcv226bdnn2cPxxfDx8Nrq2pfNlxSAEki2R5PLlFW6VTGSMD+1Pj6rPWWvZTKeMJTfk32/fbLWsjeuNnzAfPz9/DiqN0K1Qo7Xj7/fvxt+GmrOaiKFIE63TdPk02qqaWrGadnp2X7NfsDxwcr1zNT41hmQF////wAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAACH5BAEAAIIALAAAAAASABIAAAj/AAUJHCiwAA2CCAfCsaBkA5Q6CCZoSSgQzA0hJxhobELmxRQHCAd0YAOopMmSaSqAFKjAwJs/MGP+sRHICws9AzPg8MOzpx8VgaoE8qFhgEADLQAoXdonEAkRYQJxySKowJ0DWAPxOPAjEB0OHIBYmSNBUAQzGDAEkhFoT6AjHjzwCaRjTQezSSgEWtFjS6A2ECC4CFSGQhEEVYMsCGQkQIArXwJQCYRnwQInZQUZsJMi0AzHAfIEGtOg9JMcAjNgSWAiEBMIXQLJSUAbRVGWBtAIOBPoQ6AlAoILUFOC4AAEcQhcCHSBgHMCUkKsHDigBogRD7LDcDMEiQKKOyxUDdggJkrEGBQTFiCSPiAAOw==" style="border: 0px currentColor; display: inline; float: none; height: 16px; margin: 0px; position: relative; width: 16px;" /></a></div>
<div>
</div>
</strong><br />
<strong>Maribel Alonso Perez</strong><br />
<strong> 12 marzo 2013</strong></div>
</span></div>
Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-2759643765548260352013-03-11T21:51:00.000+01:002013-03-11T22:35:56.374+01:00La Siesta 1866 - Gustave Courbet <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXWYJN8jNycwn1usPCUWMwN5o2gRsDHPZ3spoKn-H45CL01JfccVYzntZxXzqBM9QvbJCCAffZOWs-BwpLfsSiw3LLTCvgV0l_J0N6IWhQqrofL-vcKZDgVgWbvTREcVFfJeJBMF_y_qo/s1600/El+suen%CC%83o+-+Courbet+-+v.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" closure_uid_607742999="2" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXWYJN8jNycwn1usPCUWMwN5o2gRsDHPZ3spoKn-H45CL01JfccVYzntZxXzqBM9QvbJCCAffZOWs-BwpLfsSiw3LLTCvgV0l_J0N6IWhQqrofL-vcKZDgVgWbvTREcVFfJeJBMF_y_qo/s1600/El+suen%CC%83o+-+Courbet+-+v.png" /></a></div>
<br />
<table class="infobox_v2" style="margin-left: 15px; margin-right: 0px; margin-top: 4px; text-align: center;">
<tbody>
<tr><td><i><strong>El sueño<br /><small>(Le Sommeil)</small></strong></i></td></tr>
<tr><td><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Gustave_Courbet" title="Gustave Courbet"><strong>Gustave Courbet</strong></a><strong>, </strong><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1866" title="1866"><strong>1866</strong></a></td></tr>
<tr><td><strong>Óleo sobre lienzo • Realismo</strong></td></tr>
<tr><td><strong>135 cm × 200 cm</strong></td></tr>
<tr><td><strong>Museo del Petit-Palais, </strong><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Par%C3%ADs" title="París"><strong>París</strong></a><strong>, <img alt="Flag of France.svg" class="thumbborder" height="13" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c3/Flag_of_France.svg/20px-Flag_of_France.svg.png" srcset="//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c3/Flag_of_France.svg/30px-Flag_of_France.svg.png 1.5x, //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c3/Flag_of_France.svg/40px-Flag_of_France.svg.png 2x" width="20" /> </strong><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Francia" title="Francia"><strong>Francia</strong></a></td></tr>
</tbody><strong>
</strong></table>
<strong><br /></strong><br />
<strong>Esta tela, al igual que <i><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/El_origen_del_mundo" title="El origen del mundo"><span style="color: magenta;">El origen del mundo</span></a></i><span style="color: magenta;">,</span> fue encargada por el diplomático </strong><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Turqu%C3%ADa" title="Turquía"><span style="color: magenta;"><strong>turco</strong></span></a><strong> Jalil-Bey.</strong><br />
<strong>Se trata de un cuadro de carácter sensual, propio de algunas de las obras que el autor pintó durante el </strong><a class="mw-redirect" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Segundo_Imperio_Franc%C3%A9s" title="Segundo Imperio Francés"><span style="color: magenta;"><strong>Segundo Imperio</strong></span></a><strong>. Protagonizan el cuadro dos figuras femeninas desnudas durmiendo, que recuerdan a las figuras de diosas mitológicas de la </strong><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Escuela_veneciana" title="Escuela veneciana"><span style="color: magenta;"><strong>escuela veneciana</strong></span></a><strong>. Trataba un tema morboso para la época en que vivió el artista: la relación sexual entre dos mujeres. Aún es objeto de debate si se trata sólo de representar el sueño inocente de dos amigas o se trata de una obra sobre el </strong><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Lesbianismo" title="Lesbianismo"><span style="color: magenta;"><strong>amor lésbico</strong></span></a><strong>.</strong><br />
<strong>La puesta en escena es refinada. Las mujeres están sobre una cama, enmarcada por cortinas de terciopelo azul oscuro. Se ha considerado que, por la expresión del rostro, la mujer de cabellos rubios tiene un sueño erótico. En primer plano, sobre una mesita de </strong><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Madera" title="Madera"><span style="color: magenta;"><strong>madera</strong></span></a><strong> con motivos florales en la tapa, hay un </strong><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%A1liz" title="Cáliz"><span style="color: magenta;"><strong>cáliz</strong></span></a><strong> y un collar de </strong><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Perla" title="Perla"><span style="color: magenta;"><strong>perlas</strong></span></a><strong> roto han de interpretarse como </strong><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Alegor%C3%ADa" title="Alegoría"><span style="color: magenta;"><strong>alegorías</strong></span></a><strong>. En efecto, el collar roto que pasa por debajo de la mujer morena, simbolizaría la falta cometida mientras que el cáliz es signo de </strong><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Arrepentimiento" title="Arrepentimiento"><span style="color: magenta;"><strong>arrepentimiento</strong></span></a><strong>. Junto al cáliz, hay una botella azul y una jarra de cristal. Al fondo, a la derecha, hay un jarrón con flores, posible regalo de una de las amigas a la otra.<br />
</strong><br />
<div style="text-align: justify;">
<strong></strong> </div>
<div style="text-align: justify;">
<strong></strong> </div>
<div style="text-align: justify;">
<strong>Escribía hace ya algún tiempo el profesor de
Historia del Arte, <i>Carlos Reyero</i>, que: <i>"Gustave Courbet es el pintor
de las frutas, de los animales, de las flores y, sobre todo, de la carne - de la
carne como supremo enemigo del alma, por supuesto - de la carne fresca que se
saborea con todos los sentidos al ser pintada" </i></strong></div>
<strong>
</strong><br />
<div style="text-align: justify;">
<strong>En el cuadro que hoy traemos a este blog,
<i>Courbet</i> presenta esa carne para que la saboree también el espectador
después de haberse saciado él. La muestra casi como parte de un bodegón, como
una de las piezas comestibles que lo integran.</strong></div>
<strong>
</strong><br />
<div style="text-align: justify;">
<strong>A <i><a href="http://www.desdeelotroladodelcuadro.blogspot.com.es/2011/05/latelier-du-peintre-gustave-courbet.html"><span style="color: magenta;">Courbet</span></a></i>
lo trajimos a este blog hace ya algún tiempo y lo dejábamos después de comentar
la frustración que le había producido la no admisión de su obra <i>"L’atelier du
peintre"</i> en el <i>Salón de la Exposición Universal</i> de 1855 en
<i>París</i>, obra que <i>Courbet</i> expondría a modo de provocación en un
pabellón individual situado enfrente de dicha exposición denominándolo
<i>"Realismo"</i> dando origen así a un movimiento cuya estética definiría poco
después el crítico de arte, <i>Jules Champfleury</i>.</strong></div>
<strong>
</strong><br />
<div style="text-align: justify;">
<strong>Aquella exposición marcaría un antes y un
después en la temática de la obra pictórica de <i>Courbet </i>abandonando este
los temas de carácter social y dedicándose a aquellos que le reportasen el
placer de pintar sin aceptar ajustarse a los convencionalismos impuestos por los
academicistas y por la crítica del <i>Salón</i>.</strong></div>
<strong>
</strong><br />
<div style="text-align: justify;">
<strong>Será ya en 1866 trabajando en su estudio de
<i>París</i> sobre una serie de obras cuyo motivo principal será el desnudo
femenino adornado de un cierto contenido erótico cuando recibirá la visita de un
rico coleccionista turco llamado <i>Khalil Bey</i>, un antiguo embajador en
<i>París</i> y que andaba haciéndose por esas fechas con una importante
colección de obras de arte entre las que figuraban obras de pintores tales como
<i>Delacroix</i>, <i>Corot</i>, <i>Rousseau</i> e <i>Ingres</i> (<i>"El baño
turco"</i>).</strong></div>
<strong>
</strong><br />
<div style="text-align: justify;">
<strong><i>Khalil Bey</i> se encaprichará con una obra
ya terminada y que había sido rechazada en el <i>Salón</i> de 1866 por su
alusión al lesbianismo, denominada <i>"Venus persiguiendo a Psique"</i>, obra
que <i>Courbet</i> no podrá venderle por tenerla ya comprometida. <i>Khalil
Bey</i>, un erotómano de tomo y lomo además de jugador empedernido, le pide a
<i>Courbet</i> que le pinte un cuadro similar a ese en el que aparecía una mujer
desnuda dormida sobre una cama mientras otra, a medio vestir, juguetea con un
pájaro al lado de ella. </strong></div>
<strong>
</strong><br />
<div style="text-align: justify;">
<strong><i>Courbet</i> acepta el encargo aunque será
cambiando la escena en este nuevo cuadro al que denominará <i>"El sueño"</i>,
cuadro que hoy visitamos y que nos muestra a dos mujeres en una actitud también
lésbica, adormiladas, seguramente después de haber hecho el amor y rodeadas de
una serie de objetos a los cuales se les puede aplicar un cierto simbolismo como
es ese collar de perlas que nos indicaría el pecado o la pasión y esa copa tipo
cáliz que simbolizaría el perdón. </strong></div>
<strong>
</strong><br />
<div style="text-align: justify;">
<strong>La carne, bellísima, se nos muestra como
decíamos al principio casi como la pieza de un bodegón. Una pieza formada por
dos mujeres una rubia algo pelirroja y otra morena que se nos muestran en todo
su esplendor.</strong></div>
<strong>
</strong><br />
<div style="text-align: justify;">
<strong>La mujer morena se desconoce quién era pero la
pelirroja se sabe que corresponde a una bella mujer llamada <i>Joanna
Hiffernan</i>, una irlandesa a la que <i>Courbe</i>t había conocido el verano
anterior durante una estancia de unos meses en la localidad de <i>Trouville</i>.
<i>Joanna</i> era la amante y modelo del pintor <i>James McNeill Whistler</i>,
que también se encontraba trabajando en <i>Trouville</i> en 1865. <i>Joanna</i>
ya había posado para <i>Courbet</i> ese verano quién la retrató en un lienzo con
el nombre de <i>"Jo, la bella irlandesa",</i> cuadro del que haría diversas
variaciones.</strong></div>
<strong>
</strong><br />
<div style="text-align: justify;">
<strong>Aprovechando que <i>Whistler</i> se encontraba
por esas fechas en <i>Valparaiso</i> donde pasaría más de siete meses por
asuntos personales, <i>Joanna</i> marchó a <i>París</i> a posar para
<i>Courbet</i> en <i>"El sueño"</i> convirtiéndose en su amante. Se cree que
posó igualmente para su controvertido cuadro <i>"El origen del mundo"</i>, un
cuadro que muestra un primer plano de un sexo femenino y que sería adquirido
también por el erotómano turco <i>Khalil Bey</i> quién lo mantuvo tapado con un
velo verde hasta que, arruinado por el juego, tuvo que venderlo en 1868 junto
con los del resto de su colección entre los que figuraría <i>"El
sueño"</i>. </strong></div>
<strong>
</strong><br />
<div style="text-align: justify;">
<strong>Este cuadro, también denominado "Las mujeres
dormidas" o "Pereza y lujuria" se puede contemplar en el <i><a href="http://www.petitpalais.paris.fr/"><span style="color: magenta;">Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la
Ville de Paris</span></a>.</i></strong></div>
<strong>
</strong><br />
<div style="text-align: justify;">
<i></i> </div>
<div style="text-align: justify;">
<strong>Maribel Alonso Perez</strong></div>
<div style="text-align: justify;">
<strong>11 marzo 2013</strong></div>
<strong></strong><strong>
</strong><br />
<div style="text-align: justify;">
<strong>Puedes ver algo más de la obra de<i> Gustave
Courbet </i>pulsando <i><a href="http://www.youtube.com/embed/SwWpSejxufg"><span style="color: magenta;">aquí</span></a>.</i></strong></div>
Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-90767698470684620262013-03-10T21:37:00.002+01:002013-03-10T21:37:57.317+01:00Retrato de la Señora Natasha Gelman 1943 - Diego Rivera <span> <span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-e.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-ash4/s720x720/313360_474211142633275_1275887826_n.png" /></span><br />
<br />
<strong>Diego Rivera</strong><br />
<strong>Retrato de la Señora Natasha Gelman </strong><br />
<strong>Año: 1943 </strong><br />
<strong>Técnica: Oleo sobre tela </strong><br />
<strong>Medidas: 115 x 153 cm </strong><br />
<strong>Colección J. y N. Gelman</strong><br />
<br />
<strong>Cuando en <em>Europa</em> las cosas se empezaron a poner mal para los judíos europeos debido a la llegada de <em>Hitler</em> al poder y sobre todo con el comienzo de la <em>II Guerra Mundial</em>, fueron muchos los que emigraron a <em>America</em> para comenzar una nueva vida, entre ellos <em>Natasha Zakólkova</em>, una mujer nacida en 1911 en la <em>República Checa</em> y que llegó a <em>Méjico</em> a principios de la década de los cuarenta.</strong><br />
<br />
<strong>En <em>Méjico</em> conocería unos meses después al ruso, también de origen judío, <em>Jacques Gelman</em>, un productor cinematográfico que había llegado a <em>Méjico</em>
dos años antes con el fin de montar una filial de su empresa parisina
de distribución de películas y con el que acabaría casándose en 1941.</strong><br />
<br />
<strong>Los negocios le marcharon muy bien a <em>Jacques Gelman</em>. Había conocido a través de su trabajo al comediante <em>Mario Moreno</em> <em>"Cantinflas"</em> y después de asociarse con él y con el también productor <em>Santiago Reachi,</em> lanzaron la que sería la primera película de <em>Cantinflas</em>, <em>"Ni sangre ni arena"</em> , una película que tendría un éxito inimaginable de taquilla. Este éxito les movería a fundar la compañía <em>Posa Films</em> de la que nacerían todas las películas interpretadas por "<em>Cantinflas"</em> y que le reportarían enormes ganancias al matrimonio <em>Gelman</em>.</strong><br />
<br />
<strong>El olfato para los negocios que siempre demostró <em>Jacques Gelman</em> le condujo a invertir gran parte de aquellos pingües beneficios en obras de arte. Sus viajes a <em>Nueva York</em> y ciudades de <em>Europa</em>
fueron encaminados a conseguir obra europea a la vez que iban
encargando o comprando a los artistas mejicanos que comenzaban a
destacar o que eran ya artistas reconocidos, como fue el caso de la
obra que hoy vemos, encargada a Diego Rivera y una de las primeras
piezas de la que más adelante llegaría a ser la <em>"Colección privada de Arte Mexicano Moderno y Contemporáneo de Jacques y Natasha Gelman"</em>, considerada como una de las colecciones privadas más importantes del mundo.</strong><br />
<br />
<strong>Cuando <em>Jacques Gelman</em> encarga en 1943 esta obra a <em>Diego Rivera</em>, este es ya un pintor de renombre en todo el mundo y en especial en <em>Méjico</em>.
Sus encontronazos políticos, primero con sus amigos comunistas y
después con los trotskistas, su manifiesto por el arte revolucionario
junto a <em>André Bretón</em>, su gigantesco mural antifascista realizado en <em>San Francisco</em> dos años antes y su reciente nombramiento como profesor del <em>Colegio Nacional</em> de <em>Méjico</em>
le han convertido ya en un personaje afamado y reconocido. Sus ideas
anticapitalistas no le harán desdeñar nunca el dinero de los burgueses y
acepta el encargo pintando a <em>Natasha Gelman</em> en la residencia que el matrimonio poseía en <em>Cuernavaca</em>,
recostada en un sofá azul, vestida con un elegante traje blanco,
adornadas sus manos y muñecas con vistosas joyas y rodeada de
alcatraces o calas semejando ella misma a una gigantesca y bella cala.</strong><br />
<br />
<strong>El
cuadro es bellísimo y se cuenta que el matrimonio quedó enamorado de
este cuadro que se convertiría en la pieza emblemática de la colección.
Después de este retrato, <em>Natasha Gelman</em> sería retratada ese mismo año por la pintora <em>Frida Kahlo, </em>la esposa de Diego Rivera<em>,</em> y más adelante por pintores de la talla de <em>David Alfaro Siqueiros</em>, <em>Ángel Zárraga</em> y <em>Rufino Tamayo</em>, cuadros todos ellos que pasaron a engrosar la llamada colección mejicana.</strong><br />
<br />
<strong>A la muerte de los <em>Gelman</em>, su colección y el destino de los cuadros ha seguido un camino que en la actualidad sigue siendo incierto.</strong><br />
<br />
<strong>La <em>Colección europea</em> fue donada por <em>Natasha</em>, heredera de la colección, al <em>Metropolitan Museum of Art</em> de <em>Nueva York</em>
bajo la condición de permanecer reunida en una sala que enunciase el
nombre de los coleccionistas. Con respecto a la coleccion mejicana se
dispuso en testamento firmado en 1991 que la <em>Colección mejicana</em> quedase en <em>Méjico</em> en algún museo privado nombrando como albacea testamentario a un tal <em>Robert R. Littman</em>. Desaparecida <em>Natasha Gelman</em>
en 1998, fueron apareciendo extraños herederos, entre ellos un hijo de
Cantinflas y unos abogados mafiosos, que llegaron a provocar que la
colección mejicana se encontrase en paradero desconocido a instancias
de <em>Robert Litman</em>. Este último, residente en la actualidad en <em>Nueva York</em>,
llegó a secuestrar la colección indicando que la colección se
encontraba en lugar seguro y a la espera de que se resolviesen estos
litigios.</strong><br />
<br />
<br />
<strong>El anuncio de la exposición de 75 obras de la colección, entre las que se encuentra el <em>"Retrato de la Señora Natasha Gelman"</em>, en el <em>Museum of Ar</em>t en <em>Atlanta</em>, <em>Estados Unidos</em>
desde el 14 de febrero al próximo 14 de mayo de 2013, parece devolver
nuevamente la confianza acerca del paradero y estado de las obras.</strong><br />
<br />
Puedes visitar más obra de Diego Rivera en <em><strong>este</strong></em> vídeo <a forcediv="true" forceinline="true" href="http://www.facebook.com/l.php?u=http%3A%2F%2Fyoutu.be%2FhL9JLugE8s8&h=yAQGhHc_R&s=1" onclick="LinkshimAsyncLink.swap(this, "\/l.php?u=http\u00253A\u00252F\u00252Fyoutu.be\u00252FhL9JLugE8s8&h=yAQGhHc_R&s=1");" onclickstat_1d7ag90="SN_CL_GR" onmouseover="LinkshimAsyncLink.swap(this, "http:\/\/youtu.be\/hL9JLugE8s8");" original_target="http://youtu.be/hl9jluge8s8&h=yaqghhc_r&s=1" rel="nofollow" saprocessedanchor="true" target="_blank" verdict_1d7ag90="OK">http://youtu.be/hL9JLugE8s8</a><div mcballoonconfig="{IsPremium:false,unratedSubmitText:"Enviar para su comprobación",resoureBaseUrl:"sacore:",siteReport:{requestArgs:"pip=false&premium=false&client_uid=55012942&client_ver=3.5.0.229&client_type=IEPlugin&suite=true&aff_id=739&locale=es_ES&ui=1&os_ver=6.1.1.0",siteReportBaseUrl:"http://www.siteadvisor.com/sites/",linkText:"Leer informe del sitio"},balloonSetup:{},CCHeader:"Contenido del sitio:",features:{highlite:false,showIcons:true},upsellInfo:{display:false},uid:"",HeaderText:""}" mclinkinfo="{linkConfig:{filterLink:false,disableLink:false,icon:"green.gif",highlightColor:"#CCFFCC",iconWidth:16,iconHeight:16},hackerSafe:false,phishingblacklisted:false,domain_specifier:"youtu.be",popularity:"VERY_POPULAR",dossierUrl:"https://www.siteadvisor.com/sites/http://youtu.be/hl9jluge8s8%26h%3dyaqghhc_r%26s%3d1/-?pip=false&premium=false&client_uid=55012942&client_ver=3.5.0.229&client_type=IEPlugin&suite=true&aff_id=739&locale=es_ES&ui=1&os_ver=6.1.1.0",balloonConfig:{CCUpsell:"",popFunc:"pocpop",adjustLeft:0,adjustTop:0,adjustZ:0,localescale:"1.3"},base_domain:"youtu.be",recommendation:"Hemos comprobado este sitio y no hemos encontrado ningún problema significativo.",score:"OK",facets:{link:{recommendation:{0:"La mayoría de los vínculos de este sitio corresponden a sitios web seguros o que presentan problemas de seguridad o molestias menores.",1:"Tiene vínculos a sitios 'verdes'"},score:"OK"}},linkTitleEncoded:"&#104&#116&#116&#112&#58&#47&#47&#121&#111&#117&#116&#117&#46&#98&#101&#47&#104&#76&#57&#74&#76&#117&#103&#69&#56&#115&#56&#32"}" style="cursor: pointer; display: inline; float: none; height: 16px; margin-left: 2px; padding: 0px; position: relative; width: 16px;">
<a border="0" href="https://www.siteadvisor.com/sites/http://youtu.be/hl9jluge8s8%26h%3dyaqghhc_r%26s%3d1/-?pip=false&premium=false&client_uid=55012942&client_ver=3.5.0.229&client_type=IEPlugin&suite=true&aff_id=739&locale=es_ES&ui=1&os_ver=6.1.1.0" saprocessedanchor="true" style="display: inline; margin: 0px; padding: 0px; position: relative; width: auto;" target="_blank"><img border="0" onmouseout="shut_ff(event)" onmouseover="pocpop("1d7ag90",event,0);" src="data:image/gif;base64,R0lGODlhEgASAPeCALTttfLy8mHSYNTm1FfPVt3r3CmEJ6jqqRd7FmvWa/T484Pdg93733fad/b69k7MTfPz88DbwDSLMlmgWI/hkEKTQZvGmju0OpzmnIe6hg92DQx0Cvz8/Bp8GPf398jgyCeYJj+RPv///z+4PsXjxWeoZkW3RKnaqmrVak26TITOhGOxYWGuYaDfodjm1z2UPEvISsPdwk+pTszhzO717i6ILZzbnTGJL1+tXnCtb1W4VPn8+YvYi/Dy8KThpHPJc+rz6R2DG2KsYhyKG+v064ncisrgysHewF+jXi6QLUiWRzuxOs3izdP11W/Mb0uwSiqHKRF7Dy6eLWKlYNbl1nO7ch2TG+Xs5TihN3OvcsbexcDcv226bdnn2cPxxfDx8Nrq2pfNlxSAEki2R5PLlFW6VTGSMD+1Pj6rPWWvZTKeMJTfk32/fbLWsjeuNnzAfPz9/DiqN0K1Qo7Xj7/fvxt+GmrOaiKFIE63TdPk02qqaWrGadnp2X7NfsDxwcr1zNT41hmQF////wAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAACH5BAEAAIIALAAAAAASABIAAAj/AAUJHCiwAA2CCAfCsaBkA5Q6CCZoSSgQzA0hJxhobELmxRQHCAd0YAOopMmSaSqAFKjAwJs/MGP+sRHICws9AzPg8MOzpx8VgaoE8qFhgEADLQAoXdonEAkRYQJxySKowJ0DWAPxOPAjEB0OHIBYmSNBUAQzGDAEkhFoT6AjHjzwCaRjTQezSSgEWtFjS6A2ECC4CFSGQhEEVYMsCGQkQIArXwJQCYRnwQInZQUZsJMi0AzHAfIEGtOg9JMcAjNgSWAiEBMIXQLJSUAbRVGWBtAIOBPoQ6AlAoILUFOC4AAEcQhcCHSBgHMCUkKsHDigBogRD7LDcDMEiQKKOyxUDdggJkrEGBQTFiCSPiAAOw==" style="border: 0px currentColor; display: inline; float: none; height: 16px; margin: 0px; position: relative; width: 16px;" /></a></div>
<div>
</div>
<br />
<br />
<strong>Maribel Alonso Perez</strong><br />
<strong> 10 marzo 2913</strong></span>Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-77819396012775332742013-03-10T17:29:00.000+01:002013-03-10T17:29:11.377+01:00Retrato a Manet de Émile Zola -1868 <span>
<br />
<span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-a.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-ash3/544315_474149309306125_1419344179_n.jpg" /></span><br />
<br />
<em><strong></strong></em><br />
<em><strong>Retrato de Émile Zola</strong></em><br />
<em><strong>(Portrait d'Émile Zola)</strong></em> <strong>Édouard Manet</strong>,<br />
<br />
<strong>Técnica: 1868 Óleo sobre lienzo </strong><br />
<strong>• Impresionismo </strong><br />
<strong>Medidas: 146,3 cm × 114 cm </strong><br />
<strong>Museo de Orsay, París, Francia</strong><br />
<br />
<br />
<strong>Emile
Zola, el amigo de juventud de Cézanne, manifiesta muy tempranamente un
obvio interés por la pintura. Se interesa sobre todo a los artistas
rechazados por la crítica oficial. En 1866, escribe sobre Manet en La
Revue du XXe siècle y lo defiende de nuevo al año siguiente, con motivo
de su exposición particular, organizada en margen de la Exposición
universal. Zola considera el artista, discutido por los partidarios de
la tradición, como uno de los maestros del futuro cuya, plaza estará en
el Louvre. En 1867, el artículo fue publicado bajo la forma de un
pequeño folleto, con tapa azul que encontramos aquí, colocado muy en
evidencia encima de la mesa. </strong><br />
<br />
<strong> En
agradecimiento, Manet ofrece al autor realizar su retrato. Las sesiones
de pose están organizadas en el taller de Manet, calle Guyot. El
entorno está formado para esta ocasión con elementos característicos de
la personalidad, los gustos y la profesión de Zola. En el muro,
reconocemos una reproducción de la Olympia de Manet, un cuadro que
generó un violento escándalo en el Salón de 1865, pero que Zola
consideraba como una obra maestra de Manet. Detrás de él, se encuentra
un grabado realizado a partir del Baco de Velázquez que demuestra el
afán común del pintor y del escritor por el arte español. Una estampa
japonesa de Utagawa Kuniaki II que representa un luchador, completa el
conjunto. El Extremo Oriente, que revolucionó el concepto de la
perspectiva y del color, en la pintura occidental, desempeña un
destacado lugar en el éxito de la nueva pintura. Un biombo japonés,
colocado en la izquierda de la composición, recuerda esta importancia. </strong><br />
<br />
<strong>
Zola posa sentado en su mesa de trabajo. Lleva un libro en la mano,
probablemente La Historia de los pintores de Charles Blanc, a menudo
consultado por Manet. Encima del escritorio un tintero y una pluma,
simbolizan la profesión de escritor. </strong><br />
<br />
<strong>Este retrato sella el comienzo de una fiel amistad entre Manet y Zola, ambos en búsqueda de éxito.</strong><br />
<br />
<br />
<strong>Maribel Alonso Perez</strong><br />
<strong> 10 marzo 2013</strong></span>Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2706635652891329858.post-87204386449615104302013-03-09T18:28:00.000+01:002013-03-09T18:28:01.943+01:00Caminante a la puerta de una cabaña 1649 - Isack van Ostade<span>
<br />
<span class="photo "><img alt="" class="photo_img img" src="http://sphotos-d.ak.fbcdn.net/hphotos-ak-ash4/s720x720/417507_473767096011013_808985193_n.jpg" /></span><br />
<br />
<strong>Isack van Ostade </strong><br />
<strong>Título:<em> Caminante a la puerta de una cabaña</em> </strong><br />
<strong>Fecha: 1649 </strong><br />
<strong>Técnica: Óleo sobre tabla. </strong><br />
<strong>Medidas: 48,3 x 39,4 cm </strong><br />
<strong>Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid</strong><br />
<br />
<br />
<br />
<strong>Isack
van Ostade era hermano de Adriaen van Ostade que le llevaba once años y
con el que, según Houbraken, se inició en la pintura, aunque en este
apartado también se han mencionado otros artistas. Su primera obra
fechada, <em>Campesinos en un interior</em>, conservada en la Alte
Pinakothek de Múnich y datada en 1639, refleja la proximidad que Isack
mantenía en esos años con el mundo rural creado por su hermano Adriaen.
Isack está inscrito en el gremio de pintores de Haarlem en 1643, y al
principio de esta década, la última de su vida, introdujo una serie de
modificaciones en su estilo que afectaron a la elección de los temas y
que marcaron la diferencia con la producción de su hermano mayor. </strong><br />
<br />
<strong>Isack
se especializó en escenas en las que combinó perfectamente el paisaje y
la pintura de género con unos personajes y unos episodios que se
desarrollan en el exterior de posadas, tabernas o granjas. En estos
temas se ha visto la influencia que la pintura de Pieter van Laer
ejerció sobre el joven artista. Isack también incluyó en su repertorio
paisajes de invierno, donde sus figuras se entretienen en deportes y
juegos propios de la estación o simplemente continúan haciendo su vida
normal bajo las grandes heladas. En sus óleos se descubre un virtuosismo
mayor que en las pinturas de Adriaen, pues pone una mayor atención en
la descripción de sus personajes y en particular en todos los detalles,
entre los que resultan significativos por el tratamiento que reciben las
hojas y ramas de los árboles.</strong><br />
<br />
<strong><em>Caminante a la puerta de una cabaña</em>,
fechado en el mismo año de su muerte, es un buen ejemplo de otro de los
motivos que Isack trató a lo largo de su corta pero productiva carrera:
viajeros descansando a la entrada de alquerías o granjas. En esta
escena con formato vertical encontramos a un viajero o a un trabajador
temporal, como se ha reseñado por su indumentaria y por los objetos que
porta, zurrón y mochila de lana a su espalda, a la entrada de una
humilde casa. Van Ostade utiliza el frente de la fachada de esta pobre
construcción como telón para colocar a su viajero y a los tres miembros
de una familia campesina. El trabajador temporal de pie, apoyado en una
vara, habla y mira a la mujer sentada en el suelo que ha dejado los
instrumentos de labor a un lado. Su hijo, que ha dejado su sombrero en
el suelo, recibe al visitante ocultando su rostro sobre las rodillas de
su madre, a la que coge de la mano. </strong><br />
<br />
<strong>El
padre, mientras tanto, en el interior de la casa, ha decidido asomarse
por la puerta para mirar al forastero, cuya conversación escucha con
atención. La calidad de la pincelada y el toque, cargado de
sensibilidad, se aprecian en la manera en la que se han reproducido
todos los pormenores de la composición: la paja del tejado, las hojas de
los árboles y de los arbustos o las ropas de las figuras. También se ha
llamado la atención sobre los zapatos de este visitante, que tal vez
esté pidiendo trabajo o recabando información sobre dónde puede
encontrarlo, gastados y sucios por el camino y con briznas y pequeñas
hierbas que delatan su transitar por senderos y caminos. La escena que
recibe la iluminación de la izquierda está impregnada por una tonalidad
cálida, fruto en parte de la gama terrosa utilizada que se rompe con los
azules, blancos y rojos de las ropas de los protagonistas. Esta
tonalidad, así como los suaves perfiles que van dibujando las formas
crean una atmósfera típica en la pintura de Isack van Ostade.</strong><br />
<br />
<br />
<strong>Maribel Alonso Perez</strong><br />
<strong> 09 marzo 2013</strong></span>Maribelhttp://www.blogger.com/profile/12714438946134773735noreply@blogger.com0