Dos Desnudos en la Selva 1939 Frida Kahlo

La tierra misma (dos desnudos en la selva) por Frida Kahlo

Dos desnudos en la Selva. 1939

La tierra propia (dos desnudos en la selva) por Frida Kahlo expresa las tensiones raciales y sexuales que ella experimentó como una mujer mexicana bisexual.

La Tierra Misma (Dos Desnudos En La Jungla) (La tierra misma - dos desnudos en la selva) (1939, óleo sobre metal) fue pintada por Frida Kahlo como un regalo para su amiga Dolores del río. La pintura muestra a una mujer India desnuda sosteniendo la cabeza desnuda reclinada mestiza de una mujer en su regazo en el borde de una densa selva llena de enormes hojas, dos de ellos ocupando la frontera entre este frondoso jardín y una tierra estéril, vacía. Se sientan en el borde de una grieta en la tierra, en el que crecen las raíces de las plantas prolíficas detrás de ellos. Esta fisura aparece ominosa en la cercanía de estas figuras desnudas, símbolo de la pérdida, la fractura y la amenaza.

Las dos figuras en la pintura aparecen suave pero no feliz, desnuda pero de alguna manera aún ocultos, sus caras, como Kahlo propio en todas sus autorretratos, traicionando a poco de las emociones se mueven dentro de ellos. Un mono araña negro (segun Hayden Herrera, un símbolo de la lujuria), pares con brillantes ojos oscuros desde dentro de las densas hojas. En la parte superior izquierda de la pintura, vides twist y crecen alrededor de uno a otro en caóticas nudos, creando una sensación de interrelación de densidad y confusión.

Esta pintura, como muchos de enigmáticas obras de Kahlo presta a múltiples y análisis incluso contradictorios. Claramente, hay un elemento de comunicación íntima entre estas mujeres, pero si esa interacción es emocional, sexual, psicológica o incluso políticos se vuelve menos claro como un estudios las sutilezas de la composición. Muy posiblemente Kahlo destinado este trabajo para ser leído en varios niveles.

Raza y bisexualidad

La mayoría de los historiadores interpretan esta pintura como una expresión de la naturaleza bisexual de Kahlo. Mientras que ciertamente exacto, se trata de un análisis muy superficial de un trabajo de varios niveles. Además de los matices de lesbianismo en la imagen de dos mujeres desnudas, existen problemas raciales por el hecho de que una de las mujeres es indio y el otro al parecer mestiza. Habida cuenta de su propia herencia racial y su existencia en México, un país en el que la oscuridad de su piel tiene mucho que ver con tu destino, Kahlo habría sido consciente de la importación racial de la imagen y han destinado esta diferencia de tono entre las dos mujeres para significar algo. Se puede leer, como en Las dos Fridas, como una evocación de los dos lados de la misma, o en un nivel más político, como una imagen de armonía racial dentro de la población mexicana.

Sin embargo, complicando aún más la cuestión es el pañuelo rojo que es cubierta en cabeza de la mujer indígena, sangre goteando desde la esquina que cuelga en la grieta antes que ella. Un histórico referencia al tratamiento sangrienta colombiana de los pueblos indígenas de México, tal vez, o igualmente probable, dada la naturaleza de otras obras de Kahlo, una referencia personal a su propio sufrimiento y sangrado. Una vez más nos enfrentamos con la dualidad de proceso de pensamiento de Kahlo: es concebible y incluso probable que ella tenía la intención de la imagen para significar tanto de estas cosas simultáneamente. Una mujer mexicana, sobre todo una mujer de temperamento de Kahlo con una madre India, habría sido poco distinción entre los sufrimientos históricos de la población indígena y sus propias tribulaciones.

Sacrificio y masoquismo

Inmediatamente más allá de la figura de India sentada, el verdor próspero (pintado en el estilo delineado, bañada por el gigante que hace familiaridad de Kahlo evidente con la obra de Henri Rousseau), da paso a una tierra plana y estéril bajo un cielo tormentoso. El contraste entre la selva a la izquierda y la aridez del derecho expresa la fascinación de Kahlo con dualidades y opuestos. La estructura compositiva (opuestos separados por una figura femenina) es una reminiscencia del Autorretrato en la frontera entre México y Estados Unidos (1932, óleo sobre metal), en el que cuerpo de Kahlo separa las antiguas tradiciones de México de la tierra baldía industrial de los Estados Unidos. La figura del India puede proteger la selva verde y la otra mujer de esta aridez. Su papel de sacrificio, destacada por su sangre coloreado y sangrado chal, le identifica como un autorretrato de masoquista, sufriendo los aspectos de la personalidad de Kahlo. También es un reflejo de la aridez literal de Kahlo, su incapacidad para tener hijos, el rebozo sangriento representando tanto sufrimiento y el ciclo menstrual femenino.

La final y quizá más importante, nivel de dualidad alcanzada por esta pintura se encuentra en su capacidad para hacer la experiencia de una mujer mexicana de principios del siglo XX accesible y movimiento a una audiencia multicultural del siglo XXI.

Maribel Alonso Perez

28 septimebre 2011