NOCHE: ESCENA DE LA COSTA MEDITRRÁNEA CON PESCADORES Y BARCAS 1753, CLAUDE-JOSEPH VERNET

Noche: escena de la costa mediterránea con pescadores y barcas 1753
Óleo sobre lienzo, 96,5 x 134,6 cm
Colección Carmen Thyssen-Bornemisza

Noche: escena de la costa mediterránea con pescadores y barcas es un cuadro de marinas muy característico de Vernet: en una costa rocosa, los pescadores descansan tras una jornada de trabajo, cocinando una sopa en una hoguera improvisada, charlando con unas mujeres y fumando en pipa. A la derecha, un grupo de hombres pescan de noche a la luz de un fuego. Una torre fortificada muy alta evoca los tiempos medievales. En el horizonte nebuloso se vislumbra un gran puerto, mientras que un barco con todas sus velas desplegadas se dirige a mar abierto, más allá del promontorio rocoso de la izquierda.

Esta escena de actividad marítima, típica de Vernet, no describe un lugar real, sino que evoca la costa mediterránea de Italia, por ejemplo, al sur de Nápoles. La oscuridad aterciopelada de la noche está animada por tres fuentes de luz: la cálida luz de la fogata en tierra firme, la antorcha llameante en la embarcación de pesca y la luz fría de la luna llena, que captan las nubes y las ondulaciones en el agua. Vernet era muy admirado en su época, sobre todo por el destacado crítico francés Denis Diderot en sus reseñas del Salon de la década de 1760, por su capacidad para reconciliar estos efectos de contrastes de luz.

Aunque casi con toda seguridad fue pintado en Francia justo después de que Vernet abandonara Italia para siempre, la pintura que nos ocupa está realizada con un estilo libre y atrevido, especialmente en el cielo iluminado por la luz de la luna, que es típico de Vernet; al estilo italiano.

Se puede observar varcos anclados en el puerto, con pescadores recogiendo las redes en primer plano, un faro a lo lejos; efectos de mañana y noche». Se puede decir con seguridad que la descripción de Sotheby’s de las dos obras, aunque sigue siendo confusa, era la más exacta: «Tarde con pescadores recogiendo las redes» fue vendido rápidamente al Toledo Museum of Art en 1951. Podemos imaginar que una oscura escena de atardecer, tal vez sin retocar desde el siglo XVIII, podría haber parecido un «efecto de luz de luna»

Maribel Alonso Perez
18 octubre 2011

William Merritt Chase 1849- 1916 Nueva York

Nació en el seno de una familia de marchantes locales. Su padre se trasladó a Indianápolis en 1861 y lo contrató como vendedor en el negocio familiar. Mostró una gran interés por el arte ya de pequeño y estudió con los artistas autodidactas Barton S. Hays y Jacob Cox.
Tras una breve estancia en la marina, sus profesores lo instaron a que viajara a Nueva York para continuar su formación. Llegó allí en 1869 y estudió primero durante poco tiempo con Joseph Oriel Eaton y más tarde ingresó en la National Academy of Design con Lemuel Wilmarth, pupilo del famoso artista francés Jean-Léon Gérôme.

Cuando mermó la fortuna familiar en 1870, Chase dejó Nueva York por St. Louis, Missouri, donde se había establecido su familia. En este período, fue granjeándose cierto prestigio en la comunidad artística local mientras ayudaba a su familia. Ganó varios premios en una exposición de Saint Louis. Expuso su primera pintura en la National Academy en 1871. Además su talento sedujo a muchos coleccionistas adinerados de St. Louis que le sufragaron un viaje de dos años a Europa a cambio de sus pinturas y su colaboración para preservar sus inversiones en sus colecciones europeas.

En Europa, asistió a la Academia de Bellas Artes de Múnich, lugar que elegían muchos jóvenes artistas norteamericanos de la época. Estudió con Alexander von Wagner y Karl von Piloty, y se hizo amigo de los artistas americanos Walter Shirlaw y Frank Duveneck.
Chase viajó a Venecia en 1877 con Duveneck y John Henry Twachtman antes de regresar a los Estados Unidos en el verano de 1878. Ya en Estados Unidos, expuso su Ready for the Ride (collection of the Union League Club) con la recién formada Society of American Artists en 1878. También abrió un taller en Nueva York en un edificio de la calle décima. Fue miembro de los Tilers, un grupo de artistas y actores entre los que se encontraban amigos suyos como Winslow Homer, Arthur Quartley o Augustus Saint Gaudens.

Padre, artista, maestro
Se casó con Alice Gerson en 1886 con quien tuvo ocho hijos durante su apogeo artístico.
En Nueva York, Chase se hizo conocido por la excentricidad de su ropa y sus maneras. En la calle décima, se había mudado al antiguo taller de Albert Bierstadt y lo había decorado como si fuese una extensión de su propio arte, lo llenó de lujosos muebles, objetos decorativos, aves disecadas, alfombras orientales e instrumentos musicales exóticos. El estudio servía de punto de encuentro de la alta sociedad neoyorquina de finales del siglo XIX, pero su mantenimiento era muy costoso y se lo desahuciaron junto con sus otras residencias en 1895.

Además de pintor, le interesaba mucho la docencia y abrió la Shinnecock Hills Summer School al oeste de Long Island, Nueva York en 1891, donde ejerció de profesor hasta 1902 y gustaba de enseñar en exteriores. También abrió la Chase School of Art en 1896, que se convirtió en la New York School of Art dos años más tarde y donde fue profesor hasta 1907.

También enseñó en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania de 1896 a 1909; la Art Students League de 1878 a 1896 y de 1907 a 1911 y en la Asociación de Arte de Brooklyn en 1887 y de 1891 a 1896. Junto con Robert Henri, que se convirtió en uno de sus profesores rivales, Chase fue uno de los más importantes profesores de arte estadounidenses del cambio de siglo. Fue muy influyente en pintores de la costa este de EEUU, amén de en pintores de California como Arthur Frank Mathews, Xavier Martínez o Percy Gray.

Retrato
Trabajó muchos materiales: óleos, acuarelas, pastel, grabados. Y sobre todo se le conoce por sus retratos, que incluyen a personajes influyentes de sus época y a su famila.

Paisaje
Empezó a pintarlos a fines de los años 1880. Este interés probablemente le surgiera tras una exposición de los impresionistas franceses del marchante francés Durand-Ruel en 1886.
Tiene dos series importantes, ambas de estilo impresionista: Prospect Park, Brooklyn-Central Park y Shinnecock, ésta última se toma como ejemplo del impresionismo norteamericano. Solía dibujar gente en estos paisajes mientras se relajaba en los bancos del parque o en la playa o en el césped.

Naturaleza muerta
Comenzó con esta técnica como estudiante y realizó varios cuadros de sus adornos en sus casas o talleres.

Honores y últimos años
Recibió varios galardones tanto en EE. UU., como fuera y fue miembro de la National Academy of Design y en Nueva York de 1885 a 1895 fue presidente de la Society of American Artists. Fue miembro de los Ten American Painters tras la muerte de John Henry Twachtman.
Su creatividad decayó en los últimos años, pero siguió pintando hasta finales de los años 1910. Uno de sus últimos seminarios fue en Carmel, California en el verano de 1914. Murió en su casa familiar de Nueva York en 1916. Hoy sus obras se exponen e muchos museos de Estados Unidos.


Maribel Alonso Perez
16 octubre 2011

Lin Fei 1964 Nanjinin ( China )

Liu Fei nació en 1964 en Nanjing,
Pinturas se recrean en mujeres calvas y  jóvenes. Mujeres con una sonrisa oerfecta,  con gestos rebeldes y expresiones faciales exageradas. Bocas sonrientes nos asaltan  desde una paleta en blanco y negro, por lo que parece poner en ridículo al país de las virtudes tradicionales de las mujeres como la pureza, la delicadeza y la gracia.

Liu Fei nace en 1964 en Nanjing, provincia de Jiangsu.China, ciudad donde también se graduaría en la Nanjing Fine Arts Academy en 1964. Si durante la New Wave de mediados de los 80 la tendencia de los artistas chinos masculinos era llevar el pelo largo, a mediados de los 90 la mayoría de ellos pusieron de moda raparse la cabeza como símbolo de rebeldía e individualismo, ejemplo que fue seguido por las mujeres también. Sin duda la imagen de esas cabezas rapadas en una mujer no deja para nada indiferente.

Liu Fei pinta a todas sus mujeres calvas y vestidas a la moda de los años veinte, una idea que emana de la rebelión y la liberación en los últimos 100 años. La expresión y el gesto exagerado de sus modelos reflejan insolencia, coqueteo e indiferencia, lo contrario que las virtudes tradicionales de las damas chinas; inocentes, tiernas y elegantes. De la misma forma los labios color rojo oscuro yuxtaponiéndose con el blanco y negro del fondo de la creación contrasta sobremanera con la tradicional sonrisa delicada de la mujer china.

Maribel Alonso Perez
16 octubre 2011

Li Yongwen 1955 Pintor Chino

Li Yongwen Nació en  1955 y es un nativo de Tianjin.
Fue galardonado con una maestría en Literatura.
Es miembro de la Asociación de Artistas Chinos,  y 
profesor de Tianjin Academia de Bellas Artes.


Li se especializa en la pincelada fina china,
especialmente en las figuras y los paisajes del
noroeste de las regiones de China. Su estilo de
pintura es natural, realista, exquisito y con gran
detalle, al mismo tiempo que es valiente, poderoso
y excelente, tanto en apariencia y el espíritu.

Sus pinturas poseen una belleza singular por la
combinación de las técnicas chinas  y
Arte occidental, haciendo hincapié en la cultura
tradicional china.

Maribel Alonso Perez
15 0ctubre 2011

Qi Baishi (1863-1957), Pintor Chino ,el tercer Artista mejor del Mundo

Autorretrato de Qi Baishi
Qi Baishi (1864-1957), conocido también como Ch’i Pai-shih en Occidente, es probablemente el pintor chino contemporáneo más conocido, por su estilo caprichoso y en ocasiones divertido y por sus acuarelas.

Qi nació en una familia con pocos recursos de Xiangtan, en la provincia de Hunan, y vivió con sus padres y abuelos, así como con sus ocho hermanos y hermanas menores. Debido a una enfermedad, sólo pudo asistir a la escuela durante menos de un año. Muchas familias pobres de la época ponían a sus hijos a trabajar en la granja con ellos, pero Baishi era demasiado débil para hacer tales esfuerzos. Por ello, a los 14 años, se convirtió en carpintero.

Más tarde, se toparía con el libro ‘Dibujando en el jardín de las semillas de mostaza’, conocido también como ‘Jieziyuan Huapu’, un manual de pintura china compliado a principios de la dinastía Qing. Este libro despertó el interés de Qi por la pintura y el arte. Mäs tarde, lo aprendería de forma autodidacta.

Mariposa

Cuando Qi rondaba los 20 años, comenzaron a ser necesarios muchos artistas para pintar retratos de familia. Comenzó a trabajar en ello como pintor profesional. Así, comenzó a aprender de otros pintores y a leer sobre pintura.

Entre 1902 y 1909, invitado por unos amigos, viajó por toda China, visitando lugares famosos, conociendo a gente de diferentes orígenes sociales y contemplando con sus propios ojos las obras de grandes artistas. Esta experiencia amplió sus horizontes considerablemente.

En 1953, Qi Baishi fue elegido para el presidente de la Asociación de Artistas de China. Murió en Beijing en 1957.

Pajaros

El artista chino Qi Baishi (1863-1957), caracterizado por lo humilde y antiheroico de su temática, se ha convertido en un nuevo fenómeno del mercado del arte al ser el tercero por valor de las ventas de sus obras en subastas, después de Picasso y Andy Warhol.

Así lo indica un informe de la organización Art Price, que adelanta el diario The Times, según el cual, si el valor conjunto de las obras subastadas de Warhol y Picasso totalizó más de 220 millones de dólares el año pasado 163,3 millones de euros), sólo las de Qi llegaron a 70 millones (52 millones).

Qi es un artista muy conocido en China, sobre todo por sus imágenes de animales: ratones, aves y en especial gambas, que pintó una y otra vez con modestia hacia el final de su vida cuando otros artistas chinos se dedicaban a crear imágenes grandilocuentes.

Gambas

Las obras de Qi figuran actualmente en cualquier colección china que se precie y su obra no ha dejado de revalorizarse en los veinte últimos años. El año pasado vendió un 73 por ciento más de obras que en 2008, gracias sobre todo a una venta en noviembre en la que una serie de dibujos suyos titulada "Flores e Insectos" cambió de manos por el equivalente de cerca de 12,4 millones de dólares.

El récord para una obra de Qi en Occidente corresponde a su cuadro "Melocotones y petardos", pintado en 1952, que se vendió en 1952 en Sotheby's, de Nueva York, por un millón 300 mil dólares, aunque algunas casas de subastas chinas afirman haber vendido obras suyas por más dinero.Picasso elogió en su día a Qi, a quien calificó como el "más importante pintor oriental", y en cierta ocasión dijo que no se atrevía a viajar a China por miedo a encontrarse con él.

Qi nació en el seno de una familia campesina de la provincia de Hunan, en China Central, y desde niño se aficionó a la pintura. Con catorce años se convirtió en aprendiz de tallista y más tarde dominó las artes de la poesía, la caligrafía.

Maribel Alonso Perez

15 octubre 2011

El Fumador de Pipa 1890 Obra de Paul Cézanne

 Fecha: 1890-92
 Museo: Museo del Hermitage
 Características: 91 x 72 cm.
 Material: Oleo sobre lienzo
 Estilo: Neo-Impresionismo

La gran enseñanza de Cézanne consistió en el cambio de concepto fr la relación artista-motivo. El fin de su fatigoso "aprendizaje" fue el de suprimir individualidad del artista para expresar la verdad de la obra y la razón de las cosas. Él se transformaba en una especie de registrador de las propias sensaciones visivas y de los atributos ensenciales del motivo. La única verdad que cuenta es la expresada por la obra. Pues ello los rsotros de Cézanne son inexpresivos, como sus naturalezas muertas.

A la ahora de realizar sus retratos, Cézanne se manifiesta como un pintor tremendamente convencional, mostrando en sus obras una significativa rigidez aumentada por la expresiones pensativas y ausentes de los rostros de sus modelos. Esto lo podemos apreciar en uno de sus retratos más famosos, el Fumador de pipa, obra de la que hizo dos versiones que hoy se conservan en Moscú y Mannheim.

El modelo se presenta sentado, con la cabeza apoyada sobre un brazo acodado en una mesa -posiblemente para soportar mejor las prolongadas sesiones a las que sometía el maestro a sus modelos- con la mirada ausente y manifestando cierto aire melancólico. En el fondo apreciamos parte de un cuadro de bañistas -de la misma manera que hacían Degas y Gauguin en sus trabajos al colocar referencias a su obra- y un bodegón sobre la mesa que parece también ser un lienzo, como observamos en la doblada esquina superior de la tela.

Cézanne emplea una variada gama cromática que va desde el azul al amarillo, pasando por el violeta, el verde o el marrón, utilizando la camisa del campesino como botón de muestra de esa variedad. Entre estos vivos colores encontramos el blanco de la pipa, cuyo contorno azulado enlaza con el sintetismo de Gauguin. Las pinceladas con las que ha sido aplicado el color son cada vez más autónomas, tendiendo a las facetas que serán características del cubismo.


Maribel Alonso Perez
13 octubre 2011

Calle de París en un día de lluvia 1877 Gustave CAILLEBOTTE

“Calle de París en un día de lluvia”, 1877

                                                       Gustave CAILLEBOTTE
                                                       212 x 276 cm
                                                       Art Institute of Chicago

El pintor francés, más conocido por mecenas de los artistas impresionistas, que como pintor de ésta corriente; representa un tema realista del París del siglo XIX.  Caillebotte nunca vendió ningún cuadro de los que pintó, debido a que no lo necesitaba, ya que era un hombre adinerado. Sus cuadros son conocidos tras su temprana muerte, y la venta de los mismos por parte de su familia desde 1950. Así, la obra que expondremos a continuación fue adquirida en 1964, por el Art Institute of Chicago. Siendo una pintura de 212 x 276 cm, que muestra un paisaje urbano; una encrucijada de calles de la capital francesa, en una tarde de invierno; en la cual podemos comprobar las anchas avenidas, las grandes perspectivas, uniformidad en las fachadas de las viviendas… es el paisaje urbano del siglo XXI, pero establecido en época del artista, es decir, el París de cuando era nuevo y moderno.

El título de la pintura atiende únicamente a una calle, en París, pero se observan varias. De hecho son reales, es decir, la acción del cuadro se desarrolla de manera real, en un lugar determinado de París, comprobable como verán mas adelante en la imagen actual. Son varias las calles que confluyen en un punto, lo que sería la Plaza de Dublín. Caillebotte conocía esta nueva zona, en su época, ya que estas vías se trazaron cuando el artista era joven, en una colina poco urbanizada, que se disponía hasta los límites de París, en una zona en la que principalmente vivía la alta burguesía parisina. Como sabrán, esta ampliación y urbanización de París, fue obra del Barón Georges Eugène Haussmann, por orden de Napoleón III, ya que debido a la arquitectura medieval de ésta zona, se habían generado enfermedades que habrían diezmado a la población parisina de la época. Se busca un resurgimiento en la zona, que se ve habitada por la alta sociedad; debido a que se generan calles amplias en las que habría edificios monumentales en fachada y en interior.

                                         

Esto sería lo que refleja la pintura de Caillebotte, esa encrucijada de varias calles amplias (bulevares), y la monumentalidad de la arquitectura de la época. Se conoce, según la familia de Caillebotte, que el pintor realizó los primeros esbozos para este cuadro desde un ómnibus, un medio de trasporte de grandes dimensiones tirado por caballos. Ésta disposición hace que Caillebotte eligiera un ángulo visual que le permitió realizar una pintura casi geométrica.

En el centro de la imagen se dispone una farola de gas de hierro, que se desarrolla hacia el suelo mojado por la lluvia con su sombra, éste elemento refleja la fabricación industrial, así como la concepción urbana que Haussmann había realizado. Así mismo, ésta farola es un elemento distribuidor del espacio para generar las escenas. Horizontalmente, existe una línea ficticia, que sería la que uniera todas las cabezas de los personajes que están dispuestos en la parte más posterior del cuadro, creándose una composición simétrica en ángulo.

Sin embargo, ésta disposición, se contrarresta de varias formas, como la acentuación de la perspectiva disponiéndose unos viandantes más pequeños, así los arcos generados por los paraguas contrastan con el juego de líneas rectas dispuestos por los edificios y los personajes. La imagen se asemeja a una fotografía, ya que capta una instantánea de la vida cotidiana parisina, visible en el transeúnte de la derecha, de espaldas al espectador, aparece cortado su figura, como si de una fotografía se tratara, y no de una pintura concebida con minuciosidad.



La pintura muestra la realidad de los habitantes de París, pero no muestra el París alegre y social como en otras obras de ésta época y estilo; sino todo lo contrario. Los personajes que aparecen en la obra van solos y no posan, sino que discurren por las avenidas de manera rápida y cautelosa; protegiéndose de la lluvia y de los otros transeúntes.

Realizado en colores oscuros, predominio de los tonos grisáceos, marrones, negruzcos,… debido a que se establece la relación en un día de lluvia; destaca un punto de luminosidad. El único punto de éste cuadro, será la perla que adorna el lóbulo izquierdo de la dama que aparece a nuestra derecha. Brillando más que la camisa blanca de su acompañante. El tratamiento de estos personajes es de lo más natural, los dispone caminando hacia el espectador, para hacernos entrar en el cuadro mediante la perspectiva y la situación cercana a los personajes.  Además, el detallismo de éstos personajes es bastante notable, ya que el resto de figuras tienen rostros difuminados por la perspectiva; por lo que podemos pensar que ambos rostros fueran retratos, aunque se desconoce de quien podría ser.

Como buen hombre de su momento y de su movimiento artístico, Gustave Caillebotte, introduce un elemento transgresor, que para nosotros es algo sencillo en nuestra vida cotidiana: el paraguas. Éste instrumento es inventado en Reino Unido apenas tres años antes de la concreción de la pintura, en Sheffield por Samuel Fox; por ello Caillebotte, que aspiraba a ser tan moderno como los demás compañeros de su estilo, elimina muchos elementos del pasado y presenta las novedades para el futuro.

Otro detalle que no podemos dejar escapar es el relacionado con los personajes; los principales, dispuestos en primer plano, miran hacia su derecha sin que nosotros sepamos a qué o a quien. Incluso visualizando el resto de personajes, destaca que nadie mira a los demás; es decir, no hay una interrelación de personajes, son individualistas. Los personajes caminan por París pensando en sus quehaceres y caminando rápido para evitar mojarse por la lluvia.

La pintura, denominada con varios nombres como Calle de París, día lluvioso es también denominada como La plaza de Europa, en tiempo lluvioso. Esta pintura es única entre las obras de Caillebotte, debido al uso de colores planos y un efecto realista, dotando de unas nuevas características a la pintura, asimilándolo al pintor estadounidense de estilo realista Edward Hopper.

Maribel Alonso Perez
12 octubre 2011
http://youtu.be/8AvrgyUYYMo