James Clarke Waite (1832 – 1920) Pintor Ingles

James Clarke Waite (1832-1920), artista, nació en el Whitehaven, Cumberland, Inglaterra, hijo de John Waite, profesor, y su esposa Isabel, nacida Clarke. Estudió en la Escuela de Gobierno de diseño, Newcastle upon Tyne, el Instituto de Escocia, Edimburgo, la Royal Academy School de Londres, y durante un año en París. Se formó como instructor de arte en South Kensington, se convirtió en un maestro certificado, y en la década de 1860 enseñó en su antigua escuela en Newcastle.

Se exhibió por primera vez en la Royal Academy en 1863. Después de ser bien conocido en el norte de Inglaterra como un pintor de género, se estableció en Londres en 1869-85, mostrando durante el período de 25 obras en la Real Academia, y 117 en la calle Sussex. Fue elegido miembro de la Real Sociedad de Artistas Británicos en 1873.

Trabajo de Waite se muestra por primera vez en Australia con cuatro cuadros en la Exposición Internacional de Sydney, 1879-1880. Llegó en 1886 en Melbourne, que tuvo lugar su primera exposición, de treinta obras, en noviembre y se convirtió en un pintor de retratos líder. Entre sus primeros encargos fueron los retratos del arquitecto Joseph Reed, Sir William Clarke y Lang Mateo. Su retrato de Alfred Felton cuelga en la Galería Nacional de Victoria.

Waite era un miembro temprano de los artistas australianos y se unió a la Asociación de Artistas victoriana "La sociedad en su creación en 1888, siendo elegido para el consejo de un año en 1894. Que expone con regularidad en la Sociedad de Artistas victoriana y estuvo representada tanto en las galerías británicas y australianas en la Exposición Internacional del Centenario de Melbourne de 1888. Después de George Folingsby muerte 's en 1891, solicitó, sin éxito, para el cargo de director de arte de la Galería Nacional de Victoria.

Trabajo de Waite se caracterizó por un gran detalle y acabado, que era bien conocido por su habilidad para hacer que los animales domésticos. Sus pinturas altos precios en los años 1880 y 1890 cuando era conocido por su trabajo de conciencia y un estilo tranquilo ", por lo menos un crítico, en 1891, considerado como el retrato de Lang que ha sido uno de los mejores pintado en Melbourne en ese momento . Waite realizó varios viajes a Tasmania y tenía un afecto especial por el distrito de Hornos, de Victoria.

En su última exposición, que se celebró en la Galería Ateneo, Melbourne, se señaló que había tenido más éxito en sus pinturas en Inglaterra que en sus representaciones de la vida australiana y paisajes. El 8 de agosto de 1920, 88 años de edad, mientras que permanece junto a su hermana-en-ley en Woollahra, Sidney, Waite murió de bronquitis y fue enterrado en la sección Anglicana de Waverley cementerio. No estaba casado. La Galería Nacional de Victoria, Bendigo Art Gallery, Footscray Historical Society y Manly Art Gallery, Nueva Gales del Sur, tienen ejemplos de su trabajo.

Maribel Alonso Perez

29 octubre 2011

Retrato de Madame Charpentier h. 1876 -1877 Pierre-Auguste Renoir

Retrato de Madame Charpentier
Óleo sobre lienzo 46,5 cm × 38 cm
Impresionismo
Museo de Orsay, París  (Francia)

El retrato de Madame Charpentier es uno de los cuadros
más conocidos del pintor francés Pierre-Auguste Renoir.
Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 46,5 cm de alto
y 38 cm de ancho. Fue pintado entre 1876 y 1877. Estuvo
en el Museo del Jeu de Paume y, actualmente, se encuentra
en el Museo de Orsay, de París, Francia.

Este retrato está realizado aún con técnica impresionista.
Es un lienzo preparatorio o esbozo de otro mayor, Madame
Charpentier y sus hijos (Museo Metropolitano de Nueva York).
En este caso, la retratada es una mancha blanca contra un
fondo oscuro, en el que parece vislumbrarse un cortinaje
floreado.

Ella se vuelve hacia su izquierda, como si atendiera a la
conversación de alguien situado a ese lado. La protagonista
era la esposa de Georges Charpentier, famoso editor de
música, en cuyos salones se celebraban reuniones de políticos
intelectuales y artistas.

Maribel Alonso Perez
27 octubre 2011

Mujer con cafetera, entre 1890 y 1895 Paul Cézanne

Mujer con Cafetera, hacia 1890-1895
Oleo sobre lienzo 130´5 x 96´5
Postimpresionismo
Museo de Orsay Paris


Es un cuadro producido en la década de 1890, época de madurez del pintor.
Como en su obra Los jugadores de naipes, también aquí el personaje está
fuertemente anclado en su decorado. En este caso se trata de la gobernanta
del pintor, que se encuentra en un interior doméstico. La retrata sentada
sobre un punto de apoyo que no se ve, vestida de azul y con una expresión severa.


Sobre el fondo hay una puerta de madera, mientras que a su izquierda se ve
una mesa con una cafetera y una taza con cucharilla, una auténtica naturaleza
muerta por sí misma. En el borde izquierdo de la tela, hay unas rosas adornándola.


No pretende Cézanne una reproducción exacta, fotográfica, del modelo. Buscaba
el pintor experimentar las leyes de su pintura, construir la verdad con sus propios
medios artísticos. Para caracterizar al personaje retratado le basta la actitud
equilibrada y la fisonomía simplificada de la mujer. La persona produce así la
misma impresión que el bodegón sobre la mesa.

Maribel Alonso Perez
27 octubre 2011

El almuerzo 1868 Édouard Manet

Óleo sobre lienzo 118 cm × 154 cm
Impresionismo . Neue Pinakothek


El almuerzo (en francés, Le Déjeuner dans l'atelier) es un cuadro del pintor francés Édouard Manet. Data de 1868. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 118 centímetros de alto y 154 cm de ancho. Actualmente se conserva en la Neue Pinakothek de Múnich (Alemania).

Este cuadro fue presentado en el Salón de París de 1869. El pintor incluyó a Léon Koelin-Leenhoff (1852 - 1927), que se supone era hijo de Manet y Suzanne Leenhoff. Están igualmente identificados los otros dos personajes. El que está sentado a la derecha es Auguste Rosselin, un compañero de estudios de Manet en los talleres de Gleyre y Couture, mientras que la mujer a la izquierda es una criada, y no Madame Manet.
La tela se realizó al apartamento familiar de Boulogne-sur-Mer, donde los Manet pasaban el verano. El cuadro resume perfectamente la obra de Manet en lo que tiene a veces de raro o de absurdo gracias a una reunión de elementos completamente heteróclitos: tres personajes indiferentes los unos a los otros sin relacionarse , una comida mezclando ostras y café, las armas y accesorios de combate, sin olvidar por supuesto la presencia inevitable del gato negro, que, desde Olympia, simboliza a Manet a los ojos de los críticos.
Muchos de estos elementos son propios de la naturaleza muerta al modo de un bodegón holandés del siglo XVII.

Maribel Alonso Perez
27 octubre 2011

El Ángelus 1857-1859 Jean F. Millet

El Ángelus 1857-1859

Óleo sobre lienzo • Realismo 66 cm × 55,5 cm


Museo de Orsay, París,  Francia


El Ángelus es un cuadro del pintor realista francés Jean F. Millet. Data del período 1857-1859 y se trata de un óleo sobre lienzo que mide 66 cm. de alto por 55,5 cm. de ancho. Se conserva en el Museo de Orsay de París, Francia.

Millet representa aquí una escena campestre, que es la que dominará en principio su obra. Esta posición atraerá la atención de la burguesía, ya que el mundo rural simbolizaba «lo bueno» en contraposición de la postura reaccionaria del sector obrero. En la pintura en tela, se observa una clara inclinación por motivos vinculados con la naturaleza y el paisaje, donde los efectos de contraste lo vinculan con el estilo de Honoré Daumier, aunque tiende a ser opaca y terrosa. En un primer momento, Millet había pintado dentro de la cesta que está en el suelo a una criatura de pocos meses de nacida, pero que había fallecido, y a los dos personajes de pie como los compungidos padres que la miraban sin consuelo. Esta situación conmocionó mucho a los que la vieron por primera vez, y recibió criticas de censura, por lo que este pintor se decidió a retocarla quedando como la vemos hoy.

El autor buscará retratar a la gente humilde y campesina en un gesto de admiración por la gente pobre del mundo rural, seduciendo a los republicanos y exasperando a la burguesía por tratar esto como tema central en su obra.

La escena actual muestra a dos campesinos que han interrumpido su trabajo en el campo para rezar el Ángelus, la oración que recuerda el saludo del ángel a la Virgen Maria en la Anunciación. En medio de un llano desértico, los dos campesinos se recogen en su plegaria. Sus caras quedan en sombra, mientras que la luz destaca los gestos y las actitudes, consiguiendo expresar un profundo sentimiento de recogimiento.
La atmósfera de la escena parece neblinosa, lo que simplifica el volumen de las figuras lo que genera una fusión entre los personajes y el paisaje natural, realzando el patetismo de la obra, aunque esta a primera vista no se deje ver. Millet, junto con Daumier y Courbet comprendieron que, en el contexto de la época, las manifestaciones artísticas que plasman la realidad, mas allá de las controversias, centran la atención del espectador en un mensaje crítico que produce una reacción, una movilización que traerá como corolario la conciencia en la libertad y la nación para dejar de lado lo superficial e individual del romanticismo.

El Angelus de Millet se convirtió en una obsesión para el pintor español Salvador Dalí, quien realizó distintas reinterpretaciones pictóricas del mismo tema y sobre cuyo significado escribió entre 1932 y 1935 un ensayo titulado "El mito trágico del Angelus de Millet". En su libro "Confesiones inconfesables", Dalí afirmaba que el Angelus se había convertido para él en la "obra pictórica más íntimamente turbadora, la más densa".

Maribel Alonso Perez
26 octubre 2011

Conversión del duque de Gandía 1884 José Moreno Carbonero.

José Moreno Carbonero. Conversión del duque de Gandía, También conocido como: Francisco Borja ante el féretro de Isabel de Portugal. 1884. Características: 315 x 500 cm. Museo del Prado.

Gracias al lienzo protagonizado por el príncipe don Carlos de Viana, Moreno Carbonero consiguió la ansiada pensión para estudiar en Roma y París. Como estudio de segundo año de pensionado realizó el lienzo que contemplamos, enviado a la Exposición Nacional de 1884, obteniendo de nuevo la primera medalla. El cuadro presenta la renuncia al mundo de don Francisco de Borja, marqués de Lombay y duque de Gandía, tras contemplar el putrefacto cadáver de doña Isabel de Portugal, esposa de Carlos V, fallecida en Toledo el 1 de mayo de 1539.

Su cuerpo fue conducido a Granada por expresa orden de la finada, sucediéndose en esa ciudad andaluza la escena que Moreno representa. La belleza de la emperatriz cautivó a toda la Corte, especialmente al duque de Gandía, encargado de trasladar el cadáver a su lugar de enterramiento y entregarlo a los monjes. Cuando el féretro fue abierto y el duque contempló el cuerpo descompuesto de su señora, pronunció la famosa frase "Nunca más serviré a un señor que se me pueda morir", ingresando años después en la Orden de Jesús, llegando a ser canonizado. El marqués aparece representado en el centro de la composición, inclinando su cabeza sobre un gentilhombre al que abraza.

Tras estas figuras contemplamos a un canónigo mientras varios hombres y mujeres se pierden en la penumbra. La zona derecha está ocupada por el féretro, colocado sobre un túmulo que se cubre con un grueso paño decorado con el águila imperial bordada. El féretro es abierto por un hombre que se tapa la nariz para evitar el hedor, observándose el rostro aún bello de líneas de la emperatriz, a pesar de su avanzado estado de descomposición. La emperatriz lleva las manos sobre su pecho y un velo blanco y vaporoso cubre parte de su rostro. Un niño mira al cadáver con espanto y a su lado, una dama se cubre la cara con las manos.

Carbonero domina el dibujo y la reproducción fiel al tacto de las diferentes superficies, empleando una materia pictórica jugosa y suelta que recuerda a los grandes maestros del Barroco español. También llaman la atención los espléndidos retratos de algunos personajes, así como la correcta iluminación dramática que envuelve la cripta, penetrando por el ventanal visible en el lado izquierdo y por un foco ajeno a la composición. En el estilo empleado por Carbonero encontramos ecos de Pradilla.


Maribel Alonso Perez
25 octubre 2011

Anders Leonard Zorn , 1860 - 1920

Autorretrato. Anders Zorn

Anders Leonard Zorn (Mora, Dalarna, 18 de febrero 1860 — Mora, 22 de agosto 1920), fue un pintor impresionista, escultor y grabador sueco.

Nació en Mora, Dalarna. Hijo de Grudd Anna Andersdotter y Leonhard Zorn, no llegó a conocer a su padre y fue criado por sus abuelos. Comenzó a estuidar en 1872 en la escuela de Enköping. Tres años después, en 1875, se matriculó en la Academia de las Artes de Estocolmo, donde estuvo estudiando hasta 1880. El mismo año que acabó sus estudios conoció a Emma Lamm, mas conocida como Emma Zorn (1860 - 1942, Mora), que provenía de una acaudalada familia, y con quien se casó en 1885.

Su obra

Zorn, estuvo viajando por Europa y a su paso por España se interesó por la obra de Velázquez por lo que empezó a experimentar con los distintos efectos sobre el agua, como se puede observa en Sommarnöje (1886). Algo después viajó a Francia donde adquirió bastante fama y estableció su residencia en París. En la Exposición Universal de 1889 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor francesa y se asentó como uno de los pintores mas importantes de la época, llegando incluso a recibir una invitación para exponer su autorretrato en la Galería Uffizi.

Se convirtió en uno de los pintores de retratos más reconocidos internacionalmente en su momento, lo que le valió un lugar entre las principales personalidades de la vida cultural parisina de la primera mitad del siglo XIX

                       

Maria. 1918

Con motivo de la Exposición Internacional de Columbia (1893), Zorn realizó el primero de varios viajes a los Estados Unidos. Gracias a ellos pudo contar con tres Presidentes Americanos entre sus modelos: Grover Cleveland en 1899, Theodore Roosevelt, (1905) y William Taft, (1911).

En 1896 Anders y su esposa Emma regresaron a Mora. Zorn comenzó a mostrar una preocupación creciente por la conservación del folklore musical sueco, preocupación que plasma en sus obras. Comienza a abarcar temas de carácter popular, como escenas costumbristas propias del pueblo sueco. Fiel reflejo de ello es el cuadro Midsommardans (1897), una representación de bailarines bajo la luz crepuscular en una celebración rural del Solsticio de verano.

La obra al óleo de Zorn muestra un naturalismo próximo al Impresionismo, donde se percibe la inluencia de Velázquez, mientras que su obra como grabador se resuelve en trazos sueltos, quedando patentes sus cualidades de dibujante y una similitud palpable inspirada en Rembrandt. Se conservan 289 grabados.

Badande kullor, 1906

Realizó asimismo un gran número de acuarelas, especialmente durante sus primeros años de matrimonio, apremiado por su mujer. Podemos destacar Sommarnöje (Vacaciones de Verano) (1886) o su acuarela más famosa, Vårt dagliga bröd (Nuestro pan diario) (1886).

Sus desnudos son célebres, serie que inició durante su estancia en Francia, con obras como Outdoors (1888) o Las bañistas (1888).

El polifacético artista destacó también en el ámbito de la escultura, de la que nos legó obras de carácter naturalista en pequeño formato, como Baño matutino (1909), y de carácter público, como la Estatua de Gustav Vasa (1903).
Algunos de sus trabajos más importantes se encuentran expuestos en el Nationalmuseum (Museo Nacional de Bellas Artes) en Estocolmo, Suecia. Otros museos que albergan trabajos de Zorn son el Musée d'Orsay en Paris y el Metropolitan Museum of Art en Nueva York.

                                  

Studioi dyll

Reconocimientos

Tras su fallecimiento, su mujer Emma, fundó el Museo Anders Zorn, ubicado en su ciudad natal en 1939. Contiene una muestra representativa de los trabajos del artista sueco en todas sus facetas. Fue inaugurado por Ragnar Östberg.

En 1960 con motivo del centenario del nacimiento del artista, se publicó un sello postal dedicado al pintor y dibujante. La imagen del sello es su obra Autorretrato de 1904 en aguafuerte.2 Pero no sólo se le dedicó este sello, si no que una de sus obras también se imprimió en este formato, Hins Anders (1904). Desgraciadamente, esta pintura se encontraba expuesta en el Thielska galleriet (Estocolmo), de donde fue robada el 20 de junio del 2000. Sigue desaparecida a día de hoy.
                                  

Maribel Alosnos Perez
22 octubre 2011