Hombre con Hacha 1891 Paul Gauguin

Hombre con hacha
Óleo sobre lienzo • Postimpresionismo
92,7 cm × 70 cm

Hombre con hacha es un cuadro del pintor Paul Gauguin hecho en 1891, una de las primeras obras en su primera estancia en Tahití. Se conoce por la referencia núm. 430 del catálogo de Wildenstein

Gauguin acababa de llegar a Tahití y había conseguido una subvención del Ministerio de Educación Pública y Bellas Artes francés a cambio de una serie de escenas de la vida en la Polinesia. Abandonó la capital Papeete para instalarse en una cabaña en el distrito de Mataeia.

Gauguin describe en Noa Noa la escena que ve desde su cabaña:
«Es por la mañana. Cerca del mar veo una piragua, y dentro de la piragua una mujer, en la playa un hombre casi desnudo, al lado del hombre hay un cocotero enfermo [...] El hombre levanta con las dos manos, en un gesto armonioso y ágil, un hacha pesada que deja arriba una huella azul en el cielo plateado, y bajo su incisión en el árbol muerto donde revivirán en un instante de llamas los calores seculares día a día atesorados.

»En el suelo púrpura, unas largas hojas serpentinas de un amarillo metálico me parecían los caracteres escritos de alguna lengua oriental lejana [...]
»En la piragua la mujer ordenaba unas redes. La línea azul del mar estaba frecuentemente rota por el verde de la cresta de las olas que caían sobre los arrecifes de coral.


Gauguin combina la observación directa con la licencia artística y el simbolismo. La composición es relativamente tradicional, pero alejada de los estilos académicos. Las formas arabescas y las figuras tienen reminiscencias del escultura griega y del oriental mientras que la escena es tahitiana. El colorido empleado es tradicional de su primera estancia en Tahití. Destaca por los colores vivos y planos, influenciados por las estampas japonesas.


Maribel Alonso Perez
04 noviembre 2011

Jeremías prevé la destrucción de Jerusalén 1630 Rembrandt

Jeremías prevé la destrucción de Jerusalén
Óleo sobre madera • Barroco 58 cm × 46 cm

Jeremías prevé la destrucción de Jerusalén o Jeremías lamenta
la destrucción de Jerusalén es una obra del pintor holandés Rembrandt.
Está realizado en óleo sobre madera, y fue pintado en el año 1630.
Mide 58 cm de alto y 46 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el
Rijksmuseum de Ámsterdam (Países Bajos).
La obra está firmada y datada "RHL 1630".
Es una obra juvenil del artista.

La obra representa a un anciano ricamente vestido sentado a los
pies de una roca: al fondo se ve una ciudad destruida por un incendio.
Esta figura ha sido identificada con los personajes de Lot y Anquises
pero la opinión generalizada es que se trata de Jeremías, que se
encuentra entristecido por la visión de Jerusalén destruida.

Confirmando esta tesis aparece una figura que huye del fuego
cubriéndose los ojos: sería el rey Sedecías, capturado y cegado por
los soldados de Nabucodonosor. Además, Jeremías tiene cerca de
sí objetos preciosos, que le fueron dados por Nabucodonosor
según el relato de Flavio Josefo.

La figura está situada en diagonal, en un entorno infinito. El fondo
está pintado en tonos marrones, en general sombrío. Sin embargo
destacan las vestiduras bordadas, los objetos de bronce y la intensa
iluminación de su rostro apesadumbrado.

Maribel Alonso Perez
03 noviembre 2011

Autorretrato con pintura y pinceles 1660 Rembranth

Autorretrato con pintura y pinceles
Año 1660
Óleo sobre tela • Barroco 111 cm × 85 cm

Este Autorretrato del pintor holandés Rembrandt está
realizado en óleo sobre lienzo, y fue pintado en el año
1660. Mide 111 cm de alto y 85 cm de ancho. Se exhibe
actualmente en el Museo del Louvre de París (Francia)
donde se exhibe con el título de Portrait de l'artiste au
chevalet. Formó parte de la colección de Luis XIV,
adquirido por el marchante De La Feuille en 1671.

Rembrandt realizó numerosos autorretratos a lo largo
de la vida, lo que permite conocer su evolución estilística
y además interrogarse, analizarse a sí mismo. Este
impresionante autorretrato es uno de los últimos, y como
en el resto, se presenta con realismo: las ojeras, las
arrugas, la nariz grande, el gorro de pintor, el pelo
despeinado. Los ojos miran fijamente hacia el espectador.

Encuadrado en un entorno sombrío, sólo destacan, además
de su rostro, las manos, una sosteniendo un pincel y otra
la paleta, así como el perfil del cuadro que está pintando
en el lado derecho.

Aparece así Rembrandt igualándose a un gran maestro
antiguo, como un Ticiano, o un nuevo Apeles.



Maribel Alonso Perez
02 noviembre 2011

Las Criadoras de Trigo 1853 Gustave Courbet

Las cribadoras de trigo
Óleo sobre lienzo • Realismo 131 cm × 167 cm
Las cribadoras de trigo (en francés, Les cribleuses de blé) es un cuadro del pintor francés Gustave Courbet. Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 131 cm de alto y 167 cm de ancho. Fue pintado en 1853, encontrándose actualmente en el Museo de Bellas Artes, de Nantes, Francia.

Fue esta obra expuesta en el Salón de París del año 1855, luego en 1861 en la novena exposición de la Societé des amis de l'art de Nantes, que a continuación compró la obra para el museo de Nantes.

Es un lienzo extraño dentro de la obra de Courbet, que produce una sensación artificiosa. La mujer que está sentada tiene los dedos artificialmente extendidos, mientras que la que criba el trigo está en una postura rígida y forzada. Los tres personajes están aislados, sin relacionarse entre sí.

Las dos jóvenes mujeres son sin duda las dos hermanas de Courbet: Zoé (que pasa el trigo por el cedazo) y Juliette (que está sentada). El muchacho joven podría ser Désiré Binet, el hijo ilegítimo del pintor.

Adopta Courbet un estilo influido por las estampas japonesas: el espacio claro, la monocromía en gris y ocre, el fondo vacío, las figuras que aparecen como recortadas con vestidos de colores fuertes rojos y azul verdoso, las formas redondas y ovales y la postura de la cribadora, que repite la de las actrices del teatro kabuki.

Maribel Alonso Perez
02 noviembre 2011

Mujer con una flor 1891 Paul Gauguin

Mujer con una flor
Óleo sobre lienzo • Postimpresionismo 70,5 cm × 46,5 cm
Mujer con una flor (título original en tahitiano Vahine no te Tiare) es un cuadro del pintor Paul Gauguin hecho en 1891 en Tahití. Se conserva en la Gliptoteca Ny Carlsberg de Copenhague. Se conoce por la referencia núm. 420 del catálogo de Wildenstein.

El título original significa literalmente «mujer de la flor», pero Gauguin lo tradujo como La femme à la fleur.
Gauguin hacía poco que había llegado por primera vez a Tahití y deseaba hacer el retrato de una tahitiana, atraído por la enigmática sonrisa. La modelo era una de sus vecinas que en un primer momento se negó. Pero poco después se presentó vestida con un traje colonial que habían introducido los misioneros franceses. En la oreja llevaba una flor como es tradicional, una tiara (gardenia tahitensis), la flor nacional de Tahití usada también para perfumar.

Gauguin describe la modelo en su libro Noa Noa, comparándola con la obra de Rafael Sanzio:
No era muy linda, bien mirado, según las reglas europeas de estética. Pero era guapa. Todos los rasgos le conferían una armonía rafaelesca en el encuentro de las curvas, y su boca había sido moldeada por un escultor que habla todas las lenguas del pensamiento y el beso, de la alegría y el sufrimiento. [...] Su frente, muy noble, recordaba, por unas líneas realzadas, aquella frase de Edgar Allan Poe: «No hay belleza perfecta sin una cierta singularidad en las proporciones». Y la flor que tenía en la oreja escuchaba su perfume.
Gauguin se sentía satisfecho de reflejar a la vez el miedo y el placer, la melancolía y la pasividad mezcladas con una pasión contenida.

El fondo, rojo y amarillo, está decorado con unas flores estilizadas, tal como ya había hecho previamente en el Autorretrato con retrato de Bernard . El efecto decorativo da equilibrio a la composición. El fondo amarillo sirve para resaltar el color tostado de la cara de la mujer. El cuadro es una muestra de las diferencias culturales: el refinamiento de la civilización contra la dignidad con naturalidad aunque encorsetada en un traje impuesto cuando, paradójicamente, el pintor había adoptado el tradicional pareo tahitiano.
Fue el primer retrato tahitiano que envió a Europa. Gauguin escribió a su amigo Daniel de Monfreid que ciertamente se podría vender bien como algo completamente nuevo.

Maribel Alonso Perez
01 noviembre 2011

Eugène Henri Paul Gauguin 1848 - 1903 Pintor Francés

Autorretrato, (1893)
Museo de Orsay, París

Eugène Henri Paul Gauguin (París, 7 de junio de 1848 - Atuona, Islas Marquesas, 9 de mayo de 1903) fue un pintor posimpresionista. Jefe de filas de la Escuela de Pont-Aven e inspirador de los Nabis, su obra está considerada entre las más importantes de entre los pintores franceses del siglo XIX.
Sus experimentos sobre el color y el conjunto de su obra influyeron en la evolución de la pintura, en especial sobre el fauvismo, movimiento que se desarrolla entre 1898 y 1908.
Sus inicios
De familia liberal, era hijo de Clovis Gauguin, un periodista antimonárquico, y de Aline Marie Chazal. Ella era descendiente de terratenientes españoles de América del Sur y del virrey del Perú. La feminista socialista Flora Tristán era abuela de Paul Gauguin por parte de madre.
Cuando Paul contaba sólo con un año, la familia tuvo que huir a América tras el golpe de Estado de Napoleón III en 1851. Durante el viaje su padre murió y su madre tuvo que recurrir a la hospitalidad de sus parientes en Lima (Perú). En esta ciudad pasó sus primeros años de infancia.

En 1855 regresan a Francia, a Orleans y se instalan en casa de un tío de Paul, Isidore. Gauguin estudiará en Orleans entre 1859 y 1865. Gauguin se embarca en la marina mercante siendo aún muy joven, y luego en la Armada Francesa, en la que sirve a bordo de la corbeta Jerôme Napoléon.
A su regreso de Francia en 1870, se convirtió en agente de cambio para la empresa Bertin en la Bolsa de París, teniendo bastante éxito en sus negocios. Llevó una vida burguesa y acomodada junto a su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos: Émile , Aline, Clovis, Jean-René y Paul-Rollon.
Su tutor, Gustave Arosa, hombre de negocios y gran amante del arte, introdujo a Gauguin entre los impresionistas. En 1874, conoce la obra del pintor Camille Pissarro y visita por primera vez una muestra de pintura impresionista. Al igual que su tutor, se aficiona al arte, lo que le lleva a tomar clases de pintura y a hacer sus primeros intentos de creación en este terreno. Expone sus obras junto a los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886 y reúne una colección personal con obra de Manet, Cézanne, Monet y el ya mencionado Pissarro.

Vida del artista en Francia

En 1882, deja su trabajo en la Bolsa (que se ha desplomado) para dedicarse por completo a su nueva pasión, la pintura. Como eso no le basta para sobrevivir, se marcha a vivir con su mujer e hijos con la familia de ésta en Copenhague. Las relaciones con su familia política no son buenas y sus negocios tampoco van bien. Decide regresar a París en 1885 para dedicarse exclusivamente a la pintura, pero incapaz de asegurar la subsistencia de su familia, abandona a su mujer y a sus hijos en Dinamarca.
Gauguin se traslada a Ruan, en Normandía, en donde se ha instalado Pissarro, pero en 1887 decide viajar junto a su amigo Charles Laval a Panamá, en la restaurada República de Colombia.
Gauguin arribó al istmo de Panamá, en abril de 1887, a la isla de Taboga, de la cual diría en una carta: "está casi deshabitada y muy fértil. Yo llevo mis colores y mis pinceles y yo me empaparé de ellos lejos de todos los seres humanos". Después no sería tan elocuente sobre el entorno panameño, como le dice a su esposa, Mette-Sophie, desde la Ciudad de Panamá, - donde su cuñado colombiano (esposo de su hermana Marié Gauguin Tristán) le había invitado con promesas de conseguirle un trabajo estable –.
En la siguiente carta a Mette-Sophie le contará su desventura ocurrida en el barrio de San Felipe, donde fue tomado preso por la policía, por el delito de haber orinado en una de sus calles. Durante un tiempo trabajará en la perforación del canal, como obrero de la Panama Canal Company, pero el clima y las enfermedades tropicales lo postran muy pronto. Apenas recuperado de la disentería y el paludismo o fiebre amarilla, continúa el periplo en la isla Martinica en 1888.

De este viaje al Caribe, que resultaría fundamental para su futuro artístico, puesto que le mostró la sensualidad del color y lo interesó por una naturaleza primitiva capaz de acentuar las relaciones humanas, Gauguin regresará a Europa enfermo y abatido. Allí encuentra la hospitalidad de Theo Van Gogh, quién además expondrá sus pinturas en su propia galería.
Pero dejando aparte este viaje, entre 1886 y 1891, vive principalmente en Bretaña en donde se convierte en el centro de un grupo de pintores experimentales conocidos con el nombre de Escuela de Pont-Aven, en donde tuvo como discípulos a Émile Bernard, Paul Sérusier, Seguin y Chmaillard que constituirían el llamado simbolismo (Grupo de los Nabis). Su estilo de pintura empezará a transformarse desde las cercanías del impresionismo hasta un estilo mucho más personal.
Por influencia de uno de sus jóvenes discípulos, Émile Bernard, su estilo evoluciona a lo que se ha dado en llamar sintetismo, un modo de pintar más natural y sintético. Busca inspiración en el arte indígena, en las vidrieras medievales y en las estampas japonesas.
Estas últimas las descubre gracias al holandés Vincent Van Gogh en 1888 en los dos meses en los que viven juntos (entre octubre y diciembre) en Arlés, en el sur de Francia, dedicándose ambos a pintar. Gauguin había conocido a Vincent y a Theo Van Gogh en París en 1886, y Gauguin había quedado impresionado por la expresividad de Vincent. Trabajan juntos y pintan la serie de vistas de Alyscamps. Pero la convivencia es muy difícil, ambos tienen un carácter muy temperamental, y Gauguin se cansa de Vincent. Van Gogh tratará de suicidarse más adelante. Su convivencia se deteriora y acaba con el famoso episodio de la oreja cortada de Van Gogh. Se sabe que Van Gogh tenía problemas emocionales y que se cortó la oreja; pero no es tan seguro que fuese por culpa de Gauguin. Anécdota que puede ser real o un mito.

Vida en Polinesia
Arruinado y enfermo, Gauguin se embarca en 1891 hacia la Polinesia, con el dinero conseguido en una exposición en el Hotel Brouot, éxito alcanzado gracias a las críticas favorables de Octave Mirbeau. Se establece en Tahití, tratando de huir de la civilización europea y de todo lo artificial y convencional. Empieza también a redactar un relato autobiográfico ("Noa"). Sin embargo, una enfermedad en los ojos, la soledad y la falta de dinero le obligan a regresar a Francia junto a su compañera javanesa Ana. En Francia recibe la inesperada herencia de su tío Isidoro, y consigue vender unos pocos cuadros, por lo que regresa ya de modo definitivo a Polinesia.
Las características esenciales de su pintura (en la que sigue usando grandes superficies de colores vivos) no experimentan demasiados cambios. Su primitivismo se atempera por la influencia de algunos pintores neoclásicos como Ingres o contemporáneos como Puvis de Chavannes. Cuida especialmente la expresividad de los colores, la búsqueda de la perspectiva y el uso de formas plenas y voluminosas. Influido por el entorno tropical y la cultura polinesia, anticipa al arte abstracto: simplifica aún más las composiciones dando preponderancia al color y a la idea que el color puede sugerir, su obra adquiere fuerza, lleva a cabo esculturas en madera y pinta sus cuadros más bellos, en especial su obra más importante, que hoy se encuentra en el Museum of Fine Arts de Boston: "¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?", que él mismo considera su testamento pictórico.

En Tahití, conocerá a Tehura, que se convertirá en su modelo. Está muy inspirado y pinta 70 lienzos en unos pocos meses. Pero tras algunos años de felicidad en los que publica su autobiografía "Noa", problemas administrativos y personales (su hija preferida Aline muere) le hunden. También tiene problemas de salud: una herida en la pierna que no consigue curar desde 1894, una crisis de sífilis. Hacia los últimos años de su vida formó pareja y tuvo un hijo, Émile con Pau'ura, una joven de las islas Marquesas, pero también contrajo lepra. En 1897 intenta suicidarse, luego sobrevive prácticamente en la miseria con una pequeña pensión que desde París le enviaba un marchante.
Decide entonces establecerse definitivamente en las Islas Marquesas para volver a encontrar la inspiración. En 1901, llega a Atuona (en la isla de Hiva-Oa), en las Islas Marquesas. Cree estar en el paraíso. Pronto se dará cuenta de su error al conocer los abusos cometidos por las autoridades y al tratar de defender a los indígenas. Se dedicó a realizar esculturas "primitivas" (principalmente tallas y bajorrelieves en madera). Débil, cansado de luchar, muere el 9 de mayo de 1903.

Maribel Alonso Perez
01 noviembre 2011

René François Ghislain Magritte 1898 - 1967 Pintor Belga

Nombre de nacimiento René François Ghislain Magritte

Nacimiento 1898 - Fallecimiento 1967
Bruselas, Bélgica Nacionalidad belga
Área Pintura
Firma:


René François Ghislain Magritte (n. 21 de noviembre de 1898, en Lessines, Bélgica - 15 de agosto de 1967, en Bruselas, Bélgica) fue un pintor surrealista belga. Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

Poco se conoce acerca de los primeros años de Magritte. Nació en Lessines, provincia de Hainaut, en 1898, el mayor de los hijos de Léopold Magritte, sastre y comerciante de telas, y Regina (nacida Bertinchamps). Comenzó sus lecciones de dibujo en 1910. El 12 de marzo de 1912 su madre se suicidó ahogándose en el río Sambre. Éste no fue su primer intento, pues llevaba años intentando quitarse la vida, obligando a su esposo Léopold a encerrarla en su dormitorio. Un día ella escapó y estuvo perdida por días. Más tarde fue descubierta, muerta, río abajo.

                                                           Amantes

 
De acuerdo a la leyenda, Magritte, que entonces tenía 13 años, estaba presente cuando el cuerpo fue recuperado del agua, pero recientes investigaciones han desacreditado tal historia. La imagen de su madre flotando, su vestido oscureciendo su cara, puede haber influenciado una serie de pinturas de 1927 a 1928, incluyendo Les Amants, pero a Magritte le disgustaba esta explicación.


Realiza sus primeros cursos de pintura en Châtelet. En 1915 comienza a hacer sus primeras obras en la línea del impresionismo. Entre 1916 y 1918 estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Expone por primera vez en el Centro de Arte de Bruselas en 1920 junto a Pierre-Louis Flouquet, con quien comparte un estudio. Tras el servicio militar trabaja temporalmente como diseñador en una fábrica de papel. En 1923 participa con Lissitzky, Moholy-Nagy, Feininger y Paul Joostens de maria florecen una exposición en el Círculo Real Artístico.


Su obra del periodo 1920-1924, por su tratamiento de los temas de la vida moderna, su color brillante y sus investigaciones sobre las relaciones de la forma tridimensional con la superficie plana del cuadro, muestran las influencias del cubismo, del orfismo, del futurismo y del purismo.
                    

En 1922 ve una reproducción de La canción de amor de De Chirico, que le impresiona profundamente, y a partir de 1926 se independiza de las influencias anteriores y basa su estilo en el de De Chirico.
En obras como La túnica de la aventura (1926) expresa su sentido del misterio del mundo por medio de la irracional yuxtaposición de objetos en una atmósfera silenciosa.
En El asesino amenazado (1926), el espacio perspectivo deriva de De Chirico y de los decorados de los primeros melodramas cinematográficos. En este mismo año se une a otros músicos, escritores y artistas belgas, en un grupo informal comparable al de los surrealistas de París.
En 1927 se establece en las cercanías de París y participa, durante los tres años siguientes, en las actividades del grupo surrealista (sobre todo, se relaciona con Éluard, Breton, Arp, Miró y Dalí). Aporta al Surrealismo parisino un resurgimiento del ilusionismo. A diferencia de Dalí, Magritte no usa la pintura para expresar sus obsesiones privadas o sus fantasías, sino que se expresa con agudeza, ironía y un espíritu de debate.
En 1928 participa en la exposición surrealista en la galería Goemans de París.
En 1930 regresa a Bruselas huyendo del ambiente polémico parisino, y allí pasa tranquilo el resto de sus días.

Realismo mágico
A partir de 1926 el estilo de Magritte, también llamado "realismo mágico", cambia poco; entre 1928 y 1930 investiga las ambiguas relaciones entre palabras, imágenes y los objetos que éstas denotan. En La perfidia de las imágenes (1928-1929) retrata meticulosamente una pipa, y debajo, con igual precisión, pone la leyenda Ceci n'est pas une pipe (Esto no es una pipa), cuestionando la realidad pictórica. El espejo falso (1928) explora la misma idea: el ojo, como un falso espejo, reflejando las nubes blancas y el cielo azul pintados de forma realista; en este cuadro introduce el tema del paisaje ilusionista, interpretado en clave pictórica, alejado de toda intención naturalista. Magritte explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusión espacial, que es el trasunto de la pintura misma.

Hace muchas variaciones sobre este tema, quizá la más clara de todas sea Los paseos de Euclides (1955), donde muestra un caballete con un cuadro frente a una ventana, a través de la cual se ve un paisaje; la escena pintada corresponde exactamente al fragmento de paisaje sobre el que se sitúa el cuadro, llevando el problema de la pintura, como confrontación naturaleza-ilusión, a la cuarta dimensión.
En 1933 hace una exposición individual en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas y en 1936 su primera individual en Estados Unidos en la galería Julien Levy de Nueva York.

En ese mismo año su obra está presente en Arte fantástico, Dadá, Surrealismo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.En los años cuarenta la obra de Magritte adopta una paleta y una pincelada impresionistas y en 1947-1948 desarrolla sus cuadros llamados fauvistas.
La respuesta de la crítica es, en general, hostil hacia estas obras, y Magritte vuelve a su acostumbrado estilo. Son característicos de los años cincuenta los cuadros en los que tanto figuras interiores como paisajes y objetos aparecen convertidos en roca.

Museo Magritte.

"Las formas básicas y los temas, sin embargo, continúan la fantasía del lugar común durante los años sesenta. Una escena urbana nocturna a la que se le superpone un cielo azul con nubes de atardecer flotando; carreras de jockeys en coches y por habitaciones; o una elegante amazona paseando por un bosque mientras es segmentada por los árboles. Pero el mundo de Magritte contiene siempre al misterioso hombre invisible con bombín y abrigo negro solo o en grupos, como en Golconda (1953), donde una multitud de ellos desciende sobre la ciudad" (Arnason).
A lo largo de los años cuarenta expone asiduamente en la galería Dietrich de Bruselas.
En los dos decenios sucesivos recibe numerosos encargos para la ejecución de pinturas murales en Bélgica.
Desde 1953 expone frecuentemente en la galería Alexander Iolas de Nueva York, Paris y Ginebra. Se organizan retrospectivas sobre su obra en 1954 en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, y en 1960 en el Museo de Arte Contemporáneo de Dallas y en el Museo de Bellas Artes de Houston. Viaja por primera vez a Estados Unidos en 1965, con motivo de una retrospectiva que el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedica.
Durante el año siguiente viaja a Israel. Muere en Bruselas el 15 de Agosto de 1967, pocos días después de la inauguración de una importante muestra de su obra en el Museo Boymans Van Beuningen de Róterdam.

Maribel Alonso Perez
31 octubre 2011




René Magritte por Lothar Wolleh