El Almuerzo 1617-1618 Velázquez

Tres hombres a la mesa, El almuerzo
Diego Velázquez, c. 1617-1618
Óleo sobre lienzo • Barroco 108,5 cm × 102 cm
Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia





 Tres hombres a la mesa (El almuerzo), fue pintado por
 Velázquez en su primera etapa sevillana hacia 1617-1618
 y se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo
 Perteneciente a la zarina Catalina II se encontraba en el
 Hermitage ya a finales del siglo XVIII, considerado como
 pintura flamenca. Desde 1895 se atribuye unanimemente a
 Velázquez.



 El lienzo retrata una escena cotidiana propia de la época
 sevillana de Velázquez. En ella aparecen tres hombres que
 representan al tres edades del hombre, sentados a una mesa
 cubierta con una mantel blanco sobre la que descansan un
 plato de mejillones, un vaso de vino y varias piezas de pan
 Tras los personajes, la oscuridad de la pared es rota por un
 sombrero y una golilla colgados de la misma.

 Los modelos utilizados para los personajes de la izquierda
 y de la derecha parecen ser los mismo que Velázquez utilizó
 en sus obras San Pablo y Santo Tomás.

 Existe otra versión de este cuadro, que bajo el título Almuerzo
 de campesinos, se conserva en el Museo de Bellas Artes de
 Budapest.

Maribel Alonso Perez
04 noviembre 2011

Hombre con Hacha 1891 Paul Gauguin

Hombre con hacha
Óleo sobre lienzo • Postimpresionismo
92,7 cm × 70 cm

Hombre con hacha es un cuadro del pintor Paul Gauguin hecho en 1891, una de las primeras obras en su primera estancia en Tahití. Se conoce por la referencia núm. 430 del catálogo de Wildenstein

Gauguin acababa de llegar a Tahití y había conseguido una subvención del Ministerio de Educación Pública y Bellas Artes francés a cambio de una serie de escenas de la vida en la Polinesia. Abandonó la capital Papeete para instalarse en una cabaña en el distrito de Mataeia.

Gauguin describe en Noa Noa la escena que ve desde su cabaña:
«Es por la mañana. Cerca del mar veo una piragua, y dentro de la piragua una mujer, en la playa un hombre casi desnudo, al lado del hombre hay un cocotero enfermo [...] El hombre levanta con las dos manos, en un gesto armonioso y ágil, un hacha pesada que deja arriba una huella azul en el cielo plateado, y bajo su incisión en el árbol muerto donde revivirán en un instante de llamas los calores seculares día a día atesorados.

»En el suelo púrpura, unas largas hojas serpentinas de un amarillo metálico me parecían los caracteres escritos de alguna lengua oriental lejana [...]
»En la piragua la mujer ordenaba unas redes. La línea azul del mar estaba frecuentemente rota por el verde de la cresta de las olas que caían sobre los arrecifes de coral.


Gauguin combina la observación directa con la licencia artística y el simbolismo. La composición es relativamente tradicional, pero alejada de los estilos académicos. Las formas arabescas y las figuras tienen reminiscencias del escultura griega y del oriental mientras que la escena es tahitiana. El colorido empleado es tradicional de su primera estancia en Tahití. Destaca por los colores vivos y planos, influenciados por las estampas japonesas.


Maribel Alonso Perez
04 noviembre 2011

Jeremías prevé la destrucción de Jerusalén 1630 Rembrandt

Jeremías prevé la destrucción de Jerusalén
Óleo sobre madera • Barroco 58 cm × 46 cm

Jeremías prevé la destrucción de Jerusalén o Jeremías lamenta
la destrucción de Jerusalén es una obra del pintor holandés Rembrandt.
Está realizado en óleo sobre madera, y fue pintado en el año 1630.
Mide 58 cm de alto y 46 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el
Rijksmuseum de Ámsterdam (Países Bajos).
La obra está firmada y datada "RHL 1630".
Es una obra juvenil del artista.

La obra representa a un anciano ricamente vestido sentado a los
pies de una roca: al fondo se ve una ciudad destruida por un incendio.
Esta figura ha sido identificada con los personajes de Lot y Anquises
pero la opinión generalizada es que se trata de Jeremías, que se
encuentra entristecido por la visión de Jerusalén destruida.

Confirmando esta tesis aparece una figura que huye del fuego
cubriéndose los ojos: sería el rey Sedecías, capturado y cegado por
los soldados de Nabucodonosor. Además, Jeremías tiene cerca de
sí objetos preciosos, que le fueron dados por Nabucodonosor
según el relato de Flavio Josefo.

La figura está situada en diagonal, en un entorno infinito. El fondo
está pintado en tonos marrones, en general sombrío. Sin embargo
destacan las vestiduras bordadas, los objetos de bronce y la intensa
iluminación de su rostro apesadumbrado.

Maribel Alonso Perez
03 noviembre 2011

Autorretrato con pintura y pinceles 1660 Rembranth

Autorretrato con pintura y pinceles
Año 1660
Óleo sobre tela • Barroco 111 cm × 85 cm

Este Autorretrato del pintor holandés Rembrandt está
realizado en óleo sobre lienzo, y fue pintado en el año
1660. Mide 111 cm de alto y 85 cm de ancho. Se exhibe
actualmente en el Museo del Louvre de París (Francia)
donde se exhibe con el título de Portrait de l'artiste au
chevalet. Formó parte de la colección de Luis XIV,
adquirido por el marchante De La Feuille en 1671.

Rembrandt realizó numerosos autorretratos a lo largo
de la vida, lo que permite conocer su evolución estilística
y además interrogarse, analizarse a sí mismo. Este
impresionante autorretrato es uno de los últimos, y como
en el resto, se presenta con realismo: las ojeras, las
arrugas, la nariz grande, el gorro de pintor, el pelo
despeinado. Los ojos miran fijamente hacia el espectador.

Encuadrado en un entorno sombrío, sólo destacan, además
de su rostro, las manos, una sosteniendo un pincel y otra
la paleta, así como el perfil del cuadro que está pintando
en el lado derecho.

Aparece así Rembrandt igualándose a un gran maestro
antiguo, como un Ticiano, o un nuevo Apeles.



Maribel Alonso Perez
02 noviembre 2011

Las Criadoras de Trigo 1853 Gustave Courbet

Las cribadoras de trigo
Óleo sobre lienzo • Realismo 131 cm × 167 cm
Las cribadoras de trigo (en francés, Les cribleuses de blé) es un cuadro del pintor francés Gustave Courbet. Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 131 cm de alto y 167 cm de ancho. Fue pintado en 1853, encontrándose actualmente en el Museo de Bellas Artes, de Nantes, Francia.

Fue esta obra expuesta en el Salón de París del año 1855, luego en 1861 en la novena exposición de la Societé des amis de l'art de Nantes, que a continuación compró la obra para el museo de Nantes.

Es un lienzo extraño dentro de la obra de Courbet, que produce una sensación artificiosa. La mujer que está sentada tiene los dedos artificialmente extendidos, mientras que la que criba el trigo está en una postura rígida y forzada. Los tres personajes están aislados, sin relacionarse entre sí.

Las dos jóvenes mujeres son sin duda las dos hermanas de Courbet: Zoé (que pasa el trigo por el cedazo) y Juliette (que está sentada). El muchacho joven podría ser Désiré Binet, el hijo ilegítimo del pintor.

Adopta Courbet un estilo influido por las estampas japonesas: el espacio claro, la monocromía en gris y ocre, el fondo vacío, las figuras que aparecen como recortadas con vestidos de colores fuertes rojos y azul verdoso, las formas redondas y ovales y la postura de la cribadora, que repite la de las actrices del teatro kabuki.

Maribel Alonso Perez
02 noviembre 2011

Mujer con una flor 1891 Paul Gauguin

Mujer con una flor
Óleo sobre lienzo • Postimpresionismo 70,5 cm × 46,5 cm
Mujer con una flor (título original en tahitiano Vahine no te Tiare) es un cuadro del pintor Paul Gauguin hecho en 1891 en Tahití. Se conserva en la Gliptoteca Ny Carlsberg de Copenhague. Se conoce por la referencia núm. 420 del catálogo de Wildenstein.

El título original significa literalmente «mujer de la flor», pero Gauguin lo tradujo como La femme à la fleur.
Gauguin hacía poco que había llegado por primera vez a Tahití y deseaba hacer el retrato de una tahitiana, atraído por la enigmática sonrisa. La modelo era una de sus vecinas que en un primer momento se negó. Pero poco después se presentó vestida con un traje colonial que habían introducido los misioneros franceses. En la oreja llevaba una flor como es tradicional, una tiara (gardenia tahitensis), la flor nacional de Tahití usada también para perfumar.

Gauguin describe la modelo en su libro Noa Noa, comparándola con la obra de Rafael Sanzio:
No era muy linda, bien mirado, según las reglas europeas de estética. Pero era guapa. Todos los rasgos le conferían una armonía rafaelesca en el encuentro de las curvas, y su boca había sido moldeada por un escultor que habla todas las lenguas del pensamiento y el beso, de la alegría y el sufrimiento. [...] Su frente, muy noble, recordaba, por unas líneas realzadas, aquella frase de Edgar Allan Poe: «No hay belleza perfecta sin una cierta singularidad en las proporciones». Y la flor que tenía en la oreja escuchaba su perfume.
Gauguin se sentía satisfecho de reflejar a la vez el miedo y el placer, la melancolía y la pasividad mezcladas con una pasión contenida.

El fondo, rojo y amarillo, está decorado con unas flores estilizadas, tal como ya había hecho previamente en el Autorretrato con retrato de Bernard . El efecto decorativo da equilibrio a la composición. El fondo amarillo sirve para resaltar el color tostado de la cara de la mujer. El cuadro es una muestra de las diferencias culturales: el refinamiento de la civilización contra la dignidad con naturalidad aunque encorsetada en un traje impuesto cuando, paradójicamente, el pintor había adoptado el tradicional pareo tahitiano.
Fue el primer retrato tahitiano que envió a Europa. Gauguin escribió a su amigo Daniel de Monfreid que ciertamente se podría vender bien como algo completamente nuevo.

Maribel Alonso Perez
01 noviembre 2011

Eugène Henri Paul Gauguin 1848 - 1903 Pintor Francés

Autorretrato, (1893)
Museo de Orsay, París

Eugène Henri Paul Gauguin (París, 7 de junio de 1848 - Atuona, Islas Marquesas, 9 de mayo de 1903) fue un pintor posimpresionista. Jefe de filas de la Escuela de Pont-Aven e inspirador de los Nabis, su obra está considerada entre las más importantes de entre los pintores franceses del siglo XIX.
Sus experimentos sobre el color y el conjunto de su obra influyeron en la evolución de la pintura, en especial sobre el fauvismo, movimiento que se desarrolla entre 1898 y 1908.
Sus inicios
De familia liberal, era hijo de Clovis Gauguin, un periodista antimonárquico, y de Aline Marie Chazal. Ella era descendiente de terratenientes españoles de América del Sur y del virrey del Perú. La feminista socialista Flora Tristán era abuela de Paul Gauguin por parte de madre.
Cuando Paul contaba sólo con un año, la familia tuvo que huir a América tras el golpe de Estado de Napoleón III en 1851. Durante el viaje su padre murió y su madre tuvo que recurrir a la hospitalidad de sus parientes en Lima (Perú). En esta ciudad pasó sus primeros años de infancia.

En 1855 regresan a Francia, a Orleans y se instalan en casa de un tío de Paul, Isidore. Gauguin estudiará en Orleans entre 1859 y 1865. Gauguin se embarca en la marina mercante siendo aún muy joven, y luego en la Armada Francesa, en la que sirve a bordo de la corbeta Jerôme Napoléon.
A su regreso de Francia en 1870, se convirtió en agente de cambio para la empresa Bertin en la Bolsa de París, teniendo bastante éxito en sus negocios. Llevó una vida burguesa y acomodada junto a su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos: Émile , Aline, Clovis, Jean-René y Paul-Rollon.
Su tutor, Gustave Arosa, hombre de negocios y gran amante del arte, introdujo a Gauguin entre los impresionistas. En 1874, conoce la obra del pintor Camille Pissarro y visita por primera vez una muestra de pintura impresionista. Al igual que su tutor, se aficiona al arte, lo que le lleva a tomar clases de pintura y a hacer sus primeros intentos de creación en este terreno. Expone sus obras junto a los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886 y reúne una colección personal con obra de Manet, Cézanne, Monet y el ya mencionado Pissarro.

Vida del artista en Francia

En 1882, deja su trabajo en la Bolsa (que se ha desplomado) para dedicarse por completo a su nueva pasión, la pintura. Como eso no le basta para sobrevivir, se marcha a vivir con su mujer e hijos con la familia de ésta en Copenhague. Las relaciones con su familia política no son buenas y sus negocios tampoco van bien. Decide regresar a París en 1885 para dedicarse exclusivamente a la pintura, pero incapaz de asegurar la subsistencia de su familia, abandona a su mujer y a sus hijos en Dinamarca.
Gauguin se traslada a Ruan, en Normandía, en donde se ha instalado Pissarro, pero en 1887 decide viajar junto a su amigo Charles Laval a Panamá, en la restaurada República de Colombia.
Gauguin arribó al istmo de Panamá, en abril de 1887, a la isla de Taboga, de la cual diría en una carta: "está casi deshabitada y muy fértil. Yo llevo mis colores y mis pinceles y yo me empaparé de ellos lejos de todos los seres humanos". Después no sería tan elocuente sobre el entorno panameño, como le dice a su esposa, Mette-Sophie, desde la Ciudad de Panamá, - donde su cuñado colombiano (esposo de su hermana Marié Gauguin Tristán) le había invitado con promesas de conseguirle un trabajo estable –.
En la siguiente carta a Mette-Sophie le contará su desventura ocurrida en el barrio de San Felipe, donde fue tomado preso por la policía, por el delito de haber orinado en una de sus calles. Durante un tiempo trabajará en la perforación del canal, como obrero de la Panama Canal Company, pero el clima y las enfermedades tropicales lo postran muy pronto. Apenas recuperado de la disentería y el paludismo o fiebre amarilla, continúa el periplo en la isla Martinica en 1888.

De este viaje al Caribe, que resultaría fundamental para su futuro artístico, puesto que le mostró la sensualidad del color y lo interesó por una naturaleza primitiva capaz de acentuar las relaciones humanas, Gauguin regresará a Europa enfermo y abatido. Allí encuentra la hospitalidad de Theo Van Gogh, quién además expondrá sus pinturas en su propia galería.
Pero dejando aparte este viaje, entre 1886 y 1891, vive principalmente en Bretaña en donde se convierte en el centro de un grupo de pintores experimentales conocidos con el nombre de Escuela de Pont-Aven, en donde tuvo como discípulos a Émile Bernard, Paul Sérusier, Seguin y Chmaillard que constituirían el llamado simbolismo (Grupo de los Nabis). Su estilo de pintura empezará a transformarse desde las cercanías del impresionismo hasta un estilo mucho más personal.
Por influencia de uno de sus jóvenes discípulos, Émile Bernard, su estilo evoluciona a lo que se ha dado en llamar sintetismo, un modo de pintar más natural y sintético. Busca inspiración en el arte indígena, en las vidrieras medievales y en las estampas japonesas.
Estas últimas las descubre gracias al holandés Vincent Van Gogh en 1888 en los dos meses en los que viven juntos (entre octubre y diciembre) en Arlés, en el sur de Francia, dedicándose ambos a pintar. Gauguin había conocido a Vincent y a Theo Van Gogh en París en 1886, y Gauguin había quedado impresionado por la expresividad de Vincent. Trabajan juntos y pintan la serie de vistas de Alyscamps. Pero la convivencia es muy difícil, ambos tienen un carácter muy temperamental, y Gauguin se cansa de Vincent. Van Gogh tratará de suicidarse más adelante. Su convivencia se deteriora y acaba con el famoso episodio de la oreja cortada de Van Gogh. Se sabe que Van Gogh tenía problemas emocionales y que se cortó la oreja; pero no es tan seguro que fuese por culpa de Gauguin. Anécdota que puede ser real o un mito.

Vida en Polinesia
Arruinado y enfermo, Gauguin se embarca en 1891 hacia la Polinesia, con el dinero conseguido en una exposición en el Hotel Brouot, éxito alcanzado gracias a las críticas favorables de Octave Mirbeau. Se establece en Tahití, tratando de huir de la civilización europea y de todo lo artificial y convencional. Empieza también a redactar un relato autobiográfico ("Noa"). Sin embargo, una enfermedad en los ojos, la soledad y la falta de dinero le obligan a regresar a Francia junto a su compañera javanesa Ana. En Francia recibe la inesperada herencia de su tío Isidoro, y consigue vender unos pocos cuadros, por lo que regresa ya de modo definitivo a Polinesia.
Las características esenciales de su pintura (en la que sigue usando grandes superficies de colores vivos) no experimentan demasiados cambios. Su primitivismo se atempera por la influencia de algunos pintores neoclásicos como Ingres o contemporáneos como Puvis de Chavannes. Cuida especialmente la expresividad de los colores, la búsqueda de la perspectiva y el uso de formas plenas y voluminosas. Influido por el entorno tropical y la cultura polinesia, anticipa al arte abstracto: simplifica aún más las composiciones dando preponderancia al color y a la idea que el color puede sugerir, su obra adquiere fuerza, lleva a cabo esculturas en madera y pinta sus cuadros más bellos, en especial su obra más importante, que hoy se encuentra en el Museum of Fine Arts de Boston: "¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?", que él mismo considera su testamento pictórico.

En Tahití, conocerá a Tehura, que se convertirá en su modelo. Está muy inspirado y pinta 70 lienzos en unos pocos meses. Pero tras algunos años de felicidad en los que publica su autobiografía "Noa", problemas administrativos y personales (su hija preferida Aline muere) le hunden. También tiene problemas de salud: una herida en la pierna que no consigue curar desde 1894, una crisis de sífilis. Hacia los últimos años de su vida formó pareja y tuvo un hijo, Émile con Pau'ura, una joven de las islas Marquesas, pero también contrajo lepra. En 1897 intenta suicidarse, luego sobrevive prácticamente en la miseria con una pequeña pensión que desde París le enviaba un marchante.
Decide entonces establecerse definitivamente en las Islas Marquesas para volver a encontrar la inspiración. En 1901, llega a Atuona (en la isla de Hiva-Oa), en las Islas Marquesas. Cree estar en el paraíso. Pronto se dará cuenta de su error al conocer los abusos cometidos por las autoridades y al tratar de defender a los indígenas. Se dedicó a realizar esculturas "primitivas" (principalmente tallas y bajorrelieves en madera). Débil, cansado de luchar, muere el 9 de mayo de 1903.

Maribel Alonso Perez
01 noviembre 2011