Las Tres Velas 1903 Joaquin Sorolla

El lienzo muestra a tres mujeres de paseo por una playa y con tres veleros al fondo, e ilustra la maestría con que Sorolla (1863-1923) representaba los colores y la luz en un entorno marino.

Las tres velas. Sorolla pintó esta obra en el verano de 1903 en la playa de la Malvarrosa de Valencia, en uno de los periodos más felices y fecundos de su producción. Aún faltaba mucho para su hemiplejia, en 1920, y su posterior fallecimiento en 1923. La historia del cuadro es la de una azarosa vida, ya que tras su exposición en Berlín en 1904 fue vendido en esa misma muestra por 2.500 marcos, perteneciendo a la colección del filántropo judío Max Steinthal. El banquero alemán la tuvo en su despacho más de 30 años.

Cuando el Tercer Reich quiso confiscarla junto con el resto de los bienes de Max y Fanny Steinthal, éstos nombraron albacea a su yerno Friedrich Vollmann, único miembro no judío de la familia. Vollmann se la llevó a Dresde y la pintura sobrevivió a la guerra. En 1950, las autoridades de la República Democrática Alemana la confiscaron tras la huida de Vollmann a Alemania Occidental.

En Mayo de 2008, Las tres velas, la pintura de Joaquín Sorolla, una de las obras cumbre del artista, es subastada en Nueva York por 4,5 millones de dólares.

El cuadro se había vendido a un coleccionista estadounidense por 2,4 millones de euros en noviembre de 2004, en otra subasta celebrada en la sede de Sothebys en Londres y fue en aquel momento el segundo precio más alto pagado en subasta por una obra del artista español. Esta era la segunda oportunidad en que la obra estaba al alcance de los coleccionistas interesados en el arte de Sorolla.
La pintura ha tenido una azarosa trayectoria desde que fue exhibida en público por última vez en Berlín en 1904, pero los expertos de Sotheby's aseguraron que la pintura, "en general, está en muy buenas condiciones".

El lienzo lo había adquirido aquel año el banquero Max Steinthal, quien cayó en desgracia ante los nazis por su origen judío. La mujer de Steinthl, Fanny, pudo evitar la incautación de la colección de arte de la familia transfiriendo la propiedad a uno de sus yernos, que no era judío, pero este no pudo evitar que las autoridades de la antigua República Democrática Alemana se apropiaran después de las obras, según la casa de subastas. La pintura de Sorolla y otra obras de arte de la familia Steinthal salieron de nuevo a la luz después de permanecer en un sótano del Museo Gemaldegalerie de Dresden durante 50 años y sobrevivir a las inundaciones que causó el río Elba en el verano de 2002.

Dos años después y una vez realizadas la necesarias comprobaciones, las obras fueron devueltas a los herederos del matrimonio alemán Steinthal que, en el caso de 'Las Tres Velas', la sacaron ese mismo año al mercado.


Maribel Alonso Perez
08 junio 2012

Estudio para Bañistas en Asnières 1883 Georges Seurat

Estudio para Bañistas en Asnières
Año 1883
Óleo sobre panel de madera 
Medidas 15,5 x 25 cm
Museo de Orsay, París
Regalo de la baronesa Eva Gebhard-Gourgaud 1965


Bañistas en Asnières 1884 fue el primer panel de Seurat canvas.This grande es uno de los catorce estudios de pintura y diez dibujos que sin duda se relacionan con el lienzo final, hay varios otros que tienen conexiones figurativos o paisaje.
Este estudio presenta una escena de las orillas del Sena en Asnières, un suburbio a las afueras de París, con las fábricas de Clichy en el fondo. Se trata de una versión recortada de la composición final, con varias de las principales figuras aún no hizo-en este caso el perro de aguas de color rojizo se reduce a sólo una cabeza asomada en un rincón.

La versión final de los bañistas tiene cinco figuras sentadas en el banco, dos en el agua y dos pilas de ropa. Aquí Seurat ha incluido una versión simplificada de una de estas pilas, el hombre sentado en blanco, y una figura en cuclillas en el agua (aunque el pelo se convierte en un sombrero de color naranja en la versión final). El segundo niño desnudo en el agua se encuentra en el espacio pictórico con el tiempo ocupado por la mayor figura que se sienta el trabajo final. El esquema general de los puentes, edificios y fábricas aparecen en el fondo, similar a la versión final, aunque en este caso simplemente están bloqueados con grandes pinceladas.

Seurat pasó gran parte de sus trabajadores los primeros años de pintura. En un principio tenía previsto hacer lo mismo en los bañistas , que representa a los caballos que se bañaban en el río por los chicos estables. El paisaje era en realidad "zona de baño" uno designado a los animales, así como los seres humanos-como lo indica el título francés, " Une baignade ' . La sección grande de arcilla amarilla en el centro de denota donde los caballos habría sido conducido al agua.

En este estudio, la sugerencia de la mano de obra fue sustituida por una escena de puro ocio, con tan sólo figuras humanas. La clase trabajadora o media-baja se muestra descansando en el banco no tienen ninguna referencia directa a la industria detrás de ellos. Sin embargo, su tiempo de ocio no es tan indulgente como los pasatiempos presentados por los impresionistas.

Completada antes del descubrimiento de Seurat del divisionismo, aquí hay tres tipos distintos de pinceladas.  El primer plano utiliza una técnica cruzada para crear la ilusión de la textura de la hierba y el banco. Para el agua, utiliza amplias pinceladas Seurat horizontales. Pinceladas irregulares de pintura que el cielo, característica de suaves texturas impresionistas, con los colores mezclando unos con otros. Las técnicas utilizadas en este estudio son similares a los utilizados en el trabajo final, pero en este último son mucho más estricta y se aplica con mayor precisión.



Maribel Alonso Perez
05 junio 2012

Villas en Bordighera 1884 Claude Monet

Villas en Bordighera  1884
Óleo sobre lienzo 115 x 130 cm
Museo de Orsay, París


El pueblo italiano de Bordighera, un complejo lleno de jardines y palmeras, se hizo popular en la década de 1880 como un destino para los viajeros de la clase alta inglesa y alemana. Situado en la costa mediterránea de Liguria, a unos veinte kilómetros al este de la ciudad francesa de Menton, que atrajo a Monet y Auguste Renoir en 1883 en su búsqueda de nuevos paisajes, se pueden pintar. Monet regresó solo al año siguiente, y pintó más de cuarenta puntos de vista de la zona, la ciudad y sus jardines. Su energía fue feroz, en un primer momento trabajó en cuatro lienzos de cada día, y entre el 24 de enero y el 02 de febrero 1884, completó los catorce años.

Monet quería pintar jardín del Sr. Moreno, en particular, y esperó a que las cartas de presentación. Él visitó el 5 de febrero de 1884, y comenzó a pintar las famosas palmeras, interrumpidas por varias excursiones por la ciudad y en Monte Carlo. Como siempre, el artista se vio frustrado por las dificultades prácticas y estéticas (el blues eran difíciles, la luz cambió, llovió). Las rosas brillantes dorados y azules parecía casi increíble, como Monet escribió a su compañera Alicia en el País de Giverny:

Obviamente, la gente exclamará en su falsedad, a la locura, pero es una lástima, ellos [también] decir que cuando pinto nuestro propio clima. Todo lo que hago tiene los colores brillantes de una llama brandy o del pecho de una paloma, sin embargo, incluso ahora lo hago sólo con timidez. Empiezo a conseguirlo.

Villas en Bordighera es una variante de otra pintura. Fue realizado por Monet de su compañero artista impresionista Berthe Morisot, parece que en ese momento, como una copia de una vista idéntica, aunque menos dos veces el tamaño del primer cuadro.  La composición fuera del centro y de los elementos radicalmente recortadas, como los árboles y los edificios señalar el ejemplo imborrable de grabados en madera japoneses, de los que Monet era un gran coleccionista. Es interesante cómo, naturalmente, esas influencias han sido absorbidas y ya no son un fin en sí mismos. En cambio, las búsquedas de Monet de la luz del sur, los blancos duros y brillantes azules claros que unifican los elementos domesticados de jardín y de la ciudad con los colores invencibles bañados de cielo y las montañas.

El tema de la "visión turística" no era nueva en el arte, como por inundación ha señalado-, pero la aproximación de Monet difiere de la del salón de belleza más convencional interpretaciones en "su decidida lucha contra el carácter asociativo. Ellos no evocar el pasado ... y no se refieren a los habitantes del paisaje, o de sus usos. Son, de hecho, Mute Records de los lugares visitados, los iconos de los sitios exóticos ... [y] son los productos básicos.  Monet por lo tanto, puede ser el primer pintor de la vanguardia para llevar su famoso "ojo" para el negocio de la promoción de la seguridad exotismo del Mediterráneo por los placeres sensoriales de la modernidad.


Maribel Alonso Perez
05 junio 2012

Madame Valtesse de la Bigne 1879 Henri Gervex

Henri Gervex
Francia 1852 - 1929
Madame Valtesse de la Bigne 1879
óleo sobre lienzo
de lona 200 x 122 cm
Museo de la Orangerie


El tema de este retrato es la señora Valtesse de la Bigne. Ella nació en París en 1848, bajo el nombre menos salubre de Lucía Emilia Delabigne. Con su padre, un alcohólico y su madre una prostituta, ella lanzó su carrera como actriz. Su primera aparición en escena fue como Hebe en Orfeo de los infiernos de Jacques Offenbach. También se convirtió en una cortesana se señala en la sociedad francesa. En este retrato Gervex la retrata a la altura de su belleza.

Además de tomar los amantes de la aristocracia entre los que el príncipe Lubomirski, Valtesse disfrutado el contacto con los círculos artísticos de la época, convertirse en la amante Gervex durante varios años. Otros enlaces eran con Manet, Gustave Courbet, Eugène Boudin, Detaille Edward y Alphonse de Neuville-que llevó a un ingenio para su apodo de L'Union des peintres . También se reunió con Emile Zola y resultó ser una inspiración para su novela Nana , publicado por primera vez en forma de serie en Le Voltaire , en octubre de 1879.

En este retrato Gervex rechazado la idealización de la forma, la pincelada fina y coloración sombría que era popular con el Salón. En su lugar, tomó prestada la paleta más brillante y más flexible pinceladas de los impresionistas. Madame Valtesse se representa en un jardín lleno de flores y el follaje, que es tocado por la luz moteada y cuidadosamente recortada para rodear esta más de moda de las figuras. El traje sugiere una fecha para el vestido de la materia, entre 1878 y 1880.

La pintura ha sido fechada '1889 ', pero la señora Valtesse habría sido en sus 40 años en 1889, y la representación aquí es de una mujer de rostro fresco más joven. El artista que originalmente se muestra el trabajo de diez años antes, en el Salón de 1879 bajo el título de 'la señorita V'.  Es posible que haya fecha el trabajo más tarde como 1889, cuando la pintura se exhibió en la Exposición Internacional de ese año .  La datación anterior estaría en consonancia con el estilo del traje, y sin duda la señora Valtesse hubiera querido ser visto y retratado en los servicios más actualizados estilos.

Gervex reunió Edouard Manet en 1876, y empezó a fraternizar con los impresionistas y frecuentar sus lugares. No lo hizo, sin embargo, se asume plenamente las ideas de esta "nueva pintura". En cambio, desde muy temprano en su carrera Gervex busca el prestigio, la riqueza y el reconocimiento por parte de exponer en el Salon des Artistes y más tarde el Salón de la Société Nationale des Beaux-Arts. Fue aquí donde Gervex exhibió obras de excitantes temas mitológicos día y moderna literatura, además de ser un retratista la sociedad de una cierta nota.


Maribel Alonso Perez
02 junio 2012

Pareja en la Calle 1887 Charles Angrand

Charles Angrand
Francia 1854 - 1932
Pareja en la calle año 1887
óleo sobre lienzo lienzo de 38,5 x 33 cm


En este retrato pequeño, íntimo de una pareja en una calle de París sin complicaciones, la elección de objeto mundano es deliberada. El compromiso de Angrand a los anarco-socialistas populares ideales de la época significaba que para él la vida de lo común, la clase obrera de los ciudadanos en los suburbios era tan digno de atención como la de un aristócrata en los Campos Elíseos. Angrand trata estos temas comunes con compasión: son dignos, a pesar de su pobreza, y una ternura genuina ha sido capturado entre ellos. La ropa sencilla de la pareja, y la calle anodina que caminar, es un rechazo implícito de la técnica académica que caracteriza el Salón oficial.

Después de estudiar para ser maestra, Angrand, que se crió en un pequeño pueblo cerca de Rouen, se trasladó a París para seguir una carrera en la pintura. Él tomó una posición como profesor de matemáticas para sostenerse y vivía en una zona cercana a los cafés preferidos por los artistas y escritores de la vanguardia. Fue admitido rápidamente a su círculo, y en 1884 fue miembro fundador de la Société des Indépendants.

Pareja en la calle , aunque no exhibió en su vida, marca un importante punto de inflexión en la carrera de Angrand. Se había pintado previamente la materia rural que recuerda a los realistas, Jean-François Millet y Gustave Courbet, en un estilo muy influido por los impresionistas. Entre 1886 y 1887, empezó a pintar en el estilo neo-impresionista defendida por Seurat y Signac. Esta obra, pintada en 1887, es un claro indicio de esta nueva dirección.

A diferencia de Seurat o Signac pinturas puntillistas, que emplean colores brillantes, muy contrastadas, aquí Angrand utiliza una paleta de silencio. En una inspección más cercana se hace evidente que los puntos de color azul, verde, rosa y rojo se han utilizado para profundizar en la sombra y establecer el tono, pero no hay rastro de los colores violentos que caracterizan a gran neo-impresionista pintura. Sin embargo, toda la obra se ilumina con el calor. El uso delicado de la luz y la sombra es típico de Angrand, cuyo blanco y negro Conté crayón dibujos fueron descritos por Signac, como los poemas de la luz ".

A pesar del éxito de sus cuadros en el estilo neo-impresionista, Angrand abandonado la técnica y en 1896 se alejó de París. Pasó el resto de su vida en un aislamiento casi total, concentrándose en los dibujos en pastel y lápiz conté que Signac tanto admiraba.


Maribel Alonso Perez
02 junio 2012

El pequeño campesino en azul 1882 Georges Seurat

El pequeño campesino en azul (El jinete)
Año 1882
óleo sobre lienzo
de lona 46 x 38 cm
Museo de Orsay, París, regalo de Roberto Schmit 1982



Hacia el final del verano de 1881, Seurat nos hospedamos en el pequeño pueblo de Pontaubert en Borgoña con su amigo Edmond Aman-Jean. De acuerdo con el crítico de arte Félix Fénéon, que era dueño de esta pintura, el tema de la tela es un joven de la región. 1 Era probable que Seurat volvió a París con la pintura y la completó al año siguiente. Seurat y Aman Jean-había conocido mientras estudiaba en el taller de Henri Lehmann-un requisito previo a su inscripción en la Ecole des Beaux-Arts. Ambos habían sufrido bajo la "regla de hierro" de Lehmann. Énfasis en la línea y el dibujo era el sello distintivo de la enseñanza de Lehmann, mientras que el color era considerado un adorno. Debido a sus estudios rígidos y retrógrados, Seurat buscó inspiración en otros lugares.

El trabajo ha sido conocido como tanto el pequeño campesino en azul y el jinete .  La influencia del maestro de Barbizon Jean-François Millet fue particularmente notable en el arte de Seurat de la década de 1880. Millet había campesinos representados que trabajan en los campos, cría de animales, cosechar los cultivos, y ha retratado también a los trabajadores romper piedras. Seurat hizo lo mismo. Esta pintura, a diferencia de muchos de Seurat escenas de campesinos, no muestra el niño activamente trabajando en los campos. En cambio, la pequeña figura, simplemente mira fijamente al espectador, carente de carácter, sus rasgos reducidos a lo esencial. El apoyo a la propuesta alternativa que el sujeto es un jinete, el joven está vestida con un traje azul con cuello blanco de alto, lo que podría estar corriendo sedas, y que podría usar una gorra de jockey.

En abril de 1879, junto con su amigo Ernest Laurent y Aman-Jean, Seurat visitó la exposición de los impresionistas cuarto en 28 Avenue de l'Opera. Los estudiantes de arte experimentó un 'shock inesperado y profundo "en respuesta a la labor que se enfrentaron, en última instancia conduce al abandono de sus estudios con Lehmann.  La exposición a cabo el desarrollo de Seurat a principios de la década de 1880, en términos de su pincelada, la adopción de color y materia.
Si bien hay un énfasis en la silueta de su figura, Seurat ha adoptado una paleta de azules, verdes, rosados, carne y marrones, se aplica con cruzadas pinceladas. Esta pincelada en cruz, que Seurat denominado "barrido de escoba" ( balayé ), sugiere que la influencia que los métodos nuevos de Pintura del impresionismo tuvo en el joven Seurat, y que lo llevaría hacia nuevas direcciones para el resto de su corta vida.


Maribel Alonso Perez
02 junio 2012

Madame Roger Jourdain (Retrato de la señora RJ ..) 1886 Albert Besnard Francia

Albert Besnard
Francia 1849 - 1934

Madame Roger Jourdain (Retrato de la señora RJ ..)
Año 1886
óleo sobre lienzo
lienzo de 200 (alto) x 153 (W) cm
Museo de Orsay, París, regalo la señora Roger Jourdain, la modelo 1921



Besnard comenzó su carrera en el conservador Ecole des Beaux-Arts de París. Fue impartido por el pintor académico notablemente purista Alexandre Cabanel, cuya infame negativa a permitir que Edouard Manet a exponer en el Salón de 1863 llevó a la creación del Salón de los Rechazados. 1 En 1868 Besnard fue expositor en el Salón de París. Una estancia en Londres desde 1879 hasta 1881, donde estudió la tradición del retrato británico y JMW Turner, resultó muy influyente en su obra. A su regreso a París recibió una serie de encargos de retratos de los miembros prominentes de la Tercera República de Francia.

Madame Roger Jourdain fue el trabajo del stand-out del Salón de 1886. Aquí Besnard combinado ortodoxas tradiciones académicas con los elementos más flexibles pictóricas del impresionismo, creando lo que llamó un 'medio ambiente' retrato. Al rechazar la idealización y el naturalismo concentrado, Besnard centró en cambio en los alrededores, que se cree que reflejan su personalidad y "las niñeras expresar su relación con el mundo en que viven".  Besnard captura la elegancia vestida la sociedad anfitriona Enriqueta Roger Jourdain (m. 1928) en una descarada-como todo agraciado plantean el uso de dos fuentes de luz para crear una atmósfera teatral de la figura aparece iluminada por la luna azul brumoso, mientras que la cara y el vestido se iluminan con un brillo blanco-amarillento de una fuente artificial.

A pesar de la pincelada más suelta Besnard y el tratamiento del color y la luz, los impresionistas negó cualquier afiliación con él, alegando que él había robado, simplemente los elementos superficiales de su estilo. Degas ridiculizó los intentos Besnard, diciendo: 'sí, sí, él vuela con nuestras propias alas, [pero] ... él es un hombre que trata de bailar con suelas de plomo ".  Los simbolistas, sin embargo, abrazó la fusión Besnard de estilos-en particular, su uso de color para indicar el estado de ánimo con Teodor de Wyzewa elogia Madame Roger Jourdain como una "sinfonía de azules y blancos". 
Enriqueta y su marido artista José vivió en el Boulevard de París Berthier, rodeado de artistas, escritores y compositores, entre ellos Besnard. Ella se convirtió en una musa para muchos.

El Salón anual era el equivalente del siglo XIX de los tabloides de hoy. El público se apresuraron a ver retratos de los rostros famosos de la época, y Enriqueta era una de estas figuras. A lo largo de su vida, las denuncias escandalosas tenaz ella, muchos amantes, una adicción a la morfina, y finalmente la muerte por una sobredosis de pastillas para dormir.


Maribel Alonso Perez
02 junio 2012