Pintor Robert Campin 1375-1444 Francia

               Retrato por Robert Campin Oleo del siglo 15 estilo flamenco pintado por Campin.


Pintor flamenco. Existen muchas dudas en lo relativo a la identidad y la trayectoria de este pintor, pese a lo cual es unánime el reconocimiento de la importancia de su figura, a la que se atribuye, junto con Jan van Eyck, la creación del estilo flamenco. En la actualidad se tiende a identificarlo con el maestro de Flémalle y el maestro de Mérode, dadas las similitudes estilísticas de las obras agrupadas bajo estos nombres convencionales con las de Jacques Daret y Rogier van der Weyden, que consta que se formaron con Robert Campin.

En la obra de éste, el decorativismo del gótico internacional deja paso a un detallismo y un naturalismo aplicados a escenas religiosas protagonizadas por figuras de gran fuerza volumétrica e intensidad dramática. Su obra más famosa es el retablo de Mérode.

El tríptico de la Anunciación («Tríptico de Mérode»)

Panel • Gótico

64,5 cm × 117 cm

1425-1430

Este retablo está imbuido de la amorosa atención al detalle y el espíritu del materialismo burgués fue un encargo para uso privado. La Anunciación ocupa la tabla central. El arcángel Gabriel está mostrado acercándose a María, que está sentada leyendo. Ella está representada en un interior acomodado de clase media falmenca.

Aunque deudor de muchos de los maestros contemporáneos de iluminación de manuscritos, Campin mostró mayores poderes de observación realistas que ningún otro pintor antes que él. Fue uno de los primeros artistas que experimentaron con la reintroducción de colores aglutinados con aceite, (pintura al óleo), en lugar de pintar con témpera al huevo, para conseguir de esta manera la brillantez de colorido típica de este periodo. Campin usó la nueva técnica para presentar personajes rotundos y fuertes, modelando la luz y la sombra en composiciones de complejas perspectivas.

Retrato de un hombre. Temple sobre tabla, National Gallery, Londres


Contribuyó de forma decisiva a revolucionar la pintura de su tiempo, perfeccionando el uso del óleo con importantes consecuencias sobre el resultado final, con un colorido de gran brillantez y obteniendo extraordinarios efectos con las veladuras. Su realismo tendrá una gran influencia en los artistas de la generación siguiente, una de las más importantes de la pintura flamenca. Influido por la Escuela de Dijon, su estilo es sobrio, compuesto por imágenes cotidianas con una renovación iconográfica importante.

Pintó una serie de retratos (entre los cuales dos están en la National Gallery de Londres), con las figuras en tres cuartos, y las caras ocupando la parte fundamental del cuadro; se consideran los primeros en representar a la burguesía y personajes notables locales, testigos "de la irrupción del individuo" en el Renacimiento.

Los historiadores del arte han estado siempre ansiosos por encontrar el principio del renacimiento nórdico y atribuirlo a un artista en particular. Durante mucho tiempo se aceptó que Jan van Eyck fue el primer pintor que se apartó de las convenciones del arte gótico.

Retrato de un hombre robusto. Robert de Masmines (?) Fecha:c. 1425

El único retablo documentado de Daret muestra marcadas similitudes con las obras del Maestro de Flémalle, lo mismo que las primeras obras de Rogier. Por lo tanto, es tentador asumir que tanto Daret como Rogier fueron discípulos del Maestro de Flémalle, esto es, Robert Campin. Otra posibilidad, sin embargo, es que los retablos de Flémalle estuvieran pintados por el propio Rogier en su etapa juvenil.

Maribel Alonso Perez

23 agosto 2011

Charles Demuth Lancaster, 1883-1935

                                          Autorretrato de Charles Demuth (1907).

Nacimiento : 8 de noviembre de 1883
Lancaster (Pensilvania)
Fallecimiento: 23 de octubre de 1935
Área: Pintura


Fue un pintor estadounidense. Aunque inicialmente se dedicó a las acuarelas, posteriormente se inclinó por los óleos. Formó parte del movimiento precisionista.
Demuth residió en Lancaster durante la mayor parte de su vida. La casa que compartía con su madre es un museo de su obra actualmente.

Demuth se graduó de la Franklin & Marshall Academy antes de estudiar en la Drexel University y en la Pennsylvania Academy of the Fine Arts (PAFA). Mientras estudiaba en la PAFA, conoció a William Carlos Williams, con quien mantuvo una amistad por el resto de su vida.
Demuth también estudió en la Académie Colarossi y la Académie Julian en París, en donde formó parte de la escena vanguardista.

                    El cantor de Jazz (1916).

Mientras estaba en París, Demuth conoció al pintor Marsden Hartley quien lo invitó a formar parte de un grupo de amigos artistas estadounidenses. A través de Hartley, Demuth conoció a Alfred Stieglitz. En 1926, Demuth tuvo una exposición individual en las Anderson Galleries en Nueva York, administradas por Stieglitz.

Su pintura más famosa, I Saw the Figure Five in Gold, fue inspirada por el poema de William Carlos Williams The Great Figure. Esta fue la primera de nueve pinturas que Demuth creó en honor a sus amigos artistas. Las otras ocho pinturas fueron inspiradas por Georgia O'Keeffe, Arthur Garfield Dove, Charles Duncan, Marsden Hartley, John Marin, Gertrude Stein, Eugene O'Neill y Wallace Stevens.

         Los árboles y los graneros las Bermudas (1917)

En 1927, Demuth inició una serie de siete pinturas que mostraban fábricas de Lancaster. En 1933 terminó la última pintura de la serie, After All. Demuth murió dos años más tarde en Lancaster. Seis de estas pinturas formaron parte de la exhibición Chimneys and Towers: Charles Demuth’s Late Paintings of Lancaster en una retrospectiva del trabajo de Demuth en el Amon Carter Museum en 2007.

Demuth sufrió una lesión en la cadera cuanto tenía cuatro años que lo dejó cojo y lo obligó a usar un bastón por el resto de su vida. Posteriormente, desarrolló diabetes y fue uno de los primeros pacientes en los Estados Unidos en recibir insulina. Demuth murió en Lancaster a los 51 años debido a complicaciones de la diabetes.

Demuth era homosexual y la temática homoerótica se refleja en varias de sus obras, en especial las que describen escenas en baños públicos y otras en las que aparecen marineros en actitudes eróticas.

                      Laprimula 1919

Maribel Alonso Perez
23 agosto 2011

Vertumno y Pomona 1637-1640 Caesar van Everdingen

                          Óleo sobre tabla. 47 x 38 cm

El encuentro entre los protagonistas tiene lugar en el jardín de Pomona, que aparece desnuda, sentada de espaldas, sosteniendo uno de sus atributos, el cuchillo curvo de poda. A su lado, en el suelo, Vertumno con una vara, disfrazado de anciana; a los pies de la diosa, Everdingen ha colocado un hermoso bodegón de frutas.

El dios romano Vertumno, protector de los árboles frutales y responsable del cambio estacional, se enamoró de la diosa Pomona, bienhechora de frutos y flores pero insensible a las delicias del amor, motivo por el que había cercado su jardín para impedir la entrada de todos los hombres que pudieran cautivarla.

Para acceder al recinto y poder seducir a Pomona, el dios Vertumno se disfrazó de mujer. La escena se completa a la izquierda con el busto de un sátiro que simboliza el deseo sexual. El tema, como apuntó Janssen, fue popular entre los artistas de Haarlem, que se inspiraron para la interpretación del asunto en un grabado de Jan Saenredam.

Siguiendo a este historiador, la figura de Pomona, sentada de espaldas al espectador, fue utilizada por Everdingen en otras composiciones. Esta tabla ha sido fechado por Huys Janssen entre 1637 y 1640, en una etapa temprana dentro de la producción del artista. La historia que representa está tomada del libro XIV de Las Metamorfosis de Ovidio, relato al que Everdingen se ajusta.

Maribel Alonso Perez

23 agosto 2011

Malvarrosas 1912-1913, Frederick Carl Frieseke

                                  Óleo sobre lienzo. Medidas: 80,7 x 80,7 cm

El tema de la mujer monumental y elegante portando una sombrilla aparece con frecuencia en las obras de Monet y de Renoir de las décadas de 1870 y 1880, y en la producción de Frieseke entre 1909 y 1915. Aunque el pintor solía hablar con desdén de las convenciones, sus figuras femeninas de cuerpo entero y sus desnudos de mujer recuerdan los de Renoir -al que consideraba como «jefe de los impresionistas»- y mentalmente también las asociaba con las de otros artistas que rindieron homenaje a la gracia femenina, entre ellos Botticelli, Tiziano y Watteau. En esta composición, la figura de la mujer, situada en posición central y para la que probablemente posó la esposa del artista, se articula en forma de masa suave y continua.

Frieseke ha enmarcado su silueta curvilínea sobre una trama vertical y horizontal de flores y senderos y su solidez contrasta con un decorativo fondo creado a base de pequeñas y deslumbrantes pinceladas. En el método del artista, el dibujo desempeña un papel fundamental. Mediante un tratamiento simétrico del lienzo cuadrado, subraya la calidad plana y decorativa de la superficie y deja que la figura flote sobre ella. La composición gira en torno a la sólida figura femenina colocada en el centro

Frieseke admitió abiertamente que este planteamiento de la naturaleza era selectivo. Aunque seguía los dictados del «Impresionismo puro» que Monet estableció en la década de 1870, también se esforzó por plasmar de la forma más espontánea posible sus sentimientos frente a la naturaleza, tratando de observar los fugaces efectos de la luz y del color desde una perspectiva científica. Muy aficionado a la experimentación impresionista, pintó al aire libre y del natural, tratando de captar efectos nuevos y accidentales.

En Malvarrosas Frieseke transmite el calor y la luz de una tarde de verano, acentuando los contrastes entre las pinceladas de color negro, azul muy saturado y verde con los amarillos puros y los intensos rosas y malvas. Consigue algo así como un tour de force técnico con el efecto de las formas iluminadas desde atrás, lo que acentúa la sensación de luz de última hora de la tarde.

Al llamar la atención del espectador sobre los extraños juegos de luz, Frieseke pone de manifiesto su fascinación por la fugacidad de la naturaleza. Con los contornos de la mujer bañados en un suave fulgor y la luz que penetra por la translúcida tela de la sombrilla japonesa y el delicado tejido de los pétalos, el tratamiento que el artista da a la luz se pone principalmente al servicio de su constante fascinación ante los misterios privados del mundo femenino.



Maribel Alonso Perez
22 agosto 2011

William Merritt Chase 1849- 1916 Nueva York

                                          Autorretrato (1915)

William Merritt Chase (Williamsburg, ahora Nineveh, Indiana, 1 de noviembre de 1849 – Nueva York 25 de octubre, de 1916) pintor y maestro impresionista estadounidense
Nació en el seno de una familia de marchantes locales. Su padre se trasladó a Indianápolis en 1861 y lo contrató como vendedor en el negocio familiar. Mostró una gran interés por el arte ya de pequeño y estudió con los artistas autodidactas Barton S. Hays y Jacob Cox.

Tras una breve estancia en la marina, sus profesores lo instaron a que viajara a Nueva York para continuar su formación. Llegó allí en 1869 y estudió primero durante poco tiempo con Joseph Oriel Eaton y más tarde ingresó en la National Academy of Design con Lemuel Wilmarth, pupilo del famoso artista francés Jean-Léon Gérôme.

                                                           
                                                            Retrato de una dama (1890)

Persiguen la obtención de agua de una Venecia un 1877 y Duveneck Con John Henry Twachtman Nantes Regresar a los estados unidos uno en El Verano de 1878. Para un ESTADOS Unidos, Su expuso Prepárese para el paseo (la colección de la Union League Club) CON Recién formada la Society of American Artists , una 1878 . Also de la ONU abrió un taller York Nueva sin un Edificio de la calle décima.
Tras. su regreso a Nueva York en 1878, Chase comenzó a dar clases en la Art Students League. Algo más tarde también colaboraría como profesor en la Brooklyn Art Association, la Pennsylvania Academy of the Fine Arts y la New York School of Art, de la que fue fundador. Su fama creció entre los estudiantes y llegó a convertirse en el profesor más aclamado de su tiempo.

Paralelamente, Chase continuó activo como pintor. Participó en la formación de la Society of American Artists, que se alzó contra la rígida autoridad de la National Academy of Design, y se convirtió en su presidente en 1880.

En 1886 se casó con Alice Gerson. El nacimiento de sus nueve hijos haría que, poco a poco, sus temas fuesen variando hacia escenas domésticas, con representaciones de su propia familia o de los parques cercanos a Nueva York.

                                         A Long Lake Island (c. 1890)

A pesar de que en estas escenas se observaba ya un interés creciente por los efectos lumínicos, fue en la década de 1890 cuando su vinculación con la estética impresionista francesa se hizo más evidente. En esos años Chase creó la Shinnecock Summer School of Art. En esta localidad costera del estado de Nueva York Chase comenzaría a pintar del natural cada vez con más frecuencia.


Se casó con Alice Gerson en 1886 con quien tuvo ocho hijos durante su apogeo artístico.
En Nueva York, Chase se hizo conocido por la excentricidad de su ropa y sus maneras. En la calle décima, se había mudado al antiguo taller de Albert Bierstadt y lo había decorado como si fuese una extensión de su propio arte, lo llenó de lujosos muebles, objetos decorativos, aves disecadas, alfombras orientales e instrumentos musicales exóticos.

El estudio servía de punto de encuentro de la alta sociedad neoyorquina de finales del siglo XIX, pero su mantenimiento era muy costoso y se lo desahuciaron junto con sus otras residencias en 1895.

    Gravesend Bay (c. 1888)

Además de pintor, le interesaba mucho la docencia y abrió la Shinnecock Hills Summer School al oeste de Long Island, Nueva York en 1891, donde ejerció de profesor hasta 1902 y gustaba de enseñar en exteriores. También abrió la Chase School of Art en 1896, que se convirtió en la New York School of Art dos años más tarde y donde fue profesor hasta 1907.

Maribel Alonso Perez
22 agosto 2011

Quappi con suéter rosa 1932-1934, Max Beckmann

                                             Óleo sobre lienzo. 105 x 73 cm

La pintura de Beckmann en esa época no disimula una cierta influencia francesa, fruto de sus constantes visitas a París. La decoración plana y esquemática del fondo y su manera de integrarse con la imagen de Quappi nos remiten a modelos de Matisse. Por otra parte, el retrato está pintado con una técnica rápida, como si quisiera captar un momento de inspiración. Beckmann está más interesado en plasmar las líneas básicas de la composición que en representar minuciosamente los detalles.

Hace un esbozo con sus característicos contornos gruesos de color negro, y posteriormente va aplicando las distintas capas de color. En las composiciones de Beckmann, el negro tiene un gran protagonismo. No sólo delimita los contornos, sino que también aparece en grandes áreas, como en la franja vertical de la izquierda del cuadro que agudiza la verticalidad de la figura, al tiempo que su intenso negro dirige nuestra mirada hacia unas profundidades ambiguas y desconocidas.

Quappi con suéter rosa es uno de los múltiples retratos de su mujer, Mathilde von Kaulbach (1904-1986), llamada familiarmente Quappi. Hija del pintor alemán Friedrich August von Kaulbach, se convirtió en 1925 en la segunda mujer de Max Beckmann y su fiel compañera hasta su muerte. El pintor la retrató en numerosas ocasiones, mostrándola como representante de ese nuevo tipo de mujer decidida, moderna y segura de sí misma, que aparece con frecuencia en otras obras.

A través del testimonio de Stephan Lackner, el primer propietario del retrato y un buen amigo de Beckmann, sabemos que en la primera versión, Quappi tenía una sonrisa más amplia. No en vano, en el intervalo que había transcurrido entre las dos sesiones, la vida de los Beckmann había sufrido una fuerte transformación. Los nazis habían obligado al pintor a abandonar su cargo de profesor de la academia de Frankfurt y la pareja vivía clandestinamente en Berlín, intentando pasar desapercibida.

Quappi está representada de frente, sentada en una butaca azul con las piernas cruzadas. La joven posa elegantemente, en una actitud muy sensual, con un cigarrillo entre los dedos y ese aire indefinido de superioridad, tan moderno, que en ocasiones llevó a titular equivocadamente el cuadro como La americana. La propia Quappi ha relatado que la mayoría de sus retratos habían sido concebidos para resaltar alguna de sus prendas de vestir:

Quappi de azul sobre la barca (1926-1950) Quappi, con una pelliza blanca (1937), Quappi de azul y gris (1944)Quappi, con camiseta verde (1946). Esa fijación por las vestimentas de su mujer estaba motivada, según sus palabras, por el intento de «captar la magia de la realidad y transformarla en pintura». En esta ocasión está vestida con un llamativo jersey rosa de pico, a juego con un bonete del mismo color, que ella misma acababa de comprarse en Frankfurt.


Maribel Alosno Perez
21 agosto 2011

Nicolae Grigorescu 1838 - 1907 Pintor Rumano

Nacimiento
5 de mayo de 1838
Pitaru, Dâmboviţa, Rumania Fallecimiento
21 de julio de 1907 (69 años)
Câmpina Nacionalidad  Rumania
Ocupación Pintor postimpresionista


Nicolae Grigorescu fue el sexto niño de la familia de Ion y Maria Grigorescu. En 1843 su padre muere y su familia decide mudarse a Bucarest. Después de un breve periodo de aprendizaje en el taller del pintor checo Anton Chladek, realiza pinturas en las iglesias de Băicoi y en el monasterio de Căldăruşani.

En 1856 realiza la obra Mihai scăpând stindardul que representa al señor Barbu Ştirbei
En 1856-1957 realiza la pintura del monasterio Zamfira en el distrito de Prahova y hasta en 1861 realiza la pintura del monasterio Agapia donde esta remarcado por Mihail Kogălniceanu y recibe una beca en París.

En el otoño de 1861 se va a París donde entra a L'ecole de belle arte y asiste a clases en el taller del pintor Sebastien Cornu, siendo compañero de Renoir.

A poco tiempo se va a asistir a clases a Barbizon y a vivir allí. Hasta en 1877 cuando va como pintor de guerra participa a varios exposiciones en París, Roma, Napoli, Pompei, Grecia, Viena.

Entre 1879 y 1890 trabaja en sus talleres de Bretagne la Vitré y luego de París. Desde 1890 se va a vivir a Câmpina en el distrito de Prahova donde realiza muchas obras inspiradas de la vida rural,cuadros con campesinas,bueyes,caminos llenos de polvo.En 1899 esta nombrado miembro honorario de la Academia rumana.

El 21 de julio de 1907 moriría en su casa de Câmpina dejado su ultimo cuadro Întoarcerea de la bâlci sin acabar.

El escritor rumano Alexandru Vlăhuţă dijo de Nicolae Grigorescu: De la vida de Grigorescu cuentan sus obras. Una vida sencilla, callada, poderosa, dedicada toda a su arte. Además de arte nada existe por él. Allí puso su profundo amor de la naturaleza, de sus joyas y sus misterios, maravillosas en cualquier lugar, pero en particular en su país y en el seno de su gente, allí el amor de bien, de verdad y de hermosura.

Me gusta mucho su famoso cuadro "Puesta de Sol en Barbizón" , que pintó cuando era muy joven, donde se vislumbra ya como el gran pintor que fué y donde se ve la influencia que tuvo en él su contacto con los pìntores que, en aquella época, se concentraban en París.

El colorido de los paisajes y el extraordinario manejo de la luz que en ellos hace Grigorescu es extraordinario.

Son admirables también sus lienzos en los que representa algunos episodios memorables de la contiendas de las provincias danubianas contra la dominación turca. -en las que sé que participó-, cuyo ejemplo más relevante es el que pinta sobre el ataque a Smardân.

Algunos de sus cuadros me recuerdan a Goya y Millet -y aún a Rembrandt-, sin que con ésto diga que Grigorescu sea imitador de ellos.


Maribel Alonso Perez
21 agosto 2011