Viento del Mar 1997 Edward Gordon 1940

Viento Del Mar

Una habitación y una ventana por la que entran la luz y el viento y desde la que se divisa el mar al fondo.

Colgado de la pared el cuadro de Johannes Vermeer, “El astrónomo” en el que se ve al sabio en su habitación, delante de la ventana, iluminado por la luz que penetra por ella. El astrónomo también tiene un cuadro colgado de la pared. Un mapa náutico.

Dos épocas, dos vidas, dos habitaciones, la luz, el sol, el mar.....

Edward Gordon nació en Ocean City, Nueva Jersey en 1940 y recibió un BA de la Universidad de Rutgers.

En los últimos 20 años ha recibido numerosos honores y premios que incluyen: Cubierta de arte y la función del articulo en la Revista del artista , 07 2003 y ganador de la revista Artistas, mayo 1995 la competencia de cubierta. Cubra el arte y la difusión del centro, la revista yanqui, de marzo de 2000 y marzo de 2001.
El trabajo de Edward aparece en el 2001 Enciclopedia Ilustrada del artista. También ganó el primer premio en la división horizontal de la competencia Revista de arte Artistas de 1993, y finalista en el 1994 para las Artes de la competencia de Parques.


Salon


Edward fue nombrado Pintor del Año en 1997/98 de la revista Choice Awards Spotlight del lector en Portsmouth, NM. Trabajo de Gordon también ha aparecido en noviembre de 1983 la revista American Artist, el libro de 1996 del Norte de luz, Animar pinturas con luz, el libro de 1996 del Norte de luz, materiales artisticas, y enero, 1997.
En 1997, el Sr. Gordon comenzó a publicar sus propias impresiones Giclée. En la actualidad, ha publicado 30 giclée ediciones, de las cuales 13 están ya agotadas! Sus pinturas y grabados están incluidas en colecciones públicas y privadas de América del Norte y Europa.


Edward logra una precisión completa y esmerada en su representación de texturas, colores y formas. Al igual que la fotografía que él deliberadamente se suavizan los contrastes fuertes de la imagen sin menoscabo de sus formas. Se suaviza el dibujo acotado con tal perfección que es imposible de detectar en sus dibujos.


Edward crea una belleza tranquila de una escena simple con nuevos ojos dando al espectador una idea de lo que sintió al ver a la inundación de luz a través de las ventanas y las sombras y los colores emitidos por los objetos en los interiores.
Debido a la increíble precisión y detalle que figura en cada una de las pinturas de Edward, que es capaz de producir de 4 a 6 imágenes por año.



Musica Sala III


Él es un consumado dibujante, con un ojo que representa a sus temas. Su soledad evoca todos los sentidos: el olor y los sonidos del océano, el tacto de los objetos, con puertas y ventanas que se abren a un incesante oportunidades.
"Mi meta es hacer pinturas realistas, por lo que los espectadores se dibujan en el espacio imaginario y participación en la sensación de paz que tratar de incorporar en cada obra.



Solsticio de


Disfruto de las sutilezas de la reflexión de la luz, combinados con detalles arquitectónicos que se ubica entre el realismo y el el surrealismo. Hay algo místico pero serena a la luz tranquila se encuentra en los espacios interiores que se presentan en armonía con el efecto luminiscente en el cielo. "

Still Waters
       


Maribel Alonso Perez
26 julio 2012

El Rabino con el Gato 1912 Natalia Goncharova

Rabino con el gato
Oleo sobre linzo 100.2 x 92 cm.


A pesar de su estancia fuera de su país natal, Goncharova nunca olvidaría sus raices y sus vivencias, algo que también le pasó a su compañero Larionov y que quedó reflejado en muchas de las obras de ambos.



Seguramente, una de esas vivencias que a ella la afectarían siendo una niña, serían los sucesivos "pogroms" o persecuciones que los judíos sufrieron en la rusia zarista desde 1881, año en que es asesinado el zar Alejandro II atribuyéndose su muerte a los judíos, hasta 1892 en que son expulsados de Moscú recrudeciéndose posteriormente estas persecuciones durante las dos primeras décadas del siglo XX.



En este cuadro, de clara influencia fauvista, Goncharova pinta a un rabino acariciando a un gato mientras unos hombres salen con unos sacos cargados a sus espaldas. Seguramente, la escena corresponde a uno de esos "pogrom" en el que unos judíos abandonan apresuradamente sus hogares llevándose sus pertenencias mientras el rabino acaricia a su gato por última vez antes de marchar él también. La mano de Dios aparece por la esquina superior izquierda.



El cuadro pretende ser un recuerdo y un mensaje sobre el sufrimiento y la intolerancia religiosa que ella percibiría y que plasmó en 1912.


Natalia Sergeevna Goncharovawas un ruso artista de vanguardia (cubo-futurismo), pintor, diseñador de vestuario, escritor, ilustrador y escenógrafo. Su tía abuela fue Natalia Pushkina, esposa del poeta Alexander Pushkin.


Natalia Goncharova nació en la aldea de Nagaevo cerca de Tula, Rusia en 1881. Estudió escultura en la Academia de Arte de Moscú, pero volvió a la pintura en 1904. Ella se inspiró profundamente por los aspectos primitivos del arte popular ruso y trató de emular en su propio trabajo, mientras que la incorporación de elementos del fauvismo y el cubismo. Junto con su esposo Mijail Larionov se desarrolló por primera vez Rayonismo. Ellos fueron los progenitores de los principales de la exposición de la cola antes de la revolución rusa de vanguardia la organización de la burra de 1912 y que muestra con el grupo Der Blaue Reiter, en Munich el mismo año.


La cola del burro fue concebido como una ruptura deliberada de la influencia del arte europeo y el establecimiento de una escuela independiente rusa de arte moderno. Sin embargo, la influencia del futurismo ruso es mucho más evidente en las pinturas posteriores de Goncharova. Inicialmente preocupada con la pintura de iconos, y el primitivismo de origen étnico ruso arte popular, Goncharova se hizo famoso en Rusia por su trabajo futurista como el ciclista y sus obras Rayonist posteriores. Como líderes de los futuristas de Moscú, organizaron veladas provocadoras de conferencias en la misma línea que sus homólogos italianos. Goncharova también fue involucrado con el diseño gráfico - escribir e ilustrar un libro de estilo futurista.


Goncharova fue miembro del grupo Der Blaue Reiter grupo de vanguardia desde su fundación en 1911. En 1915, comenzó a diseñar trajes de ballet y conjuntos en Ginebra. Sus diseños para la Liturgia de ballet: Seis alas Serafín, Ángel, San Andrés, San Marcos, etc Natividad se iniciaron en 1915. La liturgia fue encargado por Diaghilev con Goncharova, Léonide Massine e Igor Stravinsky. Se mudó a París en 1921 donde diseñó una serie de escenografías de los Ballets Rusos, Sergei Diaghilev. También muestra en el Salon d'Automne en 1921, y participa con regularidad en el Salon des Tuileries y el Salon des Indépendants. Ella se convirtió en un ciudadano francés en 1939.


Maribel Alonso Perez
25 julio 2012

Giovanna Tornabuoni 1489-1490 - Domenico Bigordi (Ghirlandaio

Retrato de Giovanna Tornabuoni

Fecha: 1489-1490

Técnica: Técnica mixta sobre tabla .
Medidas: 77 x 49 cm
Ubicación: Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid


Este panel de lujo es un buen ejemplo de los retratos del siglo XV florentino. Artistas de la época siguió los dictados clásicos: las proporciones del cuerpo se idealiza, mientras que las caras quedan desprovistos de expresión se espera transmitir carácter. En este retrato de medio cuerpo, la modelo aparece de perfil estricto, con los brazos doblados y las manos entrelazadas. En el fondo, una selección de objetos personales aparece dentro de un marco arquitectónico simple. El cartellino a la derecha lleva parte de un epigrama de Marcial y la fecha de su muerte, en números romanos. El modelo ha sido identificado como Giovanna Tornabuoni, sobre la base de un medallón de Niccolò Fiorentino mostrando su imagen y su nombre. Ella también se retrata de cuerpo entero en la Visitación fresco pintado por Ghirlandaio para la capilla Tornabuoni en la iglesia de Santa Maria Novella (Florencia).
Ghirlandaio comenzó su carrera como orfebre. Según Vasari: "de la costumbre de dibujar constantemente, [que] adquiere una gran agilidad, habilidad y destreza, por lo que muchos dicen que mientras que él era lento como un orfebre, cuando pintó la gente del campo o cualquier persona que pasaron por su estudio, inmediatamente capturado su imagen ". Vasari también señaló que, "esto está demostrado por innumerables retratos de su mano en la que se ve una verosimilitud sorprendente". Encontramos referencias de Vasari en su texto a la habilidad de Ghirlandaio en este género pictórico.

Giovanna Tornabuoni es uno de los retratos más atractivos y fascinantes de la colección Thyssen-Bornemisza. Esta bella imagen está sobre un fondo con un nicho que contiene varios objetos que se refieren a los gustos refinados del que está sentado y el carácter. La joya del dragón, dos perlas y un rubí, que forma un conjunto con el pendiente que cuelga de un cordón de seda alrededor de su cuello, se refiere a su vida pública. Este broche de dragón se equilibra en el otro lado por el libro de oraciones y collar de cuentas de coral que se ha identificado como un rosario, ambos de los que se destaca su piedad y su vida interior. Entre ellos es un cartellino con parte de un epigrama de Marcial (XXXII) titulado A un retrato de Antonio Primo y la fecha debajo. Dice así: "El arte, si tan sólo pudiera reproducir el carácter y el espíritu. No habría ningún retrato más fino del mundo ".

Esta imagen es un ejemplo clásico de la Florencia del Quattrocento retrato en el que la modelo posa de pie, de perfil estricto y bustlength con los brazos en reposo y se unió a las manos. En la cara y el cuerpo de las características y proporciones son idealizada. En el presente ejemplo, esto es evidente tanto en las líneas que crean el cuello delgado y la forma del cuerpo y en las características inexpresivos y perfecta. Al igual que en otros retratos de esta época, el ideal de belleza se utiliza para describir Giovanna Tornabuoni está basada en los principios teóricos y ejemplos tomados de la antigüedad clásica, que los artistas de esta fecha se combinan después con las características individuales de la modelo en particular.

La identidad del retratado fue establecido a través de las medallas de ella, como la que se atribuye al grabador Niccolò Fiorentino en la National Gallery of Art de Washington, en el que Giovanna se representa de perfil con una joya en el cuello y una inscripción con su nombre. La medalla fue comisionado posiblemente en relación con su matrimonio. Ghirlandaio también le representa en uno de los frescos de la serie ejecutadas en el presbiterio de Santa Maria Novella, encargado por el padre de Juana-en-ley y pintado por Ghirlandaio entre 1486 y 1490. En estos frescos Giovanna ocupa un lugar importante en el episodio de la Visitación . Situado a la derecha de la composición, que está a la cabeza de una línea de tres cifras. Aunque se muestra de cuerpo entero, su pose, la vestimenta y los accesorios son los mismos que en el panel actual.

Giovanna degli Albizzi se casó con Lorenzo Tornabuoni el 15 de junio 1486. Nacido el 18 de diciembre de 1468, murió dos años más tarde, el 7 de octubre de 1488, durante el parto. Para Jan Lauts el retrato actual es anterior a la aire libre en Santa Maria Novella y pudo haber sido el modello para ese trabajo. John Pope-Hennessy, sin embargo, consideró que era más tardar el fresco y ser un retrato póstumo en el que la fecha de la cartellino es el de la muerte de Giovanna.

La pintura, que se encontraba entre las posesiones de la familia Tornabuoni en su palacio en Florencia, entró en la propiedad de la familia Pandolfini en el siglo 17. Más tarde fue en la colección del barón Achille Seillière y la princesa de Sagan. En 1878 se registró en Brighton en la colección de Henry Willet, de donde pasó a la de Rodolphe Kann. Adquirida por J. Pierpont Morgan en 1907, que entró en la colección Thyssen-Bornemisza de la Morgan Library, Nueva York, en 1935While. fue en la Pierpont Morgan Library de una foto antigua de la Sala de West tomadas antes de 1913 muestra el panel en su marco actual, que aparece en un caballete en un lado de la sala rodeado de otras obras de la colección.


Maribel Alonso Perez
23 julio 2012

La Violación 1869 Esgar Degas

La violación, Interior
Autor:Edgar Hilaire Degas
Fecha:1868-69
Museo:Museo de Arte de Filadelfia
Características:81 x 116 cm
ArteHistoria


Acostumbrados como estamos a las delicadas imágenes de ballet, carreras de caballos o representaciones de ópera, esta desconcertante escena pintada por Degas hacia 1868-69 resulta impactante. El lienzo permaneció durante más de cuarenta años en el taller del pintor y a él se refería como "mi pintura de género", pudiendo estar destinada al mercado inglés, un mercado en el que las temáticas de este tipo gozaban de una interesante acogida. Los especialistas han buscado referencias literarias para esta obra, refiriéndose a novelas de Zola o Duranty como fuente más directa. Se ha apuntado a "Therese Raquin" del primero, obra en la que Thérese y su amante asesinan al marido, relacionado esta composición con el capítulo en el que la nueva pareja pasan su primera noche de bodas, un año después del parricidio. Hofmann (1991) considera que no debemos buscar fuentes literarias para esta escena sino que estaríamos ante una "allégorie réelle".

En la zona derecha de la composición nos encontramos a un hombre de pie, en una desafiante postura, con las piernas separadas y una penetrante mirada que sugiere su estado de tensión. De espaldas, con la combinación blanca resbalando sobre su hombro izquierdo y posiblemente llorando, se halla la mujer, en una postura con la que parece esconder su vergüenza. Junto a la cama, tirado en el suelo, podemos observar un corsé, mientras que en la mesa reluce un collar junto a un costurero abierto. En estos objetos han querido ver los expertos el mensaje de la obra: cómo la joven ha vendido su honra por una joya pero en el momento de entregarla se ha arrepentido, apareciendo el miedo y la culpa, lo que la lleva a dar la espalda al hombre. Si éste es el tema de la escena enlazaría con los asuntos recogidos en algunos cuadros de los Pre-rafaelitas como Hunt o Rossetti, pinturas de género con grandes dosis de enigma a las que tan aficionado era el público inglés.

Degas representa la escena en un reducido espacio, consiguiendo aportar una mayor carga emotiva y dramática al asunto. Las diagonales organizan la composición -la cama, la alfombra, incluso la mirada del hombre sobre la mujer- recordando las escenas de los maestros del Louvre a los que Degas admiraba. También encontramos curiosos contrastes como la cama intacta frente al desorden de las ropas; el espejo absorbiendo los reflejos que emite la chimenea; el hombre vestido y la mujer semidesnuda; las tonalidades oscuras de él y las claras de ella. Las tonalidades rojizas ocupan un papel determinante en el conjunto: las rosas que decoran la pared, simbolizando posiblemente la pasión; el rojo de la luz de la chimenea, el forro de seda de la maleta. Pero será la luz la auténtica protagonista, consiguiendo gracias a los efectos lumínicos aumentar la violencia de la escena, especialmente gracias a colocar al hombre en una zona de penumbra mientras que la mujer tiene la espalda iluminada por la lámpara que observamos en la mesa. Esta violencia lumínica y contextual ha sido la responsable del subtítulo de la obra: Violación, título que recibió en 1912 y que posiblemente no fuera el sugerido por Degas.

Maribel Alonso Perez 21 julio 2012

Almuerzo de remeros
Pierre-Auguste Renoir,
Año 1881
Óleo sobre lienzo 129,5 cm × 172,7 cm
• Impresionismo 
Colección Phillips, Washington DC, Estados Unidos


Almuerzo de remeros (1881, en francés: Le déjeuner des canotiers) es un cuadro del pintor impresionista francés Pierre-Auguste Renoir, que se conserva en la colección Phillips, en Washington DC

El cuadro muestra un grupo de amigos de Renoir descansando en una terraza de la Maison Fournaise sobre el río Sena en Chatou, Francia. El pintor y el mecenas, Gustave Caillebotte están sentados abajo a la derecha. En el fondo se vé a la futura esposa de Renoir, Aline Charigot, jugando con un pequeño perro.

En este cuadro Renoir capturó una gran cantidad de luz. Como se puede apreciar, la mayor cantidad de luz viene de la gran abertura en el balcón, atrás del hombre en camiseta y sombrero. Las camisetas de ambos hombres en el fondo y el mantel de mesa actúan en conjunto para reflejar esa luz y enviarla a través de toda la composición.

El cuadro tuvo un papel protagónico en la película "El fabuloso destino de Amélie Poulain" (2001) de Jean-Pierre Jeunet.

La obra está resuelta en un momento de plena madurez pictórica y es de una gran envergadura por la gran cantidad de personajes que aparecen en el cuadro, siendo muchos de ellos auténticos retratos. Esto unido al juego con la luz, la disposición de las figuras en la escena y la sensación de vida que se respira en el conjunto hacen de esta obra una de las más atractivas del pintor.

Las figuras presentan en general un gran detalle mientras que el paisaje del fondo está más abocetado. Se sitúan bajo un toldo que evita la entrada de la luz solar, provocando sombras coloreadas típicas del Impresionismo. Tras el toldo, en la parte superior izquierda, se aprecian los contornos del puente del ferrocarril que, construido tras la revolución industrial, permitía a los parisinos realizar escapadas los fines de semana a tranquilos parajes como el del cuadro.

 

Detalle del bodegón

Como los remeros y sus compañeras acaban de comer, sobre el mantel se reconocen un magnífico bodegón con los restos de la comida: botellas, frutas, platos, copas…, demostrando el pintor su facilidad para este género.

Gracias a los contrastes y armonías con colores complementarios, se consigue una gran luminosidad. Por ejemplo, se observan contrastes entre violeta y amarillo: vemos vestidos amarillos cuyas sombras son violetas y también vestidos azules que ganan luminosidad gracias a que sus luces son violetas y cerca hay un sombrero o una camisa amarilla.

 

Alfonsine Fournaise

El fondo es mayoritariamente verde y por eso tiene muy cerca un toldo rojo (complemento del verde), con muchos matices a otros colores cálidos, produciendo una luminosidad fantástica.

Podemos apreciar también las influencias de los colores entre elementos cercanos perfectamente pintadas por Renoir, como en el caso del sombrero de paja del señor Fournaise, su copa está roja influenciada por el toldo. Así mismo, el mantel en la esquina derecha de la mesa tiene todos los colores de lo que tiene cerca: el pantalón, la silla y la mano del personaje sentado.

La composición resuelta por grupos de triángulos reafirma la tranquilidad y serenidad que Renoir sabía transmitir en sus obras.
Linealmente hablando, se combinan las rectas del toldo, sus varillas de soporte y la barandilla, con las curvas de las figuras, tonel, sombreros, etc. consiguiendo un gran equilibrio.

Aline Charigot

En resumen, es una obra muy equilibrada tanto desde el punto de vista cromático como compositivo, con una gran luminosidad del color. Es una de las obras más importantes de Renoir, una verdadera obra maestra del Impresionismo y de la pintura en general.


Maribel Alonso Perez
19 julio 2012

Piccadilly Circus 1912 - Charles Ginner

Charles desmotadora 1878-1952

Piccadilly Circus
Año 1912
Pintura al óleo sobre lienzo
813 x 660 mm

Inscrita 'C. Desmotadora 'en la parte inferior derecha verde pintura de aceite, y las comunicaciones en los diversos vehículos y edificios.


Piccadilly Circus es una famosa plaza de Londres construida en 1819 para organizar el tráfico en la intersección entre Regent Street y Picadilly y en la que se colocó en 1893 la fuente en memoria del filántropo Shaftesbury así como la estatua de Eros.

Los anuncios luminosos por los que es famosa, comenzaron a instalarse en 1910 y la estación de metro de Picadilly Circus se inauguró en 1906 convirtiéndose la plaza progresivamente en un lugar tremendamente concurrido y con un tráfico caótico, fruto de la modernidad del Londres de primeros de siglo.

Charles Ginner fue un pintor perteneciente al colectivo de artistas ingleses postimpresionistas denominado "Camden Town Group", un colectivo integrado por 16 miembros liderados por el pintor Walter Sickert en cuyo estudio de Camden Town se solían reunir frecuentemente durante el periodo comprendido entre los años 1911 al 1913.

Cuando Charles Ginner pinta este cuadro en 1912, Piccadilly Circus es ya la zona más transitada de Londres y en él, intenta reflejar el caos y el trasiego de esta plaza en la que una vendedora de flores, situada en un extremo de la plaza, parece acorralada por el tráfico circulante así como empequeñecida al ser observada desde los asientos superiores de esos grandes autobuses rojos que anuncian en su carrocería los espectáculos musicales de éxito.

El foco central de este cuadro de Piccadilly Circus es una "chica Coster ', o una flor-vendedor, sentado en el centro de este famoso cruce de Londres. El silencio vendedor de flores contrasta con el ajetreo y el bullicio a su alrededor - la figura corriendo de la mujer elegantemente vestida, el taxi disparaba en el primer plano y los dos autobuses con sus juntas de rutas transitadas y anuncios

La obra de Charles Ginner así como toda la del "Camden Town Group" crea un retrato de gran parte del Londres anterior y contemporáneo a la Primera Guerra Mundial constituyendo un legado de gran interés histórico y artístico.

Esta obra se conserva en la Tate Britain, London, donde en el año 2008 tuvo lugar una importante retrospectiva de la obra del grupo.


Maribel Alonso Perez
16 julio 2012

Lydia en un tapiz telar 1881 - Mary Cassatt

Lydia Cassat fue la hermana mayor de la pintora impresionista estadounidense Mary Stevenson Cassatt.



Soltera, igual que Mary, cuando en 1874 su hermana se trasladó definitivamente a Paris decidida a hacerse un hueco en el grupo de los impresionistas Lydia decidió marchar con ella.



Juntas compartieron los momentos de aceptación de Mary por parte de los impresionistas franceses, sobre todo de Renoir y Degas, trabando este último una gran amistad con ambas y pasando Lydia a convertirse en la modelo habitual de su hermana que la retrataría en numerosos lienzos y en distintas situaciones.



En 1877 Lydia contrajo una grave insuficiencia renal que la llevaría a la muerte en 1882 pero, a pesar de la enfermedad que la fue minando, ella siguió posando para su hermana y se cuenta que, cuando pálida y debilitada por la enfermedad contemplaba los cuadros en que había quedado plasmada y transformada, decía: “Posar, después de todo, es estar de acuerdo con una forma de encantamiento.”



Este cuadro en que Mary Cassatt la pintó en 1881, bordando o tejiendo con un pequeño telar, fue el último en el que Lydia posó para su hermana falleciendo unos meses después.



La vida de Lydia fue novelada por la escritora Harriet Scott Chessman en su obra “Lydia Cassatt Reading the morning paper”, un titulo inspirado en el cuadro de ella, “Lydia reading"



"Lydia at a tapestry loom" se conserva en el Flint Institute of Arts, Flint, Michigan.



Maribel Alonso
13 julio 2012