Autor:Vincent Van Gogh
Fecha:1885
Museo:Fitzwilliam Museum
Características:64´8 x 86´4 cm.
Material:Oleo sobre lienzo
Estilo:Neo-Impresionismo
Desde el primer contacto con la Escuela de La Haya, Vincent
se sintió atraído por el paisaje, una temática que tratará a lo largo de
toda su vida. En el otoño de 1885 se sentirá especialmente sensible
hacia los lugares que rodean Nuenen, presintiendo la pronta partida
hacia Amberes y París. Las relaciones del joven pintor con los miembros
de la comunidad eran cada más tensas debido a varios sucesos en los que
Vincent estuvo indirectamente relacionado:
el intento de suicidio de una muchacha por no aceptar su
familia el amor hacia el artista y la acusación de embarazo a una joven
campesina que posó en varias ocasiones para él. Huyendo de la presión,
se traslada a las afueras tomando directamente del natural los bellos
colores del otoño en estos lienzos, donde encontramos la influencia de
la Escuela de La Haya e incluso el paisajismo realista holandés. Las
tonalidades anaranjadas dominan la composición, situándose Vincent en
las cercanías del estilo que le hará famoso.
Maribel Alonso Perez
30 octubre 2012
En el país del mar: Dolor, también llamado Las víctimas del mar: Dolor
Entre 1908 y 1909
Óleo sobre lienzo
Alt. 2,64; Anch. 3,45 m.
París, museo de Orsay
Comprado por el Estado en el Salón "des boursiers de voyage"
(de los becarios de viaje) de 1912, este relevante cuadro
indiferentemente titulado En el país del mar, dolor o Las Víctimas del
mar, es una de las numerosas variaciones que pintó Cottet para evocar la
dura condición de los marineros y de sus familias. Utilizando una
composición donde la geometría está extremadamente presente, transforma
su tema, la vuelta del cuerpo de un ahogado al puerto de la isla de
Sein, en un acontecimiento universal. Encontramos la sempiterna
renovación de la muerte de Cristo, llorada por cuatro mujeres con
intemporal indumentaria oscura, substitutos de la Virgen y de sus Santas
mujeres.
La referencia religiosa no se detiene en la alusión
evangélica. La disposición en friso de los personajes, también se
refiere a las esculturas de madera o de piedra de la época gótica,
cuando el fervor religioso era intenso. Si la emoción y el ostentatorio
dolor distinguen a las mujeres en el centro, la resignación parece
dominar la muchedumbre alrededor, mientras que el decorado del entorno,
imbricación de facetas de colores luminosos, evoca una eternidad
superior de lo que tan solo puede ser un breve pasaje por la tierra.
Maribel Alonso Perez
24 octubre 2012
Julie Manet también llamado La niña con el gato
Año 1887
Óleo sobre lienzo
Alt. 65; Anch. 54 cm.
Berthe Morisot y su marido Eugène Manet, hermano del pintor,
conocen a Renoir desde hace tiempo. Sus relaciones se intensifican y se
estrechan a lo largo de la segunda mitad de los años 1880. La admiración
por el talento del pintor y la amistad con el hombre hacen que los
Manet decidan encargar a Renoir en 1887 el retrato de su hija Julie.
Conocemos al menos cuatro dibujos que preparan el cuadro.
Variando poco la pose del modelo, pero renunciando a una presentación
más frontal, contemplada durante un tiempo, Renoir logra rápidamente
fijar la composición definitiva. Julie, convertida en la Sra. de Ernest
Rouart (1878-1966), recuerda las sesiones cuando posaba. Decía que
Renoir había pintado este retrato "por zonas pequeñas, lo que no solía
ser su manera de trabajar. Creo que era bastante parecido, pero cuando
lo vio, Degas gruñó: "A fuerza de hacer figuras redondas, Renoir acaba
por hacer floreros".
Cabe destacar que la evolución del estilo de Renoir,
caracterizada por una atención renovada por la línea y el dibujo,
añadida a una paleta con tonos acidulados, desconcierta a muchos de sus
próximos. Berthe Morisot, al contrario, se muestra particularmente
sensible al trabajo de Renoir en su periodo llamado "ingresco".
El retrato de Julie Manet constituye un magnífico ejemplar
de las investigaciones formales de Renoir en dicha época, en particular
por el aspecto muy acabado, casi esmaltado de la superficie pictórica.
Pero el cuadro también es un éxito por la tierna y sensible atención que
el pintor demuestra por su joven modelo.
Maribel Alonso Perez
18 octubre 2012
Autor:Maurice Denis
Fecha:1893
Museo:Museo de Orsay
Características:168 x 135 cm.
Material:Oleo sobre lienzo
Bajo los rasgos de mujeres con ropa contemporánea, Maurice
Denis actualiza el tema procedente de la mitología clásica, aquel de las
musas inspiradoras de las artes y las ciencias. Pero lo transforma
rotundamente. Las musas carecen de los atributos tradicionales que
permiten identificarlas.
Reconocemos, en el grupo de tres mujeres sentadas en el
primer plano, la figura de Marthe, con quien el pintor se casó, en junio
de 1893 y que inspirará su arte hasta su muerte. Siguiendo un proceso
muy preciado por el artista, está representada dos veces: de perfil en
rojo y de espaldas, en la silla. Maurice Denis ha situado la escena en
la terraza de Saint-Germain-en-Laye, ciudad donde residió toda su vida.
Los castaños centenarios sintonizan la composición y le proporcionan su
potencia decorativa.
La escansión de los troncos de árboles es el pretexto para
juegos de líneas verticales que contrastan con las curvas y los
arabescos
ornamentales de las ramas, de las hojas que cubren el
suelo, de los motivos y de los pliegues de los vestidos. El juego
gráfico de las líneas y de los entrelazos está intensificado por los
colores otoñales e irreales, aplicados en llano y silueteados. El
espacio, sin profundidad, es el de un "bosque sagrado", teatro de una
revelación y de una misteriosa comunicación de los personajes con la
naturaleza y con potencias supranaturales. Una enigmática décima musa en
el plano de fondo (cuando tan sólo son nueve tradicionalmente), con el
brazo levantado hacia la claridad del cielo, acude para convencernos.
Maribel Alonso Perez
16 octubre 2012
El mayordomo cantante es una pintura al óleo sobre lienzo hecha por artista escocés Jack Vettriano en 1992. Las reproducciones de El mayordomo cantante
, para venderse en carteles, tarjetas postales, tarjetas de
felicitación y otros objetos, tienen fama de hacer es una de las
pinturas más vendidos en el Reino Unido.
La pintura mide 28 pulgadas (710 mm) por 36 pulgadas (910
mm). Representa a una pareja bailando en la arena mojada de una playa en
la costa de Fife , con cielos grises por encima de un horizonte bajo. A
la izquierda y derecha, una doncella y un mayordomo sostener paraguas
contra el clima. Los bailarines usan vestido de noche : un esmoquin y un
rojo vestido de fiesta , la mujer también lleva guantes largos rojos
pero parece tener los pies descalzos. El mayordomo también formalmente
vestido, mientras la criada lleva un delantal blanco y garras de su
sombrero. La escena es una reminiscencia de principios del siglo 20,
pero bañado en una luz cálida California a pesar de la tormenta que se
acercaba.
Como un icono cultural contemporáneo, El mayordomo cantante ha sido comparado con Grant Wood 's American Gothic
. Vettriano ha descrito la pintura como una "fantasía inspiradora" y
elegimos el tema después de ser felicitado por sus pinturas de las
playas. Agregó que los funcionarios de equilibrar la composición. Su
trabajo ha sido ampliamente criticado por los críticos de arte, pero es
muy popular entre el público. El mayordomo cantante ha sido
criticada por su acabado irregular, iluminación inconsistente y
tratamiento de viento, y por la rara posición de los bailarines (la
"pose bailarines se invierte de un normal cerrado agarre de danza : por
lo general, con el principal líder , la mano izquierda del hombre que
tome la mano derecha de la mujer, y él pondría su mano derecha en la
cintura de la mujer mientras que ella sostiene su hombro con la mano
izquierda, si la mujer se lleva , su brazo derecho lo haría en torno a
la cintura del hombre).
La pintura original fue vendido en una subasta en agosto de
2003 por $ 90.000, y luego vendida a un coleccionista privado en abril
de 2004 por £ 744.500, un récord escocés en ese momento. Después de que
la pintura se vendió, se informó de que Vettriano había utilizado un
manual destinado a los artistas de referencia. Manual del Ilustrador figura de referencia
, como base para las cifras (la figura femenina en la obra de
referencia es la actriz Orla Brady ). Vettriano replica que Francis
Bacon tenía el mismo libro en su estudio, y decir que Picasso dijo que
algunos artistas prestado pero él robó.
Otra versión de la pintura, Dancer in Emerald , sólo
tiene tres cifras, la omisión de la limpieza, y la bailarina lleva un
vestido verde. Ambos fueron incluidos en la primera exposición de
Vettriano Londres, los Niños de Dios, en el Centro Comercial Galerías en
octubre de 1992. La pintura original de El mayordomo cantante se muestra en Aberdeen Art Gallery en febrero de 2012, la primera exposición pública durante 20 años.
Maribel Alonso Perez
11 octubre 2012
Campos, Rueil
Fecha: c. 1906-1907
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 55 x 65 cm
Úbicacion: Colección Carmen Thyssen-Bornemisza
El cuadro representa una vista del campo en Rueil. En primer
término tres árboles jóvenes y una línea de estacas, detrás sembrados
abiertos, al fondo una casa aislada que se recorta en el horizonte
contra un cielo gris
Vlaminck. vivía en Rueil desde finales de 1900 y compartía un
estudio con Derain en la isla de Chatou, situada en el Sena enfrente de
Rueil. El río proporcionaba a estas poblaciones, bastante cercanas a
París como para alentar excursiones cortas, un fácil atractivo popular.
Chatou y Rueil, junto con Argenteuil, Bougival, Le Pecq, etc,. formaban
parte de un territorio frecuentemente pintado por los impresionistas.
Chatou en particular había sido escenario del célebre cuadro El almuerzo de los remeros, pintado por Renoir en 1881 y conservado en la Phillips Collection.
Desde su participación en el Salon d'Automne de 1905 Vlaminck
y Derain ocupan un lugar destacado en el grupo informal conocido como
los fauves. En esos años Vlaminck participa en las principales
exposiciones del grupo, tanto en el Salon d'Automne y el Salon des
Indépendants, como en Bruselas (La Libre Esthétique), El Havre, etc.
Mientras los neoimpresionistas exponen en las galerías promotoras de
Impresionismo (especialmente Bernheim-Jeune), los fauves tratan
con galerías menos establecidas, como Berthe Weill, Druet y, sobre
todo, Vollard. En septiembre de 1905 Vollard tras haber hecho
operaciones parecidas otros artistas del grupo fauve, como
Derain o Manguin, compró el total del contenido del estudio de Vlaminck
por 6000. francos, incluyendo el derecho de opción para la obra futura.
Este contrato permitió a Vlaminck por primera vez dedicarse
exclusivamente a la pintura. A partir de 1906 Derain frecuenta cada vez
más a Matisse y Picasso, mientras Vlaminck comienza a quedar aislado. En
1907 publica su tercera novela, Almes des mannequins, y
Vollard organiza su primera exposición personal. A partir de finales de
año, siguiendo a Matisse, Picasso, Braque y Derain, Vlaminck se aproxima
al cézannismo y su paleta abandona los tonos brillantes por tonalidades
azules y terrosas. Es el fin de su período fauve
Campos,. Rueil, un cuadro no fechado que formó parte del fondo de Vollard, podría datarse por razones estilísticas en torno a 1906 ó 1907.
Su paleta, típicamente fauve, es similar a la de
otros paisajes de Chatou de 1905 ó 1906. Sin embargo, la pincelada es
menos dividida y comparada con la de los cuadros de 1905, tiende a
formar superficies unidas más amplias, separadas a veces por gruesas
líneas oscuras (sin llegar a formar un cloisonné sistemático
como el de los seguidores de Gauguin). Los troncos de los árboles del
primer término, con sus curvas gráciles y sus cambios de color,
recuerdan los de Braque en sus paisajes de L'Estaque de 1906. La fuerte
oblicuidad del espacio, con un punto de fuga a la derecha, es
característico de Vlaminck, así como el horizonte relativamente bajo (o,
más bien, normal, en comparación con los horizontes muy altos de
Derain, Braque y Matisse). Por lo demás la composición está fuertemente
construida, aprovechando y subrayando el ritmo vertical de los troncos
de árbol.
Maribel Alonso Perez
10 octubre 2012
Retrato de una mujer con un cigarrillo (Kiki de Montparnasse)
Fecha:c. 1922-1924
Técnica: Acuarela sobre papel.
Medidas: 49,5 x 35,4 cm
Úbicacion: Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
El pintor de origen holandés Kees van Dongen se trasladó a
vivir a París en 1897, donde, tras un corto periodo bajo la influencia
del impresionismo, se convertiría en uno de los componentes de la
bohemia de Montmartre y en uno de los protagonistas de la revolución fauve.
Sus inquietudes expresionistas le llevaron además a mantener contactos
con los alemanes de Die Brücke y a participar en algunas de sus
actividades y exposiciones.
Tras la Gran Guerra, Van Dongen se trasladaría a la rive gauche
y se convertiría en el retratista de moda de la sociedad de
Montparnasse . En la obra del Museo Thyssen-Bornemisza, la modelo
femenina, identificada generalmente como Kiki de Montparnasse , nos
muestra esa imagen de mujer sexualmente liberada y artísticamente dotada
que la convertiría en verdadero centro de los ambientes artísticos
parisienses. «Kiki», el nombre artístico de Alice Ernestine Prin
(1901-1953), fue durante los años veinte del pasado siglo la gran musa
de Montparnasse , compañera de Man Ray , amiga de Ernest Hemingway y
musa de los principales artistas de la denominada Escuela de París ,
como Gargallo , Moïse Kisling , Foujita , Soutine , Modigliani y Marc
Chagall , además de Van Dongen .
Aunque no existe la seguridad de que se trate de un retrato
suyo, su parecido con las fotografías que le hizo Man Ray convierte esta
hipótesis en casi certeza. Su aspecto moderno, con el pelo corto tan a
la moda y su actitud desenfadada, con el cigarrillo entre los labios,
mostrando una gran seguridad en sí misma, también responden a la imagen
de la modelo. Por otra parte, como ocurre en la mayoría de las obras del
pintor, su datación es problemática. Peter Vergo propone fecharla hacia
1922 o 1924 , por ser esos años cuando Van Dongen estuvo más próximo al
círculo de Kiki .
Pintada con extrema delicadeza con acuarela muy saturada, en
esta obra Van Dongen combina el colorido brillante de su época fauvista
con la importancia concedida a la línea durante sus comienzos artísticos
como ilustrador de La Revue Blanche . El rostro de la bella
Kiki , pintado en tonalidades suaves y reducido a unas formas
esquemáticas hasta acercarla al estereotipo, destaca en medio del
vaporoso cuello de piel de su abrigo color oscuro.
Maribel Alonso Perez
10 octubre 2012
Fidias mostrando el friso del Partenón a sus amigos (1868)
Representación artísitca de Fidias hecha por el pintor neerlandés Sir Lawrence Alma-Tadema.
NacimientoHacia 490 a. C.
(Tanto la fecha de nacimiento como de muerte suelen ser muy contradictorias para la historia moderna)
Atenas FallecimientoHacia 431 a. C.
Olimpia NacionalidadAntigua Grecia ÁreaEscultura
Fidias, en griego antiguo Φειδίας / Pheidias
(Atenas, hacia 490 a. C. – Olimpia, h. 431 a. C.), fue el más famoso de
los escultores de la Antigua Grecia, pintor y arquitecto, perteneciente
al primer clasicismo griego. Fidias diseñó las estatuas de la diosa
Atenea en la Acrópolis de Atenas (Atenea Partenos dentro del Partenón y Atenea Promacos)
y la colosal estatua sentada de Zeus en Olimpia. Las obras atenienses
fueron aparentemente encargo de Pericles en 447 a. C. Es posible que
Pericles usase el dinero de la Liga de Delos para pagarle, si bien esto
no es seguro.
Se conocen pocos detalles de la vida de Fidias. Se sabe que
nació en Atenas poco después de la batalla de Maratón. Se tienen
diversos relatos sobre su formación. Hegias de Atenas, Agéladas de
Argos, y el pintor de Tasos Polignoto, han sido todos ellos considerados
maestros suyos. A favor de Agéladas puede decirse que la influencia de
las muchas escuelas dorias puede ciertamente encontrarse en parte de su
obra. Aprendió la técnica del bronce en la escuela de Argos con
Agéladas, a la vez que Mirón y Policleto.
Al parecer, su actividad artística empieza en 464 a. C.. De
su vida se sabe poco más aparte de sus obras. Pausanias, sin embargo,
menciona a dos de sus estudiantes, que también fueron sus eromenoi.
Uno es Agorácrito quien es también conocido por su escultura de Némesis
en Ramnunte. Otro amado, incluso más estrechamente relacionado con el
escultor, es Pantarces, un joven eleo y ganador del combate de lucha
juvenil en las 86as Olimpíadas en 436 a. C. Pausanias informa de una
tradición según la cual el chico fue el modelo para una de las figuras
esculpidas en el trono del Zeus Olímpico. Otra tradición, narrada por
Clemente de Alejandría, presenta a Fidias tallando «Kalos Pantarkes»
(«Pantarkes es guapo») en el dedo corazón del dios.
Algunas de sus obras sobreviven presuntamente a través de
copias romanas, y de fragmentos originales atribuidos a él, o son en
base conjeturales. De la misma manera, su muerte es centro de
controversia y no se saben las causas que la pudieron haber provocado. A
pesar de la casi total ausencia de datos concretos sobre su vida,
Fidias es considerado uno de los fundadores y uno de los mejores
exponentes del Alto clasicismo en la escultura, y reconocido
unánimemente como uno de los escultores más importantes de Occidente.
Si al mundo moderno le resultaba difícil apreciar el grado de
decoración pictórica que tuvo la escuela antigua en mármol, aún más
difícil resulta imaginar el impacto del foco central del nuevo complejo
Partenón : la colosal estatua criselefántica de Atena Partbenos
realizada por Fidias, conocido en el mundo moderno, sólo a través de
téxtos antiguos, monedas y copias posteriores.
Con casi 11,5metros de altura, incluyendo el pedestal, la
estatuta se construyó a partir de un nucleo de madera sobre el que se
fueron colocando láminas de oro para las ropas y placas de marfil para
destacar las partes del cuerpo un estanque de aceite pintado en plena
controversia sobre la escultura coloreada, el lienzo de Alma-Tadema
imagina a Fidias mostrando a los ciudadanos atenienses en friso del
Partenón pintando con colores chillones.
El esquema del color que adopta el autor para los escultores
parace sugerir que estaba la tanto de las investigaciones del
momentosobre la cuestión de la plicromía antigua.
Maribel Alonso Perez
02 octubre 2012
