ISTVÁN SANDORFI 1948 - 2007 Hiperrealismo Imperfecto

István Sandorfi (En Francia Étienne Sandorfi, nacido el 12 de junio de 1948 en Budapest, Hungría, fallecido el 26 de diciembre de 2007 en París, Francia) fue un pintor hiperrealista de Hungría.
Obtuvo su diploma en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts en París y estudió también en la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas. En 1956 la familia salió de Hungría, en primer lugar va a Austria, luego a Alemania y en 1958 a Francia. Su padre trabajaba para una empresa estadounidense, por lo tanto, en 1950 fue enviado a la cárcel por cinco años.
Él tenía dos hijas:. Ange (nacido en 1974) y Eva (nacido en 1979).

Inició su carrera fugándose al dibujo luego a los 12 años empezó a hacer óleos. En sus primeros dibujos de 1956 aparecían revolucionarios vistos desde la ventana de su casa en Kispest, saliéndole tan perfectos que su madre escondió estas obras Desde los 1970 durante 15 años utilizaba a sí mismo como modelo, siendo la principal causa de ello que le fastidiaba la presencia de otros mientras trabajaba en sus obras. Sin embargo no sólo alejaba a las personas de su alrededor sino también a la luz natural Su primera exposición fue en una galería de París, a los 17 años.

Estas pinturas las dibujaba con bolígrafo, y eran retratos generando efectos de fotografía. En 1973 se celebró su primer exposición importante en el Museo de Artes Modernas de París. Desde entonces varias galerías extranjeras competían por exponer sus obras, así que más tarde sus pinturas tuvieron lugar en pinacotecas de Copenhague, Roma, Paris, Munich, Bruselas, Basilea, Neuva York, Los Angeles y San Francisco.

En su primer época, en vez de retratos, pintaba varios objetos en posiciones complicadas. Ha impactado al público con su Bodegón de los intestinos. Entonces en sus obras a menudo se representaba en posiciones muy raras, con extremidades atadas, ojos tapados, o bien junto con objetos extraños.
A finales de los 70 y principios de 1980, su gama de colores constaba de azul, lila y sus combinaciones frías.

En los 80 pintó varios fragmentos de brazo y pierna, así como bodegones, figuras femeninas, basados, por supuesto, en fotografías. Desde 1988 pintaba sólo figuras femeninas, utilizando muchas veces a sus propias hijas como modelos. Como su costumbre, junto a los cuerpos femeninos cubiertos de sábanas, se hallaban también objetos raros. No obstante, en sus bodegones representaba, sobre todo, botellas y frutas (manzanas, naranjas, melocotones, peras). El fondo de sus pinturas era, por lo general, la simple pared blanca, aunque también pintaba con meticulosidad las hendiduras de esta.

Su primera exposición relacionada con Hungría se celebró en 2001 en el Instituto Hungaro de París, la cual, así como sus posteriores exposiones de Hungría, fueron organizadas por Kálman Makláry. El día de su primera exposición en Hungría fue en 2006, exactamente 50 años después de que abandonara el país. En esta figuraban quince de sus pinturas, expuestas por la Galería Erdész y Makláry Fine Art de Budapest. Del 13 de abril al 3 de junio de 2007 tenía una exposición coleccionista en Debrecen, donde se podía ver setenta obras suyas en el MODEM (Museo de Artes Modernas y Contemporáneas de Debrecen).

Aunque haya estudiado en incluso dos institutos de gran renombre, siempre se consideró a sí mismo un artista autodidacta. Los críticos de arte con frecuencia englobaban a Sándorfi entre los artistas hiperrealista; sin embargo él mismo nunca se consideró como tal, ya que en sus obras, aparentemente minuciosas, siempre hubo fallos intencionados (como por ejemplo un brazo o un pie borrosos), que rompía el efecto fotográfico de la pintura.


Maribel Alonso Perez
31 julio 2011

FERNANDO LÓPEZ PASCUAL, 1940

                                                                                                       Fernando López Pascual (Málaga, 1945).



No es facil encontrar en el ambito de la plastica actual alguien cuyos dictados esteticos esten tan claramente entroncados con la tradicion de la primera escuela malagueña de pintura aquella cuyos pinceles caracterizo, con toques de luz y alegría, esas escenas de la vida cotidiana y dignifico al hombre y a la mujer del pueblo al extremo de convertirlos en verdaderos prototipos del caracter local. Sin embargo, este es el caso de Fernando López Pascual quien sin desperdiciar ni un apice ese empuje que llevo a los pintores malagueños del pasado siglo a alcanzar esa cima que supone ser reconocidos como tal grupo, sigue con renovado empeño presentandonos esas ideas o, mejor, esa relectura tematica que, con la garantia que nos ofrece su capacidad de trabajo y su evidente dominio del dibujo y el color, aparecen ante nuestros ojos plenas de validez y hasta dotadas de cierta actualidad.

                                                         Preludio, óleo sobre lienzo


Hay en Fernando López Pascual una evidente conviccion que lo define, en el mas noble sentido, como un buen profesional. Ese convencimiento que esta en no engañarse ni engañlar con su trabajo, ese que hoy expone y todo aquel que ha salido de su paleta desde que hace ya veinte años se decidieran a hacernos participe de esa sensibilidad dificil de ocultar. Estamos ante un pintor sincero que no se perdonaria nunca recortar su trabajo en detrimento de la obra y esto le ha llevado un camino verdaderamente complejo pues en su noble empeño de no defraudar hace recaer sobre esas claves decimononicas de su pintura, elementos donde combina el mas estricto clasicismo con recursos que lo acercan a las tendencias actuales de la pintura y donde el continuo analisis del color, las texturas y sus calidades como medios expresivos lo acercan al virtuosismo del miniaturista y a ese realismo poetico que, en el caso que comtemplamos, huye de la naturaleza muerta o del objeto cotidiano para enfretarse, sin tapujos ni vacilaciones, con ese modelo preformado por viejas esteticas pero al que su indiscutible maestria lo llena de sugerencias y de matices sorprendentes al extremo de envolverlo en un ambiente lleno de fragancia nueva.

                                              
                                                Reparando las redes, óleo sobre madera


Toda una tradicion de escuela, de saber de años que tiene el aire de nuestra tierra metido a caricia, que aqui no vale decir golpe de pincel. Toda una lirica plasmada en una gama de suavidades y de armonias que pasa por el toque lastimero de una guitarra y nos transporta desde el quejio desgarrado de una malagueña de la Trini o del Canario a la vibrente musica de la Carmen de Bizet hecha fabtasia por el violin virtuoso de un Sarasate.

Hay en López Pascual un lenguaje actual con el que nos sigue hablando de toreos y de majos, de manolas, y de calidos rumores en una Caleta que aun palpita y cuyo embrujo no debe andar lejos del fleco de ese manton que acaricia y dibuja, con elegancia insuperable, el cuerpo de esa malagueña que con aires tan actuales y tan cercanos -como que vive entre nosotros- vuelve su mirada esquiva, se ruboriza con el requiebro o gusta del desplante airoso con gusto lleno de sesualidad.

No es facil encontrar un pintor que sin engañarse ni engañar siga de una manera tan fiel los dictados de aquella primera escuela de pintore malagueños y, sin embargo, este es el caso de Fernando López Pascual.

Maribel Alonso Perez
29 julio 2011

JUAN FERNANDEZ " EL LABRADOR " 1629 - 1636

                                                 Filósofo Escribiendo ,Óleoa sobre Lienzo



Juan Fernández, llamado El Labrador, fue un pintor barroco español activo entre 1629 y 1636, especializado en la pintura de naturalezas muertas.

Juan Fernández fue un pintor enigmático, de quien únicamente se sabe que vivía alejado de la Corte dedicado a pintar flores y frutas, principalmente uvas según lo que recogen los inventarios de pinturas de la época, tarea con la que alcanzó reputación internacional. Antonio Palomino, a quien alcanzó esta fama, pero que nada sabía de su vida, dedicó unas líneas a «Juan Labrador Pintor Insigne», suponiéndole discípulo de Luis de Morales y muerto en Madrid, de mucha edad, hacia 1600.

Fue también Palomino quien, al creerle discípulo de Morales, imaginó que sería extremeño sin mayor razón. El único dato del que se dispone para fijar su lugar de residencia, y quizá de nacimiento, es la mención a una pintura de una «porcelana de uvas, dos búcaros, unas castañas y bellotas» en el inventario de la colección del primer marqués de Leganés, realizado en 1655, atribuida al «labrador de las Navas», en referencia, probablemente, a las Navas del Rey en la provincia de Madrid.

                                            Bodegón con racimos de uvas, óleo sobre lienzo


Sir Arthur Hompton (1629-1635), secretario de Sir Francis Cottington, diplomático inglés en la corte de Madrid, pone de manifiesto en su correspondencia el interés propio y de su señor por adquirir obras del pintor, tarea no exenta de dificultad, pues «nunca viene aquí sino en Semana Santa». Ese voluntario apartamiento, que ha dado lugar a alguna literatura en relación con el menosprecio de Corte, se explicaría más fácilmente si, como parece probable, el apelativo de labrador no fuese simplemente un seudónimo sino el reconocimiento de un oficio que nunca abandonaría. Hopton manifestaba también que le había animado a pintar flores, «las cuales todavía no he visto. Si resultan tan buenas como sus frutas, enviaré a su señoría algunas de ellas».

Por su intermediación dos obras del pintor llegaron a Carlos I de Inglaterra, una de las cuales, Naturaleza muerta con membrillos y bellotas, pertenece aún a la colección real británica, donde ya en 1639 aparecía inventariada. Este óleo, junto con un Florero en colección particular firmado «el labrador Ju° fernandez 1636», son las únicas obras que pueden considerarse seguras de su mano, a partir de las cuales ha sido posible establecer un estilo y atribuirle nuevas obras. Pintor de tradición caravaggista, el Labrador sitúa sus objetos sobre fondos negros y utiliza la luz dirigida para conferir volumen a dichos objetos, descritos tras paciente observación de forma plenamente individual y con un pormenor casi flamenco, subrayando su aspecto humilde.

                                                               Flores óleo sobre lienzo


La orientación caravaggista de la pintura de "el Labrador", podría deberse al influjo de Juan Bautista Crescenci, marqués de la Torre, establecido en Madrid en 1617, protector de artistas y fijador del gusto en la corte de Felipe IV, además de pintor él mismo de algunos bodegones. Debió de ser Crescenci quien despertara el interés de los círculos cortesanos por Fernández, del que ofreció cuatro paisajes en venta en Madrid a Carlos I de Inglaterra, lo que indica que en su actividad pictórica no se limitó a los bodegones. En el inventario del Palacio Nuevo hecho a la muerte de Felipe V, en 1747, se menciona también un Retrato de filósofo atribuido al labrador, que es sin duda el Filósofo escribiendo depositado por el Museo del Prado en la Universidad de Sevilla, atribuido en ocasiones a José de Ribera. Alguno de sus cuadros llegará también a la corte francesa con Ana de Austria, hermana de Felipe IV y esposa de Luis XIII de Francia.

Entre los óleos que se le atribuyen, pueden destacarse sendas parejas de racimos de uvas del Museo Cerralbo de Madrid, en los que parece quererse poner de manifiesto el parangón con Zeuxis, que engañó a la naturaleza con el arte, y un Florero, antes atribuido a Zurbarán, en el Museo Nacional del Prado, al que en 2006 se han agregado otros cuatro bodegones con el mismo tema de los racimos de uvas colgados procedentes de la colección Naseiro.


Maribel Alonso Perez
29 julio 2011

Cubismo de Picasso , 1907-1916

                                   
                                                               Pan , frutas y tabla (1908)
                                                             óleo sobre lienzo 164 x 132

Acontecimientos de esta época, como una visita al Museo de Etnología, donde Picasso se siente fuertemente impresionado por las esculturas africanas expuestas, y la presentación de George Braque hecha por Apollinaire, quien es vecino del Bateau-Lavoir, son lo que provoca el nacimiento del mayor golpe de estado a la historia de las artes desde Giotto y los renacentistas; el cubismo.

Todo parte del trabajo en equipo de Braque y Picasso, pues el cubismo no es creación exclusiva de ninguno de ellos, a pesar de que "Les demoiselles d'Avignon", pintada en el verano de ese año, sea considerada la primera obra cubista. Picasso, meses antes y tras su visita a Gosol, comenzó una serie de cuadros del mismo corte que las figuras que admiró en aquel pueblo catalán, y que a continuación vendrian a ser un camino hacia el cubismo; justo entonces fue cuando Braque comenzó sus propios esbozos cubistas. La proximidad entre los dos, pues vivían en el mismo edificio, les sirvió para intercambiar sus ideas revolucionarias.

"Las señoritas de Aviñón" suscitó diversos comentarios por parte del circulo de amigos de Picasso, como por ejemplo Andre Derain, que dijo que "encontraremos un dia a Picasso colgado delante de este cuadro, por lo desesperado de la aventura", o la reacción de su más fiel admirador, Apollinaire, que tras ver el cuadro sentenció a Picasso que "deberias dedicarte a la caricatura". El único defensor de la obra fué George Braque, que comentó "es como beber petróleo para después arrojarlo al fuego"; sólo fue él, pues Pablo Picasso ignoró durante años la tela, seguro de que su primera obra cubista era la obra "Tres Mujeres" pintada este mismo año, y la cual utilizó como fondo de retratos fotográficos de sus amigos.

 

                                               Naturaleza muerta con cabeza de muerte (1907)

                                                              Óleo sobre lienzo 81 x 65                                                 

El cubismo en Picasso consta de varias fases; la primera es el de "Las señoritas de Aviñón", que bebe del primitivismo y el arte negro africano, pasando a continuación a una pintura con cierta influencia por parte de Cezanne, como por ejemplo "Cabeza de mujer con montañas de fondo" o "Tres mujeres". Hacia 1910 Braque y Picasso comienzan el "cubismo analitico", el más complejo y abstracto de entre todos los periodos del cubismo; la pintura de Braque y Picasso es entonces indistinguible, y lo sería tambien en las diferentes tendencias cubistas, como con el cubismo sintético, que son los primeros collages en pintura.

"Naturaleza muerta con silla de rejilla", hecho con hule encerado que imita un trabajo con paja entrelazada es el principio de este estilo: montajes de recortes de periódicos, etiquetas, anuncios con carboncillo sobre ellos e imitaciones de madera son las caracteristicas de este periodo. La última fase cubista en Picasso es la "puntillista", con la que rompe gradualmente con el cubismo. La obra de Picasso se puede disfrutar por todo el mundo, tanto originales como réplicas de su trabajo, en museos y galerías, e incluso en los casinos, en particular en Las Vegas, y no Casino.com, lo muestran para dar un sentido más distinguido.

                                              Autorretrato óleo sobre lienzo 50 x 46 (1907)

Maribel Alonso Perez

29 Julio 2011

HISTORIA DEL CUBISMO

                                                                   Naturaleza Muerta

 El Cubismo tuvo como centro neurálgico la Ciudad de París, y como Jefes y maestros del movimiento figuraban los españoles Pablo Picasso y Juan Gris y los Franceses Georges Braque y Fernand Léger. El movimiento efectivamente se inicia con el cuadro "Las Señoritas de Avignon" (Demoiselles D'Avignon) .- Como elementos precursores del cubismo debemos destacar la influencia de las esculturas africanas y las exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905) y de Paul Cézanne (1907). Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».

                                                                Las señoritas de Avignon


El cubismo es considerado la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas.

Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo.

                                                            Busto de mujer Fernnad Oliver

 A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fauvismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y Marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.

Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que represente, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.

                                                                          Un Violin


La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la "crítica", llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De entonces en adelante, todos los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.


Maribel Alonso Perez
29 julio 2011

FRIDA KAHLO 1907 - 1954 - Coyoacán, México - Pintora Mexicana

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón nació en el barrio de Coyoacán, en las afueras de México el 6 de julio de 1907. Ella era la tercera hija de Guillermo Kahlo y Matilde Calderón. · En 1913, Frida sufrió de un ataque de poliomielitis que afectó su pierna derecha. Inició sus estudios en la Escuela Nacional Preparatoria en 1922. No se observó Diego Rivera pintar su mural "La Creación" (La creación). Durante ese tiempo, ella estaba tomando clases de grabado con el maestro Fernando Fernández.
En 1926 tuvo un terrible accidente cuando viajaba en un autobús que chocó con un automóvil. El resultado fue la rotura de la columna vertebral en tres puntos, así como la clavícula, tres costillas, la pierna y el pie derecho. Un tubo atravesado la cadera hasta los órganos sexuales y la triple fractura de pelvis que le impidió tener hijos. Ese accidente marcó Frida Kahlo para el resto de su vida, era la primavera de horrores físicos y en muchos momentos el origen de la tragedia reflejada en su trabajo artístico.

Durante la recuperación que comenzó a pintar sus primeras obras: las imágenes oscuras de formas rígidas y convencionales. Más tarde, ya con Diego Rivera , que ha perfeccionado su técnica pictórica.
Ella se reunió de nuevo con Diego Rivera en el retorno de Rusia en 1927 pintando los frescos que con la Secretaría de Educación. Frida le tomó las primeras imágenes de él y el pintor mostró interés en el artista y su obra, dos años más tarde se casaron. Frida tenía 22 años y Diego de 43 años.
Frida y Diego se vivió en Cuernavaca, mientras que el artista hizo el mural del Palacio de Cortés. En ese momento se le practicó el aborto en primer lugar.
Más tarde, la pareja se fue a los Estados Unidos. En primer lugar se quedaron en San Francisco y Detroit. Finalmente se establecieron en Nueva York. Hay Frida hizo su trabajo "Mi vestido cuelga allí", imagen que foreruns la obra llena de símbolos que continuó más tarde. La influencia de los exvotos, "las cosas populares, la religión y los símbolos de México había marcado su trabajo.

En 1934,  Frida y Diego regresó a México y se instaló en el taller de la calle Altavista construido por Juan O'Gorman, en San Ángel. Frida sufrió otro aborto y había sido operado de su pie derecho, el proceso de desfiguración de su cuerpo es constante y que se reflejó en las obras que estaban haciendo. Diego Rivera "romance s con Frida 's hermana, Cristina Kahlo, hecho que se hundió en una depresión tremenda. Luego se separó de Diego y de un solo marcharon a Nueva York.

Frida Kahlo regresó a México para continuar su trabajo en 1937 cuando León Trotsky y su esposa Natalia llegaron a México, Frida se fue sola a recogerlos desde el puerto de Tampico. Se instalaron en su casa de Coyoacán, conocida como la "Casa Azul" (Blue House). Ese año fue uno de los más prolíficos de Frida Kahlo , produciendo obras como "Mi nana y yo" (Mi nana y yo), "El difunto Dimas" (El Dimas fallecido), "Mis abuelos, mis padres y yo" Mi ( abuelos, mis padres y yo), así como varios autorretratos. Frida problema 's con el alcohol se hizo evidente.

En 1938 André Breton llegó a México, con una mirada preestablecido para encontrar el surrealismo en este país, y finded Frida , de inmediato se circunscribe ella como una parte de la esencia del movimiento surrealista y escribió un ensayo para su "una banda de seda alrededor de una de la bomba ". Esta etiqueta del surrealismo de la obra de Frida Kahlo es uno de los "errores" que se han continuado entre el público masivo con respecto a su clasificación y la comprensión. Basta con mencionar sus propias palabras: "... pensaron que yo era surrealista, pero no fue así. Nunca pinté mis sueños, sólo pinté mi propia realidad ".

En el mismo año Frida Kahlo hizo su primera exposición individual en la Galería Julien Levy de Nueva York. Vivió un romance con el fotógrafo Nicholas Muray. Al año siguiente, Frida Kahlo viaja a París para estar presente en la exposición "Mexique" que André Breton organiza con obras pre hispano, exvotos, fotografías de Manuel Álvarez Bravo y 18 cuadros de Frida Kahlo. Las relaciones con Diego se deterioró más y más hasta llegar al divorcio.

En 1940 participó en la Exposición Internacional del Surrealismo en la Galería de Arte Mexicano con sus dos obras "Dos Fridas" (Dos Fridas) y "La mesa herida" (La mesa herida). Su depresión por la ausencia de Diego y su problema con el alcohol llegó a ser muy intenso. Frida pintó "Autorretrato con pelo cortado" (Autorretrato con pelo cortado), el trabajo que se produce en Diego la frase "Mira, si yo hubiera querido que lo fue por tu pelo ... ". El 21 de agosto de ese año, murió León Trotsky en su casa de Coyoacán. Su admiración por Trotsky había llevado a tener un romance con él, el hecho del suicidio hundió más en la depresión. Regresó a Estados Unidos para recibir tratamiento médico. Expuso en San Francisco en la Exposición Internacional del Golden Gate y en Nueva York en la exposición "Veinte Siglos de Arte Mexicano". Hacia finales de 1940,  Frida Kahlo se casa con Diego de nuevo.
Ellos regresaron a México en 1941, y Frida hizo varios autorretratos y exposiciones en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston.

En 1950  Frida se tomó en el hospital durante nueve meses debido a una infección causada por el hueso atornillar en su espina dorsal se dio cuenta de cuatro años antes. Allí continuó con su cuadro "Mi fimilia" (Mi familia), que quedó inconclusa.
Al año siguiente, pintó "Autorretrato con El Dr. Juan Farill" (Autorretrato con el Dr. Juan Farill), varias naturalezas muertas, y el "Retrato de mi padre Wilhelm Kahlo" (Retrato de mi padre Wilhelm Kahlo).

Ese mismo año, Frida sufrió la amputación de la pierna derecha infectada por la gangrena. Expuso en el Consejo de Arte Británico.En 1954, Frida Kahlo pintó "Sandías Con leyenda: Viva la vida" (Sandías con leyenda: La vida de la vida). Entró en el hospital dos veces más y recuperado de la neumonía. Ella asistió a una marcha en protesta contra el golpe de Estado en Guatemala. Once días después, el 13 de julio de 1954 Frida Kahlo murió en su Casa Azul de Coyoacán.


Maribel Alonso Perez
28 julio 2011

DIEGO RIVERA PINTOR MEXICANO 1886 - 1957

Diego María Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, mejor conocido como Diego Rivera , nació en la ciudad de Guanajuato, Guanajuato, el 8 de diciembre de 1886. El talento para la pintura se estaba desarrollando en él a lo largo de sus años escolares. Cuando Diego fue tan sólo diez años, su familia se mudó a la Ciudad de México. Allí, obtuvo una beca del gobierno para inscribirse en la Academia de Artes de San Carlos, donde permaneció hasta su expulsión en 1902 por su participación en las revueltas estudiantiles de ese año.

Las influencias que Rivera recibió durante su estancia en la capital variadas, desde las de su primer maestro, discípulo de Ingres, a los de José Guadalupe Posada, grabador en cuyo taller Diego trabajó y cuya influencia sería decisiva en su posterior desarrollo artístico.

Cinco años más tarde, Diego realizó su primera exposición, que fue un gran éxito entre el público, lo que le trajo una beca del gobierno de Veracruz para continuar su formación pictórica en España, en la escuela de San Fernando en Madrid. A partir de ahí, Diego Rivera hizo diversos viajes por Francia, Bélgica, Holanda y Gran Bretaña, entre 1908 y 1910, hasta establecerse finalmente en París en 1911. Durante este viaje fue influenciado por el post-impresionismo, principalmente por el arte de Paul Cézanne.

Esto le llevó a experimentar con el cubismo y otros estilos más recientes, en cuyo lenguaje Diego recibido algún tipo de ligereza, la creación de obras originales llenas de armonía. En el año de 1910 Rivera también exhibió cuarenta de sus obras en México, con quién, a pesar de no haber desarrollado totalmente las posibilidades de su estilo vigoroso y enfático, obtuvo una favorable acogida del público.

Siempre fue la ambición de Diego Rivera para expresar en forma plástica los sucesos, ideas y esperanzas de la Revolución Mexicana .

Con el fin de encontrar una herramienta adecuada para esta expresión, Diego tuvo que experimentar con la técnica de la pintura al fresco . Esta técnica consiste en pintar directamente sobre el mortero húmedo (mezcla de cal y arena), de modo que el color penetre y, cuando se seca, lo arregla. De nuevo en Europa, Diego Rivera expone en Madrid y París. En 1920 viajó a Italia para estudiar el Renacimiento la pintura al fresco que se conservan allí, e investigó la técnica mural del pintor renacentista italiano Giotto , cuya influencia hizo Diego separado del movimiento cubista, y para investigar con mayor profundidad en las escenas sociales de su el medio ambiente. Antes de embarcarse, Diego tenía en su cartera de cientos de bocetos para la pintura después de su regreso.

De las experiencias reunidas en este viaje, Rivera dedujo un relato, el estilo lineal de color aplicado en tintas planas, que utilizó a su regreso a México , en 1921. Una vez en su país, Diego Rivera , junto con José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros fundó un movimiento pictórico, que fue nombrado después de la escuela mexicana de pintura . En ese momento Rivera trabajó en la elaboración de los frescos de la Escuela Nacional Preparatoria de la Ciudad de México. A este periodo corresponde a uno de sus mejores obras, "La tierra fecunda" (Tierra Fecunda), realizado por la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo. En 1929  Diego Rivera se casa con Frida Kahlo .

Diego Rivera fue vivamente interesado en la política por lo que en su mural, las composiciones históricas y simbólicas resuena la voz de la prédica social-revolucionaria y de la resistencia contra la opresión extranjera. Algunas pinturas de otros grandes murales que pueden apreciarse hoy en día son los del Palacio de Cortés de Cuernavaca, y los del Palacio Nacional, en la Ciudad de México, por mencionar sólo algunos.

Los murales que Rivera pintó en México lo hizo tan famoso que se convirtió en no sólo el jefe de escuela pictórica, sino también el líder político. Sus actividades en este último orden lo han hecho centro de no pocas polémicas y peripecias, como, por ejemplo, cuando el Hotel del Prado se negó, en la Ciudad de México, a exhibir su gran fresco en el que aparecían las palabras "Dios no hace no existe ", que Diego , así, se negó a dejar borrar, hasta que finalmente cedió al regresar en 1956 de un viaje a Rusia realizado por motivos de salud. Diego Rivera fue miembro del Partido Comunista desde 1923 hasta 1930 y de 1954 hasta su muerte.

La expansión de su fama durante la década de 1930 llevó a Rivera a exponer sus pinturas en Nueva York . Allí recibió la orden de realización los grandes murales en el Instituto de Arte de Detroit y en el Rockefeller Center de N. York, donde su fresco "Hombre en la encrucijada" (Hombre en La Encrucijada) recibió numerosas críticas por la similitud de las características de una de sus figuras con Lenin. El mural fue destruido por el centro y sustituido por otro de Brangwyn, pero Diego pronto se reproduce en el Palacio de Bellas Artes de México. En sus numerosos encargos para decorar edificios públicos, Rivera utilizó el buon fresco y técnica de los viejos métodos encáustica pintura también.

Desde finales de la década de 1930, Rivera se dedicó a la pintura del paisaje y retrato. En sus últimas pinturas desarrolló un estilo indígena y social, que obtuvo una gran popularidad. El proyecto más ambicioso y gigantesco de Diego, un mural épico de la historia de México para el Palacio Nacional, quedó inconcluso tras su muerte en la Ciudad de México el 25 de noviembre de 1957.

Diego Rivera, en formas simplificadas y con vivo colorido, rescató bellamente el pasado precolombino, al igual que los momentos más significativos de la historia mexicana: la tierra, el campesino y el trabajador, las costumbres y el carácter popular.
La contribución de la obra de Diego Rivera al arte mexicano moderno fue decisiva en murales y en pinturas de caballete, sino que fue un pintor revolucionario que buscaba una manera de llevar el arte al gran público, a las calles y los edificios, el manejo de una precisa y el lenguaje directo con un estilo realista, pleno de contenido social.

Paralelamente a su esfuerzo creador, Diego Rivera desplegó actividad docente en su país, y reunió una magnífica colección de arte popular mexicano.

El nombre de Diego Rivera es comúnmente mal escritas como Diego Ribera.


Maribel Alonso Perez
28 Julio 2011

Ulises y Las Sirenas 1909 Herbert James Draper

Herbert James Draper (1864-1920) nació en Londres y estudió en la Escuela de San Juan de madera de arte antes de entrar en la Royal Academy Schools en 1884. Draper mostró su talento desde el principio y recibió una medalla de oro y una beca que le ayudó a viajar a Roma y estudiar en la Académie Julian en París. Draper mostró sus obras en la Real Academia desde 1897 hasta su muerte, aunque nunca fue un miembro del la Academia (o incluso un socio). La mayoría de sus pinturas se trataron temas de la poesía Inglés, en especial todo lo que tenga que ver con el mar. Esta pintura, Ulises y las sirenas, se exhibió en la Academia en 1909.

Pero al mismo tiempo se le dio un lugar central, la obra fue duramente criticada. The Times tuvo una visión particularmente débil de la obra, argumentando que "las sirenas de Homero no tiene nada que ver con la sirena convencional, y no se aferran a la nave, que fueron seres de una forma no descrita que estaba sentado en un prado y cantó. pintores realmente lo tanto, no debería modificar el texto de sus autoridades. " Parece extraño que un artista hoy en día se reciben esas críticas duras para andar de su material de origen, pero esto fue una consideración importante en el mundo del arte victoriano.

Tengo miedo de que tenía poca paciencia con las libertades artísticas! Me encanta la belleza excepcional de las figuras en las pinturas de Draper, que me recuerda a una gran cantidad de algunas obras de otros Waterhouse. Draper hace un trabajo excelente de capturar la sensualidad irresistible de las sirenas, mientras que la pintura del Waterhouse de Ulises y las sirenas parece centrarse más en sus cualidades mágicas. Según el relato de Homero, tres sirenas se rumorea que vive en una isla cerca de Cabo Pelorus en Sicilia. Las damas se decía que eran capaces de atraer a los marineros a la muerte con sus hermosas voces.

Después de haber sido prevenido por Circe acerca de las sirenas, Ulises llenó los oídos de su tripulación con cera para evitar que saltar por la borda. Sin embargo, si las sirenas habían sido tan hermosa como las doncellas del mar en la versión de Draper, no estoy del todo seguro de que el mero hecho de ser sordos a sus canciones le han ayudado mucho! Este mensaje debe mucho de su información biográfica con un excelente artículo sobre Draper que se incluye en   los  últimos románticos

Maribel Alonso Perez
27 julio 2011

John William Godward 1861 - 1922

John William Godward (9 de agosto de 1861 y fallecio 13 diciembre de 1922) fue un pintor artístico inglés del final de las eras Prerrafalita / Nooclasicista. Él era el protegido de Sir Lawrence Alama Tadema  pero su estilo de pintura cayó con la llegada de pintores como Picasso. Se suicidó a la edad de 61 años y como se dice, escribió en su nota de suicidio que el mundo no era bastante grande para él y un Picasso.
Su familia ya alejada, que había desaprobado su vocación de artista, se avergonzó de su suicidio y quemó parte de sus papeles. No se conocen fotografías de Godward vivo.

Godward eran un Victoriano Neo-clasicista, y por lo tanto un seguidor de la obra de Frederic Leighton. Sin embargo, él más estrechamente es aliado estilísticamente a sir Lawrence Alma-Tadema, con quien él compartió una inclinación para la interpretación de arquitectura clásica, en particular, rasgos de paisaje estáticos construidos en mármol.

Godward eran un Victoriano Neo-clasicista, y por lo tanto un seguidor de la obra de Frederic Leighton . Sin embargo, él más estrechamente es aliado estilísticamente a sir Lawrence Alma-Tadema, con quien él compartió una inclinación para la interpretación de arquitectura clásica, en particular, rasgos de paisaje estáticos construidos en mármol.

La mayoría enorme de las imágenes existentes de Godward destaca a mujeres en el vestido clásico, planteado contra estos rasgos de paisaje, aunque haya algunas figuras semidesnudas y totalmente desnudas incluidas en su "oeuvre" (un ejemplo notable que ser " En el Tepidarium " (1913), un título compartido con una pintura de Alma-Tadema polémica del mismo sujeto que reside en la ( Lady Lever Art Gallery ). Los títulos de sus obras reflejan la fuente de inspiración de Godward: Las Civilizaciones Clásicas, más notablemente el caso de la Roma Antigua (de nuevo algo que ata a Godward estrechamente con Alma-Tadema artísticamente), aunque la Grecia Antigua a veces figure, así proporcionando lazos artísticos, aunque de un grado más limitado, con Leighton.

Considerando que la beca Clásica era más extendida entre la audiencia potencial para sus pinturas durante su vida que en el día presente, la investigación meticulosa de detalle era importante para lograr una categoría como un artista en este género. Alma-Tadema fue, así como un pintor, un arqueológico que asistió a sitios históricos y recogió los artefactos que más tarde fueron usados en sus pinturas: Godward, también, estudió tales detalles como la arquitectura y el vestido, para asegurar que sus trabajos llevaron el sello de autenticidad.

El aspecto de mujeres hermosas en posturas estudiadas en tantas de las lonas de Godward causa a muchos recién llegados a sus trabajos para categorizarlo equivocadamente como de ser prerrafealita, en particular como su paleta es a menudo vibrantemente colorida. Sin embargo, la opción de materia (civilización antigua contra, por ejemplo, la leyenda de Arturo) es más correctamente él del Victoriano Neoclasicista: sin embargo, es apropiado comentar que en común con el numeroso contemporáneo de pintores con él, Godward era un Alto Soñador Victoriano, la producción de las imágenes hermosas de un mundo que, debe ser dicho, fue idealizado e idealizada, y al cual en el caso tanto de Godward como de Alma-Tadema vino ser criticado como una visión del mundo de 'togas Victorianas'.

Él expuso en la Royal Academy a partir de 1887. Cuando él se trasladó a Itali con uno de sus modelos en 1912, su familia rompió todo el contacto con él y aún cortó su imagen de los cuadros de la familia. Godward regresó a Inglaterra en 1919, murió en 1922 y es enterrado en Cementerio Brompton, Londres de oeste.


Maribel Alonso Perez
26 abril 2011

William-Adolphe Bouguereau 1825 - 1905

Nombre: Adolphe-William (o William-Adolphe) Bouguereau
Nacimiento: 30 noviembre 1825 Francia
Fallecimiento: 19 agosto 1905
Área: Pintor Impresionista


William-Adolphe Bouguereau (La Rochelle 30 noviembre 1825) fue un pintor acádemico francés. Entre las personalidades de la época que confesaron admiración por su obra cabe destacar el pianista y compositor romántico Chopin.
Estudiante en la «Académie Julian» en Paris, sus pinturas realistas y de temas mitológicos fueron exhibidas en las exposiciones anuales del Salón de París durante toda su carrera. Aunque sufriese la indiferencia de los críticos, quizá debido a su fuerte oposición al entonces triunfante impresionismo. actualmente hay una nueva revalorización de su trabajo.

Fue discípulo entre 1838 y 1841 de Louis Sage, que había tenido como maestro a Jean Auguste Ingres. En 1841 su familia se trasladó a Burdeos, y Boguereau comenzó el año siguiente a asistir a la Escuela Municipal de Dibujo y Pintura, con Jean-Paul Alaux como profesor. Ganó un premio en 1844 y decidió dedicarse profesionalmente a la pintura; no obstante, no tenía medios de establecerse en París, de modo que de 1845 a 1846 pintó retratos para reunirlos. También trabajó, por la noche, como contable para un mercader de vinos. Por fin, en 1846 entró en la Escuela de Bellas Artes de París, en el estudio de François-Edouard Picot, de estilo claramente académico. Una de sus pinturas de entonces fue Igualdad (1848).

Los ganadores del Gran Prik de Roma eran enviados a la Villa Médici. Durante tres años y cuatro meses viajó por Italia pintando copias de obras maestras. A su regreso a Francia exhibió El triunfo del mártir en el Salón en 1854. Su popularidad y prestigio se desarrollaron rápidamente, en 1857 el emperador Napoleón III le encargó un retrato de sí mismo y de la emperatriz, así como la pintura histórica Napoléon III visitando las inundaciones de Tarascon.

En 1859 decoró en parte la capila de San Luis de la iglesia parisina de Santa Clotilde: bajo la dirección de Picot, representó varias escenas de la vida del rey Luis IX de Francia. Continuó además enviando cuadros al Salón de París; el de 1865, Familia indigente, significó la adopción de temas populares, aunque siempre idealizados. En 1867 realizó la decoración del techo de las capillas de San Pedro y Pablo y de San Juan Bautista de la iglesia de San Agustín (París). En 1869 hizo lo propio en el techo de la Sala de Conciertos del Gran Teatro de Burdeos. Otros cuadros de esta época son Descanso en Harvest (1865); El retorno de la primavera (1866); Ofrecimiento de gracias (1867); Arte y literatura (1867); y Chica tejiendo (1869).

El 8 enero de 1876 fue elegido miembro de la Academia de Bellas Artes Francia. En su época William Adolphe Bouguereau fue considerado uno de los más grandes pintores del mundo, y en 1900, Degas y Monet se refirieron a él como «probablemente el pintor más recordado del siglo XIX en el año 2000» de acuerdo con Fred Ross, director del Art Renewal Center; sin embargo debido a fricciones entre ellos y considerando el estilo impresionista de estos últimos es posible que este comentario se haya hecho como una manera de quejarse del gusto público en el futuro.

Bouguereau fue una persona recta y directa, ya fuera en sus funciones oficiales o con sus relaciones personales, lo cual le ganó más de un enemigo; a él no le gustaba el abuso del poder y la injusticia, y era un fiel seguidor de sus ideales. En 1903 fue nombrado "Gran Oficial" de la Legión de Honor. Poco después se le invitó a participar en el festejo del centenario de la Villa Médici. En esa época le llovían invitaciones de toda Europa, sin embargo de forma continua y a petición de él mismo, su segunda esposa Elizabeth se encargaba de rechazarlas de tal manera que pudiera atenderle adecuadamente, sobre todo debido a su estado de salud, la cual se iba deteriorando rápidamente.

Al final del año de 1903 su estado de salud era tan delicado que le era prácticamente imposible escribir o pintar, Adolphe-William Bouguereau murió de un problema cardíaco en su casa de la Rochelle la noche del 19 de agosto de 1905


Maribel Alonso Perez
25 julio 2011

WILLIAN HOLMAN HOLT 1827 - 1910

                                                
                                                 Retrato realizado por William Holman Hun


Nacimiento: 2 de abril 1                                                                       
Fallecimiento: 7 septiembre 1910
Pintor:  Prerrafaelista


Hunt - William Holman Hunt fue un pintor británico, uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita. Aunque estudió en la Royal Academy of Arts, rechazó el estilo impuesto por su fundador, Sir Joshua Reynolds. Fundó en 1848, junto con Dante Gabriel Rossetti y John Everett Millais, la Hermandad Prerrafaelita, asociación que propugnaba un retorno a lo espiritual y sincero en el arte, despreciando la pintura académica, que consideraban una mera repetición de clichés. Para ello, proponían inspirarse en los primitivos italianos y flamencos del siglo XV, anteriores a Rafael.

Las obras de Hunt no tuvieron al principio demasiado éxito, siendo calificadas por la crítica de feas y torpemente ejecutadas. En los comienzos de su carrera su interés por el realismo le llevó a pintar varios cuadros que reflejaban escenas de la vida cotidiana tanto en el campo como en la ciudad, tales como Pastor veleidoso (The Hireling Shepherd, 1851) o El despertar de la conciencia (The Awakening Conscience,1853). Esta última escandalizó al público por mostrar sin ambages una relación extramatrimonial. Fue también un notable paisajista, con obras como Dunas de Fairlight (1858) o la acuarela Isla de Asparagus (1850). Sin embargo, la fama le llegó con sus obras de temática religiosa, como La luz del mundo (The Light of the World). Viajó a Palestina con el objeto de documentarse sobre el terreno para realizar obras religiosas como El chivo expiatorio (The Scapegoat, 1854), Cristo hallado en el templo (The Finding of the Saviour in the Temple, 1860) y La sombra de la muerte (The Shadow of Death, 1873), así como para pintar varios paisajes de la región.

Hunt pintó también obras basadas en poemas, como Isabella o La dama de Shalott, y en la tradición literaria inglesa, de Shakespeare a Keats.

Todas sus pinturas concedían una gran atención al detalle, y mostraban un vívido colorido y un elaborado simbolismo religioso, a menudo inspirado en los textos bíblicos. Su trabajo recibió la influencia de los escritos de John Ruskin y Thomas Carlyle; como ellos, Hunt creía que el mundo podía ser descifrado como un sistema de signos visuales. Para Hunt, la tarea del artista consistía en revelar la correspondencia entre signo y realidad. De todos los componentes de la Hermandad Prerrafaelita, fue Hunt el que mostró más fidelidad a sus planteamientos a lo largo de toda su vida.

                                                    

Hunt estudió en la Royal Academy of Arts, rechazó el estilo impuesto por su fundador, Sir Joshua Reynolds. Allí conoció a John Everett Millais y a Dante Gabriel Rossetti con los que fundó la Hermandad Prerrafaelista.

Según los especialistas: A Hunt se le debe la marcada religiosidad y espiritualidad del movimiento, fue el único miembro de la Hermandad realmente fiel a sus principios, sus colores son cálidos, su realización excesivamente minuciosa, sus superficies muestran un horror vacui que se presta a un excesivo recargamiento.


En 1905 recibió la orden al Mérito Británico. Falleció en 1910.


Espero que os guste la recopilación de información e imágenes que he obtenido de este pintor, sirva para contribuir en la divulgación de su brillante obra.

Al final de su carrera se vio obligado a abandonar la pintura, por problemas de visión. Su última obra de importancia, The Lady of Shalott (1892), tuvo que ser completada por uno de sus ayudantes.


La autobiografía de Hunt, Prerrafaelismo y la Hermandad Prerrafaelita (Pre-Raphaelitism and the Pre-Raphaelite Brotherhood) fue escrita para corregir a otros libros aparecidos sobre el movimiento, en los que no se reconocía debidamente su contribución al mismo.




Maribel Alonso Perez
24 julio 2011